Puentear

HÉCTOR NOAS: LO MEJOR ESTÁ POR LLEGAR.

2012-02-02T21:01:00.000-08:00

(entrevista al destacado actor cubano)

Revista Literaria y Cultural SiC, octubre-noviembre-diciembre 2011 Editorial Oriente

Por Carlos Barba
cineasta

¿Cómo comenzó ésta historia, en la vida, y el arte de Héctor Noas?, ¿dónde naciste?, ¿cómo te llega el ansia de la interpretación, de ser artista?

Todo empezó en Holguín donde nací. Curiosamente, y de forma inconsciente, desde pequeño mis juegos infantiles se inclinaban hacia la interpretación de personajes de las Aventuras que se emitían por televisión o en la radio (en esa época, la radio y sus programas seriados, tenían mucha audiencia en Cuba. Eran casi un elemento de compañía para todas las familias). Yo trataba de confeccionar las espadas, cascos y escudos de Los vikingos, la capa y el antifaz de El zorro, la ballesta de Guillermo Tell o el machete y sombrero de Los mambises. Solía jugar con mis amigos a repetir combates e historias imaginadas. Esto no sólo se limitaba a juegos colectivos. También en soledad, frente a un espejo, dialogaba con otro "oponente" que me daba réplicas, creo que esto pasa en casi todos los niños donde la imaginación es un arma para la evasión y el disfrute. En esa etapa tan maravillosa que es la infancia iba gestando en mí el deseo oculto de ser actor.
Tuve la suerte de criarme en una familia que a pesar de algunas circunstancias especiales, era unida, alegre, que disfrutaba de las reuniones alrededor de un buen lechón asado en púa, acompañarse de guitarras (o más bien "tres" guajiros) mientras la alegría de las controversias o canciones románticas llenaban los fines de semana familiares a orillas de un río, en la playa Pesquero Nuevo o en alguna casa en particular.
Mis abuelos fueron dos personas fundamentales en esta etapa. Mi abuela era una mujer muy deshinibida. Gustaba de cantar, recitar poesías y es una de las personas con mejor conversación que he conocido en mi vida. Leía mucho y hablaba de cualquier tema. Mi abuelo era el hombre más noble que te podías encontrar. Tenía el don de la improvisación poética. Cuando conocía a alguien, antes de despedirse ya esa persona se lleva consigo una poesía en décimas que él le había compuesto en unos minutos. A mi abuelo le gustaba escribir décimas para que yo recitara en los matutinos escolares o cuando llegara alguna visita a mi casa. Tanto él como mi abuela sentían orgullo de mostrar a su nieto como un niño con condiciones para el arte. De alguna forma, canalizaban a través de mí sus deseos de haber sido ellos mismos artistas reconocidos.
En las actividades de la cuadra, siempre se me pedía que cantara, recitara o hiciera junto a otros niños escenas humorísticas donde no faltaban los aplausos que alimentaban ese "ego" tan inherente a los actores.
Luego en la adolescencia vinieron las inhibiciones lógicas y no fue hasta que entré en la Academia Naval para estudiar Piloto de Altura de la Marina Mercante, que retomé el deseo de ser actor y me incorporé al grupo de teatro de la Academia Naval donde llegamos a tener el Primer Premio en el Festival de Aficionados de la Marina con la obra "El 23 se rompe el corojo", de Raúl Pomares.

Licenciado en Artes Escénicas con especialización en Actuación en el Instituto Superior de Arte de La Habana, (ISA), en 1988. Graduado con medalla de oro y diploma de honor. Perteneces a una generación de actores que hicieron y siguen haciendo historia en la Isla.

Ya graduado en la Academia Naval y a pesar de haber sido uno de los primeros expedientes (tanto que me seleccionaron para que leyera el discurso de los graduados de mi promoción) sentía una especie de frustración y mucha decepción al no ver que mis expectativas como ser humano iban a realizarse en esa carrera. La vida (o uno mismo) va acomodando las cosas. Herman Hesse decía algo así: "cuando alguien que de verdad quiere algo y lo encuentra, no es la casualidad la que se lo procura. Su propio deseo y su propia necesidad lo conducen a ello". Mientras esperaba para ser ubicado en uno de los barcos de la flota, por recomendación y embullo de algunos amigos que iban a participar, me encontré vestido con frac y chalina entre los cientos de figurantes que llenarían los salones del Palacio de los Capitanes Generales en la filmación de las escenas de la película Cecilia, que en esa locación estaba rodando Humberto Solás. Fue una experiencia inolvidable. Creo que toda La Habana pasó por allí. Era un sitio de moda. ¡Eran otros tiempos! y la ilusión de ponerse un traje de época, compartir con gente agradable, hacer relaciones y estar en una película de Humberto Solás se convertía en un deseo oculto, o no, para la mayoría de los jóvenes. Cuando terminó de grabarse esa parte de la película y ya no se necesitaba a esa enorme cantidad de extras pensé que todo había terminado, que como quien despierta de un sueño debía volver a la realidad y asumir que otro sería mi camino aunque no fuese el deseado. Me estaba apresurando en la derrota. A los pocos días me fueron a buscar a mi casa porque se iba a comenzar la filmar la escena de la tertulia de Isabel Ilincheta. Esta tertulia se haría con intelectuales auténticos. Iban a interpretar personajes de la época, personalidades como Pablo Armando Fernández, Miguel Barnet, Eliseo Diego, Enrique Pineda Barnet y muchos más igualmente notables...¡todo un lujo! y Humberto había pedido a dos o tres extras para que estuvieran acompañando a estos personajes y entre ellos estaría yo. Allí entre las conversaciones supe que en breve, Enrique Pineda Barnet impartiría un taller de actuación para trabajadores del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos, ICAIC, y algunos extras que estuvieran interesados en desarrollar sus aptitudes. Por supuesto que no desaproveché esa ocasión y durante más de un año asistí con absoluto rigor a todas las clases que se daban, graduándome en ese taller a finales de 1982. Por obtener la nota más alta, además del diploma de graduado, Enrique Pineda me extendió cartas de recomendación para algunos directores de la televisión que podían estar interesados en utilizarme. Debo decir que de todos recibí una respuesta muy positiva en cuanto a deseo e intención de trabajar conmigo, pero también la negativa de poder hacerlo al existir algo burocrático y horrible que se llamaba "la norma" donde los actores se veían obligados a hacer hasta de figurantes en aras de poder cumplir determinado número de "actividades" y así cobrar un poco más de salario. Esto implicaba que nadie que no fuera del sector pudiese "quitarle" actividades a otros. Hubo una especie de luchas injustas entre los actores que hacían teatro, o radio o televisión y ni qué decir del cine. A esto se sumó el hecho de que si no estabas evaluado no podías decir ni "hola" pues ese "hola" se lo quitabas a alguno que no podría cumplir su "norma". Un desastre, que por suerte fue eliminado y ya sólo queda en el recuerdo de quienes sufrieron las consecuencias; pero en aquel momento para mí que quería ser actor, esto era un impedimento. Para poder evaluarme debía tener un curriculum y con esta normativa que me impedía decir "hola", jamás tendría nada que mostrar a un tribunal. A pesar de que el curso de actuación de Enrique Pineda fue algo que me descubrió cosas fundamentales y técnicas que a día de hoy llevo conmigo, mi única forma de ser actor (de forma reconocida) era estudiando en el Instituto Superior de Arte y esto (que no será contado en esta ocasión por la enorme cantidad de vicisitudes burocráticas que hube de atravesar hasta poder ingresar en el curso regular diurno del ISA en la especialización de Actuación) me permitiría no sólo decir un "hola" sino que me prepararía para algo más sólido como hombre dedicado a las artes escénicas.
No sé si mi generación hizo historia pero sí te puedo asegurar que fue una generación llena de ilusiones y también de sacrificios. Éramos muy ingenuos. Soñábamos con hacer una película como Fama, esperábamos con ansias renovadas cada año el Festival de Cine Latinoamericano, los ciclos de la Cinemateca y el nuevo cine soviético de los 80's que ya no veíamos tan aburrido. Uno entraba al ISA y respiraba los deseos de creación en cualquier área. Había mucha actividad en la escuela y teníamos excelentes profesores. Para mí, ser actor era (y sigue siendo) algo más que ser famoso.

¿Qué piensas de la academia?, muchos actores dicen que tanto para odiarla como para quererla, es necesaria.

Te confieso que cuando me gradué en el ISA, a pesar del diploma de honor y la medalla de oro y de tener una de las mejores profesoras de actuación capaz de dotarte de un arsenal para el trabajo como actor, (me refiero a María Elena Ortega quien se había graduado con honores en un prestigioso Instituto en Moscú), yo sentía que mi formación era incompleta. No sabía qué hacer con tanta información. Había en mí una especie de rigidez o dogmatismo a la hora de ver la actuación. Me sentía inseguro, descolocado y me preguntaba cada día: ¿Y ahora, qué?. Creo que la teoría es válida como método de análisis previo al momento de subirte al escenario o ponerte delante de una cámara. Cuando llega ese momento sólo debes poner toda tu atención en quien tienes delante. La atención a la contraparte es la base de la actuación y el descubrimiento de la acción interna y su importancia para desentrañar el subtexto y las diferentes perspectivas en la psiquis de un personaje, fue algo que sólo experimenté con el paso de los años y la práctica dentro de la profesión. Conozco a muchos actores y actrices que son excelentes teóricos. Son capaces de hacer análisis brillantes en un trabajo de mesa, pero luego no pueden transmitir un sentimiento o comunicar una idea mediante un personaje o lo que es peor, se vuelven poco creíbles. Yo tengo mucho que agradecer a la Academia. El método de análisis dramatúrgico que te permite conocer y manejar los objetivos, los conflictos, los sucesos fundamentales y demás elementos para elaborar una cadena de acción interna, sin que ésta interfiera en la frescura o la intuición, por lo menos a mí me ha servido de mucho, pero nunca se debe priorizar esto al trabajo de las emociones que son las verdaderas portadoras del mensaje.
No existe una regla exacta. La actuación no es matemática. Hablo de mi experiencia. Hay actores brillantes que nunca han estado en una academia pero de forma intuitiva aplican los conceptos que allí se dan. Hay algunos que una vez que trataron de aprender la teoría perdieron el encanto y otros que descubrieron un mundo fascinante al poder contar con un arma que canalice u oriente lo que desean hacer.

¿La primera vez que subiste a un escenario fue en teatro con "El 23 se rompe el corojo"? Hablemos de ésta puesta, y de lo que significa este medio para el actor. Muchos dicen que el teatro es la base, lo necesario, ¿qué piensas de esto?

La primera vez que me subí a un escenario, sería yo un niño y fue en un acto matutino en la escuela primaria. Creo en ese momento quería salir corriendo, pero una fuerza mayor me hizo abrir la boca y decir los versos. Mientras decía los versos iba contando mentalmente las estrofas que me faltaban para terminar. Los aplausos fueron un bálsamo. En otras ocasiones, me preparaba para hacerlo y a medida que se acercaba el momento, el miedo me invadía. Siempre pensaba: ¿por qué tengo que hacerlo?. No era lo mismo exponerte entre tu familia o conocidos que para un público heterogéneo. Una vez que empezaba, todo cambiaba. Sentía que tenía un poder sobre los demás que culminaba con los aplausos (curiosamente, hoy no tengo problemas para ponerme delante de cualquier público y hacer lo que sea, pero en el marco familiar o privado me siento incapaz de actuar)
"El 23 se rompe el corojo" con los aficionados de la Marina, fue mi primera participación en una obra como tal y marcó mi reencuentro con la actuación después de algunos años. También fue mi primera experiencia con un director, una determinada puesta en escena, funciones en diferentes sitios y público más diverso.
Se dice que el teatro es la esencia porque fue lo primero. También porque es el único medio donde eres responsable de lo que haces si tienes en cuenta que aunque el director te trabaje mucho en los ensayos, sólo tú puedes transmitir la idea sin la posibilidad de un corte u otro elemento que sustituya al actor, como sí puede hacer el cine o la televisión. Ahora bien, eso no quiere decir que sólo los actores de teatro son buenos actores. Hay excelentes actores de teatro que no saben o no pueden hacer cine y viceversa. Son medios diferentes con formas e intensidades propias. En la medida en que un actor sea capaz de adecuar o moldear su forma de hacer según el medio en que lo realiza, mayor será su acierto, pero no será mejor actor por eso, será simplemente más dúctil. Es como la música, no importa si la escuchas en cassette, en discos o en soportes digitales. Lo importante es escucharla y lo que ésta sea capaz de transmitirte en ese momento.
A mi el teatro me da una satisfacción especial y es el hecho de que parto prácticamente de cero y voy cada día añadiendo características, elementos, que me permiten ir creando esa alma diferente a la mía. Puedes ir probando cosas todos los días, incluso durante las funciones. Se establece una retroalimentación con el público que no tienes en otros medios y puedes sentir inmediatamente el resultado de lo que haces. Nada puede impedir hacer lo que sientas, durante la representación de la obra. El teatro es donde más agotado termino, donde más desnudo me siento, donde más satisfecho me encuentro porque he podido controlar el resultado de lo que he querido decir o hacer una vez que se sube el telón y donde cambia más mi estado anímico una vez terminado.

¿Cuáles son tus puestas más recordadas? y los grupos de teatro en dónde te has sentido más a gusto, ¿dónde se ha cumplido mejor el sueño de las tablas?.

Mis trabajos en teatro más recordados son "El Publico", "Calígula", "Morir de noche", "El Rey Lear" ,"Arte" y "Misery". Todas con el grupo de Teatro El Público que dirige Carlos Díaz excepto "Misery" que la hice en España. Indiscutiblemente donde mejor me siento es con El Público, aunque en Cuba no he probado aún con otras compañías. Habrá que esperar al futuro para hacer comparaciones más objetivas. He hecho muchas obras buenas, pero la mayoría he debido de asumirlas con pocos ensayos. Para esta labor ha sido fundamental el entrenamiento que tanto la radio como la televisión me han dado. Estos medios, por sus características propias te preparan para rápidamente asumir roles distintos.
Fue una lástima que de "El Rey Lear" sólo se hicieran 5 funciones. Era una obra inmensa, con una producción impresionante y donde yo me he sentido más a gusto haciendo una caracterización muy alejada de mi persona (la del Conde Gloucester). "Misery" fue algo que me tocó en suerte. La hice con una compañía española y al lado de una excelente actriz (Beatriz Carvajal). Éramos sólo dos actores en escena y el éxito fue maravilloso.

Dirigiste las puestas "La espera" y "Martí y la esclavitud", ¿actuaste también?, ¿por qué nunca más probaste esta faceta de director que en una etapa temprana de tu carrera te interesó?

"La Espera" es una obra de Gloria Parrado que yo había hecho en el curso de actuación del ICAIC con Enrique Pineda Barnet y que luego usé para mi examen de ingreso en el ISA. Es una obra corta de dos personajes, muy interesante. Ya en el segundo año de la carrera, cuando nos tocó hacer teatro cubano, la retomé pero haciendo yo el otro personaje. Me acompañó en esta ocasión Polito Ibáñez que era de mi grupo y queríamos hacer algo bueno juntos. Creo que lo logramos por lo que nos dijeron y por la nota obtenida. "Martí y la Esclavitud" fue un espectáculo que si bien empecé a organizar como parte de una asignatura, fue un resultado bastante colectivo. No pensamos en un inicio que fuese a gustar tanto, pero lo cierto es que nos dio muchas alegrías a todos. Creo que tanto la dirección como la enseñanza son dos actividades que respeto mucho. Me siento con deseos de hacerlas pero aún no se han convertido en una necesidad. Quizás por ese mismo respeto, o porque la actuación me ha colmado en muchas ocasiones, he puesto en segundo plano de preferencias ambas cosas. No lo descarto, por supuesto y te confieso que temo probar en serio y luego sea la actuación la que ocupe ese segundo plano.

Comenzaste a hacer televisión y cine muy rápidamente, una época fructífera, donde había mucho que hacer, los gloriosos ochenta. Conversemos primero de la etapa televisiva, pues Héctor Noas, no es de los actores que hizo muchas telenovelas, por ejemplo, y sí seriales muy diferentes. Comencemos por los trabajos que recuerdes con mayor satisfacción.

Bueno, realmente no eran tantas la posibilidades que tenía de hacer televisión. En gran medida había una plantilla enorme de actores y actrices que ya tenían ganado un espacio en la televisión, o sea que era difícil la competencia. Tuve la suerte de que un amigo que quería hacer el examen de ingreso en el ISA me pidió trabajara con él en una escena de "Requiem por Yarini". Esta escena se la iba a montar uno de los grandes de la televisión en aquel momento: Carlos Piñeiro. Ahí surgió el vínculo y Carlos me propuso hiciera un teatro bajo su dirección. La obra en cuestión era "Muchas felicidades". Una obra bastante coral pero interesante. Esto fue mientras yo estudiaba en el ISA. Luego vinieron otros trabajos pero que en gran medida me dejaban más sensación de frustración que alegría. Tanto así era que valoré seriamente dejar la actuación. Yo pensaba "si esto es lo que voy a poder hacer, prefiero dejarlo", a pesar de todas las dificultades que había tenido que atravesar para poder estudiar, para mí no hay peor sentimiento que la frustración. Yo había visto Algo más que soñar y estaba seguro que eso era lo que yo quería hacer, por lo tanto a alguien que era capaz de lograr un resultado así es a quien debía acudir, y supe que Eduardo Moya, quien era este director, estaba preparando un nuevo proyecto. Enrique Pineda tuvo la atención de llamarlo y contarle sobre ese joven actor graduado de su curso de actuación y ahora egresado del ISA para que al menos me viera y si le interesaba hacerme algunas pruebas. Lo demás ya se sabe: me hizo el casting y gustó lo que hice. Recuerdo muy gratamente además de El Polaco, al Mercurio deShiralad, al Violador de Día y noche, al profesor de historia de Blanco y negro ¡No!. Las cosas sobre Martí con Tomás Piard, algunos Teatro ICRT con María de Los Ángeles Núñez y últimamente con la posibilidad de los llamados Teleplays, he tenido la suerte de estar en algunos que me han marcado como son El hombre de Venus de Charlie Medina, ¿La vida en rosa?, de Ernesto Daranas y Puertas, de Magda González Grau. Han sido muchas las cosas que he hecho en la televisión en Cuba.

Pues vamos a detenernos en esos dos seriales De tu sueño a mi sueño, en el personaje espléndido de El Polaco, y en otro, El Mudo de "Su propia guerra", para Día y noche.

Lo que tuve a favor en De tu sueño a mi sueño es que era un actor desconocido y eso ayudó en la credibilidad del personaje. De haber sido una cara conocida, aún con el mismo acierto en el trabajo, no se hubieran dado los equívocos de que hubo personas que pensaban que yo no era un actor cubano. Era el mejor elogio que recibía. Esa serie borraba prácticamente mis anteriores trabajos y me colocaba en una posición ventajosa a la hora de elegir personajes en el futuro. Hasta hoy me persigue gratamente ese personaje y por el que muchos me identifican en Cuba: El Polaco de De tu sueño a mi sueño. A partir de esa serie se me abrió el camino.

Con el personaje de El Mudo de "Su propia guerra" tuve la suerte que al no tener que hablar, no tenía que memorizar textos y por esa razón pude hacerlo. Era una etapa donde estaba haciendo varias cosas a la vez y lo que quería era alejarme de la imagen de El Polaco para evitar el encasillamiento. Lo mejor en estos casos es hacer personajes característicos. Siempre son agradecidos y a El Mudo le vi esa posibilidad. Hacerlo, me permitió entrar en contacto con Abel Ponce quien me estuvo observando y en una de las filmaciones me llamó para decirme que estaba pensando hacer otro Día y noche de dos capítulos sobre una historia que le fascinaba. Me confesó que habían actores llamándole para el personaje protagónico pero que sólo me veía a mi: se trataba de "El Violador". Muy buena historia. Fue muy paciente y me ayudó mucho pues yo contaba con muy poco tiempo para irme a grabar a Matanzas. Por las características de este personaje, que vivía desdoblándose en diferentes personajes como forma de su modus operandis, hubo días que tuve que hacer cuatro caracterizaciones prácticamente seguidas. Es un trabajo que quiero mucho y que me ayudó enormemente.

Hay dos obras sui generis, a mi modo de ver, dentro de las habitualmente llamadas Aventuras: Shiralad, que fue algo diferente dentro de la TV Cubana, y dos telenovelas tan interesantes como El año que viene y Entre mamparas. Me gustaría te refirieras a estos tres trabajos.

Hay quien dice que a veces los astros se ponen en una alineación específica para favorecerte. Creo que eso me ha pasado varias veces y es justo agradecer si así ha sido. Cuando oí hablar de Shiralad por primera vez era un proyecto que ya estaba casi a punto de arrancar. Se hablaba del elenco, todos actores ya muy reconocidos y a mí sólo me quedaba suspirar porque al no serlo se reducían las posibilidades de que alguien me llamara. Pues entre que hubo un retraso, lo suficiente como para que algunos de los actores ya no estuvieran disponibles o quien sabe por qué razón, lo cierto es que un día me llamó José Luis Jiménez, el director de Shiralad y me propuso hacer el Mercurio. Era realmente un reto. Nunca se había hecho algo así en la televisión y encima comenzaba el terrible "período especial" que convertiría cualquier proyecto en una verdadera tortura para todos. Sólo el talento de los que estuvieron y el tesón de José Luis de no claudicar y convertir en arte todos los escollos, logró ese milagro que es sin dudas Shiralad. Es una serie que ha resistido el paso del tiempo y que la televisión cubana puede mostrar con orgullo en cualquier latitud. Como actor soy muy riguroso, casi obsesivo, mi sentido de la perfección no me deja en paz si sé que tengo algo valioso delante. Trabajé mucho con José Luis sobre el personaje y de cómo hacer creíble algo tan increíble como un androide. Me ayudó mucho mi trabajo en la radio que había pulido mi dicción, pues ese androide debía expresarse de forma perfecta, sin titubeos. Ese personaje me enseñó a relajarme y a soportar altas temperaturas con trajes imposibles de llevar sin que se me notara el sudor. Llegué a controlar hasta ese aspecto. Fue un entrenamiento excelente para la concentración y la relajación de la mente.

El año que viene fue otro regalo que agradezco principalmente a Luisa María Jiménez. Un día me llamó Héctor Quintero y me contó que iba a hacer una serie donde un personaje que era importante en la historia, moría en el primer capítulo y luego sólo saldría en 7 capítulos a manera de retrospectivas, donde apenas hablaba. Si tienes en cuenta que la serie pasaba de los 100 capítulos, no era como para alegrarse mucho, por muy importante que fuese el significado de ese personaje. El problema estaba en que Luisa, quien sí era una de las protagonistas femeninas, le había pedido que fuese yo ese personaje. Luisa es una actriz que se entrega como pocas y necesita tener una contraparte que a ella le aporte. Héctor tenía un dilema. Quería complacer a Luisa pero sabía que con esa escasa participación lo más seguro es que yo no aceptara. Tuvo una feliz idea. Yo haría ese personaje y luego sustituiría en la adultez al personaje protagónico que era mi hijo. Ya eso para mí era un privilegio: poder hacer el padre y luego el hijo adulto. Así pude trabajar con Luisa en la primera parte y con esa otra delicia de actriz que es Alina Rodríguez, en los últimos 10 capítulos de la serie que no era otra cosa que "Contigo pan y cebolla", de forma novelada.

Entre Mamparas es otro ejemplo de que lo que está para ti, nadie te lo quita. El asistente de dirección de la serie le había propuesto a Consuelo Elba que yo hiciera un personaje determinado. Era un personaje interesante, casi una caracterización, pero yo estaba bastante complicado con el teatro, y algún proyecto en una co-producción en cine. La serie no arrancaba por diferentes motivos y tuve que dejarlo. Pasó el tiempo y cuando se fue a realizar el proyecto, la actriz que estaba destinada para la protagonista ya no podía hacerlo. Consuelo Elba tuvo la suerte de que en esos momentos regresaba de Colombia Isabel Santos quien aceptó el personaje. Empezaron a ensayar y habías cosas que no engranaban bien. Isabel, a quien yo admiraba por encima de todo, le pidió a Consuelo que me llamaran a mí para el protagónico. Ante semejante oferta yo no podía hacer menos que entregarme a esa historia y dar gracias a Isabel porque su deseo fuese trabajar conmigo. Para mí era la realización de un sueño. La química fue mutua desde el primer ensayo. Fue un trabajo intenso. Entre Mamparas fue una serie muy interesante. Todavía no entiendo cómo repiten tantas cosas y esa nunca más se ha vuelto a poner en la televisión.

¿Cuál es tu primera película? ¿Te interesó el cine desde siempre, desde la época en que lo conociste de cerca en Cecilia o lo veías como una posibilidad más dentro de la actuación?

Bueno, al contrario de la mayoría de los actores en Cuba que empezaban por el teatro, luego la televisión y finalmente si era posible, el cine, yo comencé por el cine. Ya estando en el curso de actuación del ICAIC en 1982, Jorge Luis Sánchez quien estaba conmigo en ese curso, me pidió le protagonizara un corto de ficción llamado La dimensión de un instante. Luego, estando también en ese curso, Miguel Torres me llamó para su cortometraje Crónica de una infamia donde yo era el líder estudiantil. Pero no fue hasta 1983, ya graduado de ese curso y habiendo hecho el examen de ingreso en el ISA, que Enrique Pineda Barnet quien ya me conocía perfectamente como actor me probó (a sugerencia de Miguel Cossío quien era autor de la novela "Brumario" de donde se inspiraba el guión de la película Tiempo de amar) en el personaje de Sergio, el intelectual.
Por supuesto que el cine es un medio que todos o casi todos queremos hacer. Es el arte que perdura, donde tienes más tiempo para trabajar un personaje después del teatro y donde una vez que logras mejorar todo, ya queda de por vida. Eso es lo bueno y lo malo del cine, que una vez hecho no puedes arreglarlo, por eso tienes que tratar de estar a la altura en todas las tomas que se hagan.

Ecos, de Tomás Piard, el primer largometraje realizado por un cine club...

Estaba estudiando en el ISA y se había estrenado Tiempo de amar. Un día me llamó Tomás Piard pues César Évora con quien sí Tomás había trabajado antes, le habló de mí como actor para ese proyecto que resultó ser el primer largometraje de ficción del Cine Aficionado Cubano. Era un largometraje donde no había diálogos. La fuerza estaba en la imagen, en la historia y en la música. Para los actores significaba un reto pues debíamos dar sin el uso de la palabra todo el mundo interno y los conflictos que se planteaban. Piard me propuso el personaje de el Sacerdote. Era un personaje muy interesante. Un hombre que a pesar de su fe, sufría en silencio por amor. Tenía un par de escenas pero las recuerdo muy gratamente. Piard es un director que habla mucho con los actores y a mi eso me parece fundamental. Traté de hacer un trabajo lo más sincero posible desde la sobriedad. A Piard le gustó mucho y a partir de ahí se estableció un vínculo profesional y humano muy lindo.

Luego repites con el mismo Piard en Boceto.

Precisamente porque la relación humana y profesional fue muy fluida, Tomás me mostró un guión que estaba escribiendo y que para él era muy importante por lo que de vivencial tenía. Era la historia de unos amigos que tienen que separarse, sobre sus miedos, amores, sentido de la fidelidad y también sobre la importancia de un escritor que perpetúa la memoria. Fue un trabajo hermoso, lleno de emociones y donde entre los actores se estableció una complicidad enorme. Es una película llena de códigos, con diferentes niveles de lectura y a mi modo de ver hermosa.

Hablemos de algunos filmes al azar, (los que realizaste junto a Enrique Pineda Barnet lo dejaremos para más adelante).

a) Fiesta, de Augusto Coopola, ¿de qué se trata?

Fiesta fue un proyecto de co-producción entre EEUU y los Estudios Cinematográficos del ICRT. Augusto Coppola estaba como productor y director general, aunque realmente algunos realizadores cubanos eran los encargados de dirigir directamente algunas partes de la misma. Era una película sobre Ernest Hemingway. Dentro de la película se reconstruían algunas de las historias del escritor que habían sido llevadas al cine. Dentro de estas historias estaba "Tener y no tener". Estuvimos filmando una semana en Batabanó. Realmente nos divertimos mucho porque el elenco no tenía precio. Sé que al final hubo desacuerdo entre ambas partes y el proyecto, a pesar de que las historias estaban grabadas y editadas con mucho nivel, quedó paralizado. Podía haber sido algo muy bueno realmente.

b) Melodrama, polémico mediometraje de ficción de Rolando Díaz, que inicialmente formaba parte, junto a Madagascar (Fernando Pérez) y Quiéreme y verás (Daniel Díaz Torres), del proyecto "Pronóstico del tiempo". Pero que finalmente quedaron como cintas independientes.

Efectivamente, Melodrama formaba parte de una trilogía y a mi modo de ver la que más hacía referencia a las otras dos historias. Fue un trabajo muy agradable. Con Rolando Díaz se establece una relación de trabajo muy cómoda. El guión era muy simpático y a mí me daba la posibilidad de hacer una caracterización diferente. Detrás de ese hombre serio, metódico y estable, había un ser pervertido, lujurioso y manipulador. La película a pesar de que se puso una sola vez y a las 11 de la mañana durante el Festival de Cine Latinoamericano de La Habana de ese año, obtuvo el Premio de la Popularidad. Después, nunca se estrenó.

c) La pared, Alejandro Gil.

Mientras grabábamos ¿La vida en rosa?, de Ernesto Daranas, Alejandro Gil me habló sobre un guión que estaba escribiendo. Era la historia de un hombre que espantado de todo y de todos, ante la creciente pérdida de valores humanos y lo que para él eran traiciones imperdonables, se encerraba en un sitio con amenaza de derrumbe. Un equipo de médicos haría lo imposible por convencerle de que debía abandonar su postura en aras de salvarse y marcharse de ahí. Es una historia que me resultó muy atractiva. Cuando me leí el guión, a pesar de algunas zonas oscuras, supe que lo haría de cualquier forma. Ensayamos toda la película menos una escena: la del reencuentro con su madre. Es una escena sin diálogos. En ella, mi personaje está ya casi sin fuerzas, sumido en una profunda depresión y le traen a su madre como último recurso para rescatarlo del desastre. Se preparó todo, se ensayó el recorrido que haría la madre (Eslinda Núñez) para que no hubiese problemas. La relación y lo que hicimos los actores se hizo en toma única. Para mí es la mejor escena de la película y casi antológica dentro del cine cubano. Hay que reconocer que la música de Juan Antonio Leyva y Magda Rosa Galván fue excelente en toda la película, específicamente en esa escena se lucieron. Establecieron entre dos instrumentos el diálogo que los personajes no podían tener. Es un trabajo del que me siento muy orgulloso aunque para muchos sea una película oscura y cerrada, pero, es que de eso se trataba.

d) Los dioses rotos, que te ha dado tantas satisfacciones, de Ernesto Daranas.

Ernesto Daranas es el guionista de El hombre de Venus y trabajó codo a codo con Charlie Medina durante todo el proceso. Ahí comenzó el vínculo. Luego cuando tuvo la posibilidad como director de hacer su ópera prima en televisión me llamó y el resultado fue ¿La Vida...? Este trabajo mostró a alguien con nuevas ideas, con una forma de hacer diferente y con muy buen gusto estético a la hora de mostrar la realidad cubana. ¿La vida en rosa? fue multipremiada y lógicamente el próximo paso era que Daranas pudiera hacer su primer trabajo en cine. Me enseñó el guión de Los dioses rotos y me habló de un personaje que estaba escribiendo pensando en que yo lo hiciera. Era un personaje que estaba en toda la película, se relacionaba con la mayoría de los conflictos aunque su conflicto personal, el principal, estaba oculto. Esto era muy interesante porque en gran medida me permitía como actor trabajar la "doble perspectiva" de un personaje. Todo hubiese estado bien si no hubiera existido el personaje de Rosendo dentro de la historia. Cuando me leí el guión, desee con todas mis fuerzas que nadie pudiera hacerlo porque ese personaje tenía que llegar a mi vida y a mi carrera como actor. Soy blanco, con ojos azules, me había dado a conocer con un personaje que era un extranjero. La mayoría de mis trabajos en Cuba me habían dado prestigio como actor pero también configurado una imagen de "hombre que poco tiene que ver con lo que pasa en la calle" y meterme en la piel de un proxeneta y santero que tiene que lidiar e imponerse de cualquier forma en un marco oscuro, era un caramelo demasiado apetecible como para no desearlo. Daranas siempre me ha respetado y ha creído en mí. Sé que de no ser él, difícilmente hubiera podido hacer el personaje de Rosendo, simplemente porque no me hubieran visto como tal. Ya sabemos los esquemas que existen. Cuando llegó la hora de que se hiciera factible llevar adelante el proyecto, Daranas me preguntó cuál personaje quería hacer y no lo dudé. Yo estaba en Madrid y arreglé todo para estar allí con tiempo suficiente para empezar. Debo confesar que es uno de los personajes que menos esfuerzos me ha costado. Cuando está bien escrito, tienes las cosas claras, hay buen entendimiento con el director y el resto de actores y encima te ponen en el marco adecuado, sólo tienes que relajarte y disfrutar con ese regalo que te han puesto delante. Los dioses rotos sólo me ha dado alegrías y supuso para los demás una nueva faceta en mi como actor.

e) Kleines Tropicana, de Daniel Díaz Torres.

Cuando me leí Kleines Tropicana no paraba de sonreír. Eran tan imaginativo como sorprendente. Mi personaje era pequeño aunque importante ya que desataba toda la historia. Creo que Daniel Díaz me lo propuso independientemente de que le gustara como actor, porque el personaje de El Polaco era ya un aval para hacer de un espía alemán enigmático. Yo lo disfruté mucho. Me encantaría hacer más comedia. Pienso que el talón de Aquiles de las comedias en Cuba, independiente de las historias, es la falta de ritmo al hacerlas. Los cubanos somos ágiles de mente, risueños y pasionales, nos movemos mucho, pero a la hora de hacer una comedia nos queremos poner trascendentales o remarcar demasiado algunas pausas.

f) Algunas coproducciones, más o menos, vistas en nuestro país: Tierra Índigo (que pasó como serial), Sabor Latino, Mambí, Un rey en La Habana

Si, Tierra Índigo siempre fue concebida como serial. Nunca la he visto y sé que tuvo muchísimo éxito en Francia cuando la pasaron por televisión. Parece que se sigue poniendo pues me ha llegado a veces a través de AISGE pagos por derechos de imagen. El director Jean Sagols me quería para un personaje bastante importante pero luego al entrar otros países en la co-producción hubo que ceder algunos protagónicos y entre ellos, el mío. Él habló conmigo, fue muy atento y me pidió que hiciera el personaje del Gobernador de Cayenna, que aunque tenía pocas secuencias necesitaba a un actor con mis características pues mi personaje tenía una escena importante con Mireille Darc. Para mí eso fue un atractivo añadido. De pequeño había visto muchas de sus películas. Mireille Darc había sido un sex symbol importante en Francia en los 70', así que acepté porque además todo se rodaría muy cerca de Varadero con lo cual además del trabajo estaríamos disfrutando de una maravillosa playa.

Sabor Latino fue otra de las co-producciones que hice y la primera con España. Mi personaje era el Mayor Folham, un militar de las fuerzas armadas norteamericanas que estaba participando en la mediación con determinada guerrilla centroamericana, por lo tanto hablaba con acento. Era el malo de la película en esa primera parte. Bueno, luego no hubo ningún otro malo porque todos regresaban a Madrid incluida la gran actriz Blanca Guerra quien era la jefa de los guerrilleros y la película se convertía en una comedia romántica con triángulo amoroso.    

Mambí, mi segunda co-producción con España fue un proyecto que me atrajo mucho desde el principio porque ofrecía una lectura interesante sobre lo que fue la guerra y sus consecuencias. Para ello, la historia se basaba en una relación amorosa. Una vez más era el malo, pero también valiente y con lealtad hacia lo que creía. Lo mejor es que el personaje después de hacer de las suyas desaparecía de la película y reaparecía mucho tiempo después en su fase decadente y a punto de ser ejecutado. Esto le daba una despedida muy interesante sacándole el lado humano. Ya me encontraba en Madrid cuando se estrenó la película en el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano. En el concurso de actuación de ese año me dieron el Premio al mejor actor de reparto en cine, pues antes se aprovechaba el marco del Festival de La Habana para otorgar los "Caricatos de Actuación", lo cual fue estimulante desde la distancia. 

Un rey en La Habana fue una simple colaboración especial. El personaje no tenía ninguna dificultad.

Enrique Pineda Barnet, el querido cineasta y amigo, avisó en sus películasTiempo de amar y La Bella del Alhambra, que Héctor Noas estaría formando parte de sus películas posteriores. En la primera, con el personaje de Sergio y en la segunda como Suárez, lo que el propio director define como "galán medio clandestino". Hablemos de esta iniciación con Enriquito, hasta llegar a ser hoy día su actor fetiche.

Enrique no ha sido solamente mi primer maestro de actuación sino quien creyó en mi como ser humano y artista en una época muy difícil. Ha sido un ejemplo en muchos aspectos. Es quien más me ha apoyado y quien más duro ha sido en las críticas hacia mí durante mi formación como actor. Siempre me insistió en la necesidad de la "entrega" y en la importancia de la fe y sentido de la verdad en cada cosa que hiciera. No fue fácil al comienzo. Un ave antes de nacer y volar tiene que romper un mundo, la protección que le ofrece su cascarón. En los primeros encuentros del taller, yo era incapaz de transmitir un sentimiento a través de un ejercicio determinado. A pesar de que yo sentía un mundo por dentro no era capaz de sacarlo afuera, de expresarlo. Quizás, por conocerme como ser humano, el ver mi tesón, mi disciplina, mi sentido de la superación y mis progresos, o tal vez por ese ojo clínico que lo acompaña para detectar dónde hay una verdad, es que ha confiado en mí como actor.

First es un cortometraje, a decir de Enrique, realizado con "toda la intensidad y el amor de la culpa y la reinvindicación", grabado en 1997, uno de los primeros cortometrajes digitales en Cuba.

First es una pequeña joya, un reto que se convirtió en regalo. Enrique lo había escrito estando fuera de Cuba, motivado por el dolor que supone la división entre los cubanos de dentro y de fuera. Las culpas y responsabilidades de un lado u otro, aunque no se queda en esta lectura solamente. Toca una problemática bastante universal y la polisemia es amplia en ese sentido. Cuando lo leí me impactó la forma en que Enrique con una absoluta síntesis metía el dedo en la herida de un problema cercano a todos. Ahora se habla mucho de unirse, de olvidar el odio, etcétera, pero desde hace muchísimos años Enrique con esa honestidad que lo caracteriza ha luchado y ha hecho acciones para que esto suceda, para que haya un acercamiento y un entendimiento entre las dos orillas. Desde el primer momento él tenía claro que quería filmar ese texto aunque no sería fácil por razones de viabilidad. La creación del Taller "Arca, Nariz y Alhambre" facilitó todo. Justamente cuando se dio la posibilidad de hacerlo yo estaba enfrascado en dos proyectos más. Uno en el teatro y otro en televisión. Se me presentó un dilema terrible: no sabía cómo iba a poder hacerlo, no tenía tiempo físico, pero tenía claro que había que llevarlo adelante. Hicimos un fortísimo y riguroso trabajo de mesa. No habría tiempo en filmación para tratar de entender determinadas cosas. Era esencial que yo tuviera bien claro el subtexto, la acción interna que tenía cada palabra. Cada sílaba significaba un mundo, una idea, un sentimiento y encima, por momentos haría dos personajes que son las partes de un todo. Se planificó para grabar el cortometraje durante dos madrugadas en el escenario de la Sala Covarrubias del Teatro Nacional. No sé si fue el agotamiento o el tener las cosas claras o simplemente porque no podía fallarle a la persona a la que más respeto y quiero en la profesión, pero todo fluyó de forma maravillosa. Hoy cuando vuelvo a ver First siento un orgullo inmenso de lo que se logró y agradezco a Enrique su confianza en mí.

La anunciación, antes "Te espero en la eternidad", un guión también acariciado dentro del taller de creatividad artística Arca, Nariz, Alhambre y que por fin vio la luz en digital, a finales de los 2000. Un sueño de Enrique Pineda hecho realidad.

La anunciación tiene su génesis en First. De hecho hay textos de First dentro de la película. Es el mismo conflicto desarrollado de forma más explícita y menos metafórico. Como ya dije anteriormente, Enrique ha sufrido y sufre en carne propia el dolor de la separación-división de la familia, de la cultura, de los valores humanos, de la nación cubana en sí. Nada mejor que hablar de esto que conoce tan bien. Pasaron varios años para poder realizarse. Es de admirar el tesón que tiene cuando cree realmente en algo. Tuvimos muchas dificultades para grabar en condiciones bastante hostiles sobre todo de sonido y espacio para mover cámaras o luces. Enrique pudo contar con los actores que deseaba y fue un privilegio tenerlos de compañeros. Hay mucho de vivencias personales en la película. Es una obra diferente, sin estridencias ni chabacanerías. A mi personalmente me emociona mucho el final de la película y ese mensaje escuchado en la voz de Enrique de "amémonos por encima de las diferencias pues no hay mayor amparo que nosotros mismos". Ese consejo es el grito desesperado de quien quiere dejar con nobleza un testamento enriquecedor.
En la película, mi conflicto fundamental, independientemente de lo que significa el reencuentro con mi hermana, es la frustración de no haber logrado los sueños por los que había entregado mi juventud y los mejores años de mi vida. Todo esto agravado ante la impotencia de tener un hijo del que quiero se sienta orgulloso de mi. Fue una suerte contar con un niño tan especial como Robertico Díaz. Despertó en mi una auténtica ternura y necesidad de protección a pesar de ser un niño muy feliz y realizado en lo que quiere. Había una escena, casi al final de la película donde le hablo con sinceridad sobre nuestra relación y lo que significa él para mi. Es una escena escrita con grandeza y sencillez. Era como la carta que José Martí le escribió a su hijo: "Hijo, espantado del mundo me refugio en ti...". Sólo tuve que mirarlo y ya.

Y llegamos a Verde verde, también de Enrique Pineda Barnet, una película que no ha salido aún, esperamos su estreno este 2011, pero que ya se le augura polémica, un vuelco necesario al cine cubano, como diría un actor de ese filme: "al cine cubano le hace falta una conmoción".

Alarmado ante la creciente ola de asesinatos con carácter marcadamente homofóbico, Enrique Pineda me comentó que quería escribir una historia sobre este tema. Fue una historia que a medida que pasaba el tiempo y las revisiones que el propio Pineda hacía, iba enriqueciéndose con muchos matices a pesar de que la idea original y el desenlace de la historia se mantenían intactos. Siempre supe que era una historia muy buena, muy difícil de contar pero muy necesaria. A pesar del desarrollo de la humanidad y de los logros que han alcanzado algunas sociedades, donde incluso el matrimonio o la unión legal entre dos personas del mismo sexo es algo normal, el tema del machismo y su expresión más radical que es la homofobia siguen propiciando numerosas víctimas. La película, a mi modo de ver, va mucho más allá que una crítica a la homofobia. La película plantea la necesidad de que la humanidad comprenda lo importante que es cambiar la mentalidad sobre el respeto a la esencia de un individuo. La homofobia ya se sabe que es una especie de odio provocado por la inseguridad hacia lo desconocido. El miedo a no asumir determinados aspectos de la personalidad puede llevar a la autodestrucción o el crimen.
No quiero, o no puedo hablar mucho sobre la película aún. El proceso de trabajo fue intenso. Una película donde sólo dos actores llevan el peso del conflicto requiere de una meticulosidad excesiva. El rodaje fue agotador porque se supone que todo sucede durante una noche. Una noche donde hay que mantener la coherencia pero a la vez el desarrollo dramático y la progresión de los estados anímicos hasta el desenlace. Sentí durante el rodaje a Pineda en su máxima lucidez creativa. Es un proyecto donde todos sentimos que estábamos violentándonos para lograr algo verdadero y necesario. Cuando ví el primer corte de la película me quedé muy impresionado. Tiene toda la fuerza y el riesgo que imprimen los jóvenes en una obra. Enrique asumió que tenía que llevar las cosas a término en determinados momentos y así nos lo hizo ver. Estoy muy satisfecho con lo que hasta ahora se ha logrado. Habrá que ver el resultado final una vez terminado el proceso de postproducción y lo más importante: la reacción del público. Con este trabajo siento que he ganado mucho como actor y lo que es mejor, como ser humano. Estoy muy satisfecho.

Tu labor internacional. Trabajar fuera de Cuba y con éxito, ha sido también muy gratificante en tu carrera, aunque uno siempre quiere hacer más, llegar más, ¿qué trabajos recuerdas fuera de la Isla con especial cariño?, ¿cuán complicado es insertarse dentro del medio cinematográfico-televisivo, en Europa?, zona en la que te encuentras y que te ha acogido, viviendo a media mitad entre La Habana y Madrid.

Bueno, lo del éxito fuera de Cuba es algo relativo. Yo no lo veo así. Es cierto que llegué a España gracias a una gira de mi grupo de teatro El Público y con dos obras importantes. Me refiero a "Calígula" de Camus y "El Público" de Lorca y que unos días antes de regresar a La Habana me llamaron para contratarme en una serie de televisión española en un personaje protagónico. Se trataba de la serie Calle Nueva. Esto me abrió las puertas y las ofertas de trabajo empezaron a surgir. Debido al volumen de trabajo en esa serie, no pude aceptar la mayoría. Sí acepté protagonizar en teatro una obra muy buena de Stephen King. Se trataba de "Misery" que ya era muy conocida por la película. Estuve 6 meses girando por toda España con los teatros repletos y muy buenas críticas. Tuvimos que parar la obra porque tanto la actriz como yo estábamos demasiado agobiados con el trabajo en la televisión.
Nosotros en Cuba no estamos acostumbrados a la labor de un representante. Siempre fui responsable de encausar mi carrera por donde más o menos me interesaba sin importarme el tema económico. Sólo me preocupaba hacer personajes, pero aquí las cosas son diferentes. No es justo culpar a otras personas pero lo cierto es que una vez terminada la serie, me seguían llamando para otros proyectos que a mi me resultaban muy interesantes pero que a la persona encargada de guiarme (quizás más interesada en el aspecto económico) me aconsejaba rechazar. Creo que fue un error porque para lograr hacerse un espacio en un sitio que no es el tuyo lo importante es mantener una continuidad. Luego me tuve que regresar a Cuba un tiempo por un tema familiar y al retornar a Madrid fue como empezar de cero. He tenido la suerte de vivir de la profesión en España, de tener proyectos importantes en Cuba que me han permitido mantener mi espacio profesional allí, sin embargo ha coincidido en más de una ocasión, que me han llamado desde Madrid para algo con muchas perspectivas estando filmando en La Habana y eso ha significado también perder una oportunidad irrepetible.
Es difícil insertarse cuando hay situaciones que ya no dependen de ti o de tu talento. En mi opinión, España debe de avanzar mucho aún en la integración. Se habla constantemente de la España plural, del respeto por la diferencia de culturas dentro de la misma península, etc, pero lo cierto es que en la profesión a los actores se les impone tener que hablar como si todos hubieran nacido en Valladolid que es lo que por norma se entiende como "acento neutro". Yo entiendo que los actores deben de ser capaces de modificar parte de su esencia en aras de lograr un personaje determinado, pero verse obligados a renunciar a algo tan importante como es la autenticidad, me parece que a lo único que conlleva es a romper con esa unidad que se pretende. De manera bastante general aquí en España los actores canarios, gallegos, andaluces, catalanes y por supuesto los latinoamericanos si quieren hacer carrera en la península tienen que modificar su manera de hablar o esperar a que exista en una serie o en una película un personaje que requiera de esos acentos para poder expresarse cómodamente. Yo, de lo que menos he hecho ha sido de cubano pues tengo cierta facilidad para cambiar el acento y me han tocado personajes de colombianos, mexicanos, árabes, rusos, etc. Sabiendo que la vida en España es cada vez más multicultural y que la diferencia de acentos en la calle es enorme no veo porqué haya que justificar la presencia de un acento en los medios. Es absurdo, es falso. No permite aprovechar el potencial que ofrece la diversidad, por lo tanto no enriquecen ni ayudan al desarrollo y la integración.
Recuerdo con especial cariño esa serie Calle Nueva que me dio a conocer y en la que estuve un año y medio. También fue interesante la serie que realizada en formato de cine y sobre la vida del poeta Miguel Hernández hizo televisión española. Fue un paso adelante hacer la película El hombre de arena pues llegar a hacer cine en España es bastante complicado si no eres conocido por haber trabajado en ese medio y es que hasta ahora ninguna de las películas importantes que he hecho en Cuba se han visto aún aquí.

¿Qué fue la serie Valientes?

Yo pienso que el antecedente de la serie Valientes estaba en ese clásico de la radio novela que es Los tres Villalobos. Concretamente, tres hermanos que son separados en la infancia porque su padre se ha suicidado al ser engañado y arruinado por su mejor amigo, regresan amparados en una falsa identidad para vengar la muerte de su padre, destruir a ese malvado y de paso recuperar lo perdido. Todo se complica cuando esos tres hermanos se enamoran de las tres hijas de ese señor. Es una historia que se ha hecho con éxito en muchos países variando las circunstancias, las épocas, los nombres, pero manteniendo ese conflicto principal. Tuve la suerte de que me llamaran para hacer el casting del personaje del malvado que, a mi modo de ver, era el mejor. Éste me ofrecía la oportunidad de mostrar no sólo ese lado negativo sino todo el amor que sentía por sus hijas. La cadena CUATRO estaba preparando la versión española de esta serie que, por primera vez, se haría en formato 16:9. La versión argentina había tenido todo el éxito posible multiplicando los índices de audiencia de la televisora que la emitía. A los pocos días me llamaron para confirmar que querían contar conmigo. Como trabajé el acento, no hubo que justificar de dónde era el personaje. En principio la serie iba a durar un año y a pesar del nivel que logró, tuvimos la fatal coincidencia de salir al aire cuando comenzaron las negociaciones para la fusión entre los canales CUATRO y Telecinco. En el horario en que se transmitía, no resultaba factible su continuidad y fue cancelada a los tres meses. Este es uno de los lados oscuros de la profesión. Tristemente, pasa muy a menudo. Una serie que se hacía con un inmenso esfuerzo por parte de la producción, la dirección, el equipo de técnicos y actores no tuvimos la oportunidad de avanzar más en un proyecto que había demostrado su eficacia anteriormente. Fue una pena porque tenía muy buen nivel.

La pregunta final, que muchas veces se repite, pero es inevitable: ¿Cuáles son los planes futuros de Héctor Noas?

Por lo general a los actores nos cuesta hablar de planes o proyectos inmediatos mientras estos no sean una realidad. Quienes nos siguen se hacen ilusiones o creamos expectativas que quizás por alguna razón no llegan a cumplirse y eso no es bueno. Además cuando contamos un proyecto determinado implicamos en la información a terceras personas que quizás desean no comentar nada hasta tanto no se esté realizando. Sí puedo decir que en este momento estoy en las conversaciones, bastante adelantadas, para sacar adelante un proyecto de teatro aquí en Madrid. Es una obra de tres personajes solamente; una comedia muy divertida, que espero tenga una buena andadura por la península y luego llevarla a Cuba. Después de hacer la obra "Arte" de Yasmina Reza con Carlos Díaz me he quedado con deseos de seguir disfrutando de ese tipo de experiencia. También es posible que antes de fin de año esté de regreso a la Habana rodando una nueva película. Sólo puedo decir que es una historia deliciosa, llena de imaginación, en tono de comedia, con muy buenos personajes y que seguramente disfrutaré muchísimo haciéndola. Por lo demás, espero el momento del estreno de la película Verde verde que ya me tiene contando las horas hasta que eso suceda.

Cuando miro hacia atrás no puedo dejar de sentir satisfacción. Fui un niño que imaginaba personajes en sus juegos y creaba historias sin saber que eso podía ser mi forma de ver o comprender el mundo. Siempre acaricié la secreta ilusión de ser actor, de sentirme libre mediante los personajes, de alzarme por encima de las carencias o las realidades mediante algo que considero un poder de transformación. Si pienso en los esfuerzos, sacrificios, años invertidos, pérdidas en el camino y sobre todo en la renuncia a determinadas cosas, la nostalgia me invade. En los años en que los jóvenes estaban disfrutando de cierta lógica relajación, yo estaba inmerso en la tarea de llegar a ser un actor, un buen actor. Las circunstancias de la realidad hicieron que tuviese que invertir el triple de las energías necesarias. No sé si es en premio a la constancia y el rigor que siempre me han caracterizado pero he sido afortunado en logros y metas alcanzadas. Si tuviese que empezar de nuevo, creo que haría lo mismo aunque desde otra óptica. Trato de aprender de lo errores para no volver a cometerlos pero siempre tengo un sueño que alcanzar en el horizonte. Hay quien dice que a los sueños hay que ponerles fecha para convertirlos en meta y yo he experimentado esa sensación de alcanzarla. Lo que pasa es que el horizonte no termina nunca y por eso tengo la certeza de que lo mejor está por llegar.

Fuente: Blog de Carlos Barba

PORTADA AL DOSSIER DE:

2012-01-31T18:14:00.000-08:00

VERDE VERDE

El género de esta película pudiera esquematizarse como Thriller trágico o sicológico, y su temática dentro del odio frente el amor : El crimen homofóbico contra el amor homosexual.Los extremos se tocan; La homofobia es una enfermedad social.
Un hombre huye por un laberinto, perseguido por sus fantasmas, buscando una salida que no encontrará. Alfredo, paramédico de navegación, conoce a Carlos, machazo, informático aspirante a aviador. Ambos emprenden un juego de seducción, en tanto Carlos se afianza en su machismo homofóbico.

Atracción, enfrentamiento, tensa lucha. Sexo, realización, placer, rechazo...

Violencia. La vida se vuelve VERDE VERDE.

Con HECTOR NOAS, CARLOS MIGUEL CABALLERO, FARAH MARÍA y la pintora ROCIO GARCIA

GUIÓN Y DIRECCIÓN - ENRIQUE PINEDA BARNET -DIRECTOR ASISTENTE RAUL GARCIA RIVERON -DIRECTOR DE PRODUCCIÓN SANTIAGO LLAPUR -DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA RAUL RODRIGUEZ CABRERA -CAMARÓGRAFO PABLO MASSIP GINESTÁ ---DISEÑO SONORO Y MEZCLA OSMANY OLIVARE - MONTAJE PEDRO SUAREZ -DIRECCION DE ARTE NIEVES LAFERTE -ESCENOGRAFÍA ALAIN ORTIZ- AMBIENTACIÓN JOSÉ AMAT - MAQUILLAJE MAGALY POMPA- COMPOSICIÓN Y DIRECCIÓN MUSICAL JUAN PIÑERA- COREOGRAFÍA GUSTAVO HERRERA - DISEÑO GRÁFICO NELSON PONCE -ESCULTOR EVELIO LECOUR

En un presente atemporal, se desarrolla esta situación local, pero universal, en cualquier puerto de mar caribeño. Estructura laberíntica, proceso de seducción Alfredo–Carlos, Carlos-Alfredo. Paralelamente, al proceso interior de Carlos en fuga que se desarrolla hasta el clímax, que en su pánico le devuelve al laberinto donde se produce su anagnórisis. Como estructura tangencial, los cuadros de Rocío García, funcionan como sintaxis dramatúrgica para contar la historia.
El extremismo, los prejuicios y las fobias conducen a la destrucción de la sociedad. La preferencia sexual no determina valores humanos. El derecho a las diferencias frente a los prejuicios y las fobias, son verdades muy a considerar. Quiero exaltar valores humanos como el amor y la autenticidad.

VERDE VERDE da maduro. Los extremos, se tocan. Hacer pensar, desprejuiciar, romper esquemas.

Ya que matar al amor, apuñalear lo que pudieras haber querido, a quien nunca te hubiera hecho daño, es una forma fatal de auto aniquilación.

Enrique Pineda Barnet, enero 13 del 2012

créditos del filme cubano "Verde verde", de enrique pineda barnet

2012-01-27T19:09:00.000-08:00

ICAIC; MALAS COMPAÑIAS S.A.; PROGRAMA IBERMEDIA; ARTEX presentan:

"VERDE VERDE"

Con: HECTOR NOAS - CARLOS MIGUEL CABALLERO

FARAH MARÍA

PINTORA - ROCIO GARCIA

GUIÓN Y DIRECCIÓN - ENRIQUE PINEDA BARNET
DIRECTOR ASISTENTE - RAUL GARCIA RIVERON

PRODUCTORES EJECUTIVOS - ISABEL PRENDES-ANTONIO HENS
DIRECTOR DE PRODUCCIÓN - SANTIAGO LLAPUR

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA - RAUL RODRÍGUEZ CABRERA
CAMARÓGRAFO - PABLO MASSIP GINESTÁ.
DISEÑO SONORO Y MEZCLA - OSMANY OLIVARE
MONTAJE - PEDRO SUÁREZ
DIRECCION DE ARTE - NIEVES LAFERTÉ
ESCENOGRAFÍA - ALAIN ORTIZ
AMBIENTACIÓN - JOSÉ AMAT
MAQUILLAJE - MAGALY POMPA
VESTUARIO - GABRIEL HIERREZUELO

COMPOSICIÓN Y DIRECCIÓN MUSICAL - JUAN PIÑERA
COREOGRAFÍA - GUSTAVO HERRERA
DISEÑADOR GRÁFICO - NELSON PONCE
PINTORA - ROCIO GARCIA
ESCULTOR - EVELIO LECOUR

(créditos finales)

ELENCO

ALFREDO: HÉCTOR NÓAS
CARLOS: CARLOS MIGUEL CABALLERO

DAMA SEDUCTORA: FARAH MARÍA

TURISTA VIEJA: WALDO FRANCO

PINTORA: ROCÍO GARCÍA

EL STRIPPER: ADRIÁN OLIVARES CHAPIAU
LA STRIPPER: LAURA RÍOS CURBELO
PUTA INSISTENTE: BEATRIZ GONZÁLEZ VIÑA
BARMAN: ELDIS GONZÁLEZ
BATERISTA: ALEJANDRO PADRÓN

AMIGOTES DE CARLOS: ALAIN ORTÍZ
DANIEL PACHECO
ERNESTO SANTANA
ARMANDO CORRALES
DAYRON MORENO

ESTIBADOR: GUILLERMO CASTELLÓN

PAREJA GAY 1: ARIEL ALBÓNIGA CARMONA
PAREJA GAY 2: JAVIER CASAS
CLIENTE GAY: MARIO DIOSDADO VILAÚ

MARINEROS: ALEJANDRO OLARRIZ
ALEXANDER SEGUÍ
ROMEL MOHAMED ELAZZEH
JORGE YERA VIQUEIRA
DAYRON NARANJO
ROBERTO LÓPEZ

PUTA TRISTE 1: ANA SILVIA MACHADO
PUTA TRISTE 2: DALIANA MCKEIN
PUTA TRISTE 3: YADIRA HERNÁNDEZ
PUTA CON VITROLA: DIONNE DÍAZ PÉREZ

TRAVESTI 1: ADRIÁN LEAL BERVABE
TRAVESTI 2: JEAN MARTÍNEZ COLLAZO
TRAVESTI 3: ARNOLDO PARADA ÁLVAREZ

CHANTAJISTA: JAIRO HERRERA
JOVEN ABUSADO: YUSIEN GÓMEZ

CANTINERO: RAFAEL GILIMÁS
CHULITO: AMED PICO HERRERO
PUTICA DE SU CHULITO: MARÍA TERESA PÉREZ
MOZA: HEIDY CALLEJAS
FLORISTA: ALIRAM JÁUREGUI
LESBIANA 1: MARÍA DE LOS A. CABEZAS
LESBIANA 2: WENDY FRANCO
PUTO 1: JOSÉ SILVERIO MONTERO
PUTO 2: JORGE LUIS MARTÍNEZ

EQUIPO:

OPERADOR DE CÁMARA: PABLO MASSIP

ESCENÓGRAFO: ALAIN ORTÍZ
AMBIENTADOR: JOSÉ D. AMAT

DISEÑO GRÁFICO: NELSON PONCE

JEFA DE MAQUILLAJE: MAGALY POMPA
PELUQUERO: JORGE LÓPEZ

DISEÑADOR DE VESTUARIO: GABRIEL HIERREZUELO

ASISTENTE DE CASTING: ABEL MONTANO
ASISTENTE DE DIRECCION: MARITZA LAWRENCE
ANOTADORA: SANILA RODRÍGUEZ

COORDINADOR DE PRODUCCIÓN: DANILO LEÓN
PRODUCTORA ASISTENTE: OLIVIA CORDOVÉS
PRODUCTORA DE RODAJE: CARMEN R. DURÁN
ASISTENTE DE PRODUCCIÓN: JUAN C. ROSELLÓ

EFECTOS ESPECIALES: ANGEL BENÍTEZ
REYSEL SUÁREZ

CORRECCIÓN DE COLOR: MARIO LECLERE

EFECTOS VISUALES: EMILIO DEL CAÑAL
MARIO LECLERE

ASISTENTE DE CÁMARA: DANIL MASSIP
FOQUERO: HANNOL RODRÍGUEZ

SONIDO DIRECTO: RAÚL AMARGÓ (NIKITA)
MICROFONISTA: GILBERTO FLORES

MONTAJE AMBIENTES Y EFECTOS: SHEYLA POOL
EDICIÓN DE DIÁLOGOS: SALOMÉ ROMÁN
ASISTENTE DE SONIDO: RITA MARÍA CLEMENTE
ARTISTA DE FOLEY: SERGIO MARTICORENA
GRABACIÓN DE FOLEY: SHEYLA POOL
DOBLAJES DE DIÁLOGOS: SALOMÉ ROMÁN
RITA MARÍA CLEMENTE
GRABACIÓN DE MÚSICA: ORELVYS R. FRAGA (PAO)
JEFE ESTUDIO DE SONIDO: ILEANA MARTÍNEZ DE SANTELICES
PANTRISTA: ISELA RODRÍGUEZ

BATERISTA: RUY ADRIÁN LÓPEZ-NUSSA
SAXOFONES: JAVIER ZALBA
VIOLÍN 1RO: ALFREDO MUÑOZ
VIOLÍN 2DO: FELIX PÉREZ CUZA
VIOLA: ANOLAN GONZÁLEZ
CELLO: ALEJANDRO SAUL MARTÍNEZ
TECLADOS: RENIER VÁZQUEZ (Muñe)
TRIO CONCERTANTE
CLARINETE: ARISTIDES PORTO
VIOLÍN: FERNANDO MUÑOZ
PIANO: LEONARDO GELL

CANTANTE INVITADA: MILAGROS DE LOS ÁNGELES SOTO

ENTRENAMIENTO VOCAL: WILMA ALBACAL
ENTRENAMIENTO CIRCENSE: NELSON LUGO

ASISTENTE DE EDICIÓN: CELIA SUÁREZ
OPERADOR DE PLAY BACK: RAYMEL CASAMAYOR

TÉCNICO HD: EVERARDO VÁZQUEZ

FOTO FIJA: EDUARDO RODRÍGUEZ
UTILERO DEL DECORADO: NILDO RODRÍGUEZ
UTILERO ESCENOGRÁFICO: FRANCISCO LÓPEZ

COSTURERO DE FARAH MARÍA: ARMANDO RUBIO
SASTRERÍA: JOSÉ L. MORALES
SUPERVISORA DE VESTUARIO: NORMA SAN JUAN
VESTUARISTA DE APOYO: CARIDAD SÁNCHEZ

MAQUILLADORAS DE APOYO: GRISELL CORDERO
ARISLEY RODRÍGUEZ
MEILYN NG DE LA NUEZ
PELUQUERA DE APOYO: GUADALUPE CASTILLO
TATUAJES: ORLANDO RODRÍGUEZ
MARIO MACHADO

JEFE DE ILUMINACIÓN: IVÁN SCULL
OPERADOR DE DOLLY: JOEL MIRÓ
LUCES INTELIGENTES: MIGUEL ECHEVARRÍA
ALEJANDRO RODRÍGUEZ
CARLOS ACOSTA
YAMIL ALONSO
RAÚL SUÁREZ
PECERAS: RAFAEL SANTANA
LUMÍNICOS: CARLOS DÍAZ

OPERARIO DE MONTAJE: OVIDIO GASTÓN DEL MONTE
JEFE DE CONSTRUCCIONES: ALEJANDRO MARRERO
MONTAJE ESCENOGRÁFICO: FÉLIX LIMA
ALEXIS CASALS
NELSON ESCOBEDO
HIPÓLITO AZAHARES
TAPICERO: TEODORO CARRILLO (LOLO)
PINTOR ESCENOGRÁFICO: JOEL LÓPEZ RAMÍREZ
CARPINTERO: FERNANDO FAJARDO
ELECTRICISTAS: SANDRO MERCADERES
RIGOBERTO ARGOTA

AUXILIARES DE PRODUCCIÓN: ARMANDO NARANJO (MANDY)
SANTIAGO SANTANA
JUAN R. RIVERÓN

CONTADORA: PURA PÉREZ
SECRETARIA DE PRODUCCIÓN: CLARA LEÓN
RECURSOS HUMANOS: JULIO C. OJEDA
GESTIÓN ECONÓMICA: IRIS LAYDE
OFICINA DE ACTORES: HILDA ROO
ELENA ROSALES

COMPRADOR: JESÚS RAMOS
ASUNTOS JURÍDICOS: LIC. JETHEL HERNÁNDEZ
LIC. ANTONIO LÓPEZ

TRANSPORTE: MEDARDO SOTO
JUAN C. ROSELLÓ
REINALDO CHAPOTÍN
LÁZARO RODRÍGUEZ
ARMANDO ROCHE
JORGE L. VEGA
DAYRON VÁZQUEZ
JULIO CRUZ
HERNÁN CUESTA
ILUMINADO SIERRA
OSMANY CABRERA
ALEJANDRO RIVERA
JUAN AGÜERO
MANUEL MARTÍNEZ
JOSÉ SOTO
JESÚS GÓMEZ
GIRALDO MUÑOZ
CHOFER OPERADOR PLANTA: JULIO GONZÁLEZ
CHOFER GRÚA: PEDRO D. GONZÁLEZ.
MECÁNICO: JOEL CUESTA OSLOAN

CANCIÓN: “SI LLEGO A BESARTE”
COMPOSITOR: LUIS CASAS ROMERO
INTÉRPRETE: BEATRIZ VALDÉS

CANCIÓN: “TÚ ME ACOSTUMBRASTE”
COMPOSITOR E INTÉRPRETE: FRANK DOMÍNGUEZ

CUADROS DE LA ARTISTA ROCÍO GARCÍA:

DE LAS SERIES:

“HOMBRES, MACHOS, MARINEROS - 1999”
“EL DOMADOR Y OTROS CUENTOS - 2003”
“EL THRILLER – 2007”
(ESPACIO)
ESCULTURAS “ICARO”
EVELIO LECOUR

AGRADECIMIENTOS:

Abel Prieto - Ministro de Cultura
Dr. Eusebio Leal Spengler – Historiador de la Ciudad
Oficina del Historiador
Omar González
Pablo Pacheco
Susana Molina
Luis González Nieto
Benigno Iglesias
Alquimia Peña
Museo de la Ciudad

Complejo Cultural Muelle San José
Adolfo Díaz
Bar Palermo
HABAGUANEX
Agencia de viajes XAELS TOURS
Siomara Almaguer; Hamlet Casals; Melchor Casals
HINES HABANA INMUEBLES
Marcia Puig
CENTRO NACIONAL DE EDUCACIÓN SEXUAL (CENESEX)
FUNDACIÓN ROSEMBERG
Peggy Guilpin
Dr. Guillermo Pérez Mesa
FUNDACIÓN LUDWIG
FUNDACIÓN DULCE MARÍA LOYNAZ
Galería La Acacia
Museo de Bellas Artes

FRAGUAR S.L.
CIRCO NACIONAL DE CUBA
BRASCUBA CIGARRILLOS S.A.
Agencia ACTUAR
Leonardo Ilizáustigui

Rufo Caballero
Luciano Castillo
Carlos Barba
Abel Álvarez
Julia Mirabal
Dolores Calviño
Mercy Ruíz
Nery Montes
Lucía Sardiñas
Ciro Lazo
Lázara Aguirre Wade
Kathy Casanovas
Alejandro Posada
Nelson Carreño
Humberto Duarte
Anita Terrero Escalante
Angelito Gutiérrez
Verónica Lynn
Carmen María Socías
Gilberto Gutiérrez Dueñas
Juan Antonio García Borrego
Jorge Pucheux
Gonzalo Romeu
Frank Domínguez
Fina Domínguez
Frank Domínguez (hijo)
Alicia Figueroa
Ileana Simoneau
César López
Reynaldo González
Pablo Armando Fernández
Tanya Valette
Jerónimo Labrada
Clara Carballea
Juan Grillo
Nancy Angulo

Ernesto Lleras
Abel Sierra Madero
Marilyn Sosayas
Lizette Vila
Rita Dolores Urbistondo
María de Lourdes Inda
Camilo Moreira
Jorge Denis (El Waky) Molina
Dalisberto González
Estudios de Grabación ABDALA
Escuela Internacional de Cine y TV (EICTV)
Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano
Facultad de Cine, Radio y TV del ISA (FANCA)
Movimiento Nacional de Video
Ricardo Miranda
Muestra de Cine Joven
Marisol Rosabal
Fernando Pérez
Cine Pobre - Humberto Solás
Teatro Buendía
Teatro El Público
Teatro Argos
El Ciervo Encantado
Ever Chávez
Lili Vega Lauten
Guillermo Figueroa Perea
Guillermo Piedra
Eduardo Testé
Ulises Barnet
Leonel Martínez

Aguas Ciego Montero
Cerveza Bucanero
ETECSA
TRANSTUR
Empresa Inspección Estatal de Viales
Dirección Provincial de Comercio y Aseguramiento a la Gastronomía.
UNISA ASCENSORES
Dirección Provincial Empresa Eléctrica Ciudad Habana.
Jorge A. García
RECREATUR
Unidad de la Policía. Vigilancia y Patrulla.
Hospital Hermanos Amejeiras

Dr. Alfredo Herrera
Dra. Florangel Urusumu
Dr. Carlos Llapur
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Filme cubano "Verde verde" se estrenará en cines el Día de los Enamorados

2012-01-25T19:41:00.000-08:00

Enrique Pineda Barnet: «Verde verde da maduro»

Por Mildrey Ponce

Para Enrique Pineda Barnet, Premio Nacional de Cine 2006, el versículo bíblico «ama a tu prójimo como a ti mismo», resume a su más reciente película: Verde verde, una atrevida y desgarradora historia que aborda como temática fundamental la homofobia y que llegará a todos los cines del archipiélago a partir del 14 de febrero; una feliz coincidencia para este realizador cubano, al celebrarse en esa fecha El día de los Enamorados.

Al decir de Pineda, el guión del filme parte como raíz esencial del corto audiovisual First, filmado por él hace una década y del cual siempre aspiró convertir su argumento en un largometraje, un hecho materializado con esta nueva entrega del célebre director.
Sobre las motivaciones y algunos detalles del proceso de realización de Verde verde, el realizador de La Bella del Alhambra conversó con Cubanow.

Sabemos que en la Cuba de hoy hablar del tema de la homosexualidad aún es polémico, ¿qué lo motivó a llevar esta historia a la gran pantalla, y que mensaje pretende dar?

En mi película el tema de la homosexualidad está presente, pero también están presentes otros conceptos, porque la homosexualidad no es un hecho aislado. Yo estoy tratando el asunto de la enfermedad del odio contra el amor; el odio es una enfermedad terrible, que se padece demasiado en la humanidad, el odio es como un cáncer, el odio es un sentimiento, por llamarle sentimiento, que no merece ni siquiera ese nombre, todos los odios son enfermedades, todas las fobias son enfermedades.
Entonces pudiéramos decir que la película es sobre la homofobia, pero no le voy a dar prioridad temática a la homofobia, por lo que también digo que es sobre el odio al amor, al amor que es ese sentimiento maravilloso. Dios dice «amaos los unos a los otros» y «ama a tu prójimo como a ti mismo», ese «ama a tu prójimo como a ti mismo» es mi bandera en esta película Verde verde.
Mi película es una historia de amor y de odio, es una historia de odio contra el amor que siempre conduce a un exterminarse a sí mismo. Por ahí anda el tema de esta película, lo que me motivó para hacerla es mi vida entera, desde mi infancia, desde mis preferencias y desde mis decisiones básicas en la vida.

¿Por qué ese título? ¿Algún significado encierra Verde verde?

Se llama Verde verde, porque un alumno me dijo una vez, maestro, todo lo que es verde, demasiado verde, se vuelve maduro, es decir, que los extremos se tocan, que cuando llegamos a un extremo de algo, terminamos en el lado opuesto.

Sobre el trabajo con los actores, fundamentalmente los protagonistas, Héctor Noas y Carlos Caballeros, se siente satisfecho con el desempeño de ambos?

Verde verde tiene sus raíces en un corto que hice en 1997 que empecé a hacerlo en Puerto Rico. Es un corto de 10 minutos que se llama First. Fue mi primer corto digital y lo protagonizó Héctor Noas.
Noas era un alumno de actuación muy destacado en aquel momento, y él me hizo este personaje, que es un personaje único, es un monólogo convertido en diálogo, es un hombre frente al espejo, discutiendo el tema de la culpa.
Ese tema de la culpa me condujo inevitablemente al concepto de Verde verde. Pasaron muchos años para que yo pudiera volver hacer otra película en Cuba. En 1989, había tenido la experiencia victoriosa de La Bella del Alhambra, que se consideró la película más grande de taquilla que tuvo la pantalla cubana, tuvo dos millones de espectadores, en las dos primeras semanas de proyección, y toda la crítica experimentada a su favor. Obtuvo premio en todos los lugares donde se estuvo exhibiendo en esos años hasta tener 42, entre ellos el premio Goya, primer premio Goya para una película de América Latina y en el Festival Latino de Nueva York. Pero luego de este éxito estuve muchos años sin filmar en el archipiélago.

Yo necesitaba hacer First, era una cosa que me venía desde dentro del alma: buscar, pelear con el tema de la culpa. Cuando regresé a Cuba, por mi propia cuenta, lo filmé con Héctor Noas, y me quedé con eso hasta que en el 2006 me dan el Premio Nacional de Cine, y en ese momento me preguntaron qué película quería hacer. Para ese entonces vi más apropiado hacer una película sobre el conflicto principal de la familia cubana, que es la división, la separación cruel e injusta de la familia cubana, hice esa película que se llama La anunciación y era también una semilla de First.

Al volvérseme a preguntar que quería filmar, sentí que era la oportunidad de hacer Verde Verde, esta película que culmina lo que yo estaba buscando en First y a mi disposición, una vez más, estaba Héctor Noas, que a veces me dicen que es mi actor fetiche, y es un actor muy querido, porque es un gran actor, porque es un actor de gran altura.

Nos costó mucho trabajo encontrarle la contrapartida a Héctor. Hicimos un casting muy largo, en Cuba, en los Estados Unidos, y finalmente encontramos a este actor cubano, que vive fuera del país: Carlos Miguel Caballero, quien tiene una formación más o menos semejante a la de Noas. Ambos estudiaron en el Instituto Superior de Arte, forjados con mucho esfuerzo, con mucho sacrificio y han probado sus alas fuera de Cuba en muchas ocasiones. Héctor por España, Carlos Miguel por México, por Estados Unidos, inclusive en Brasil, y ahí tenía la pareja ideal para los protagónicos.

Una de las actuaciones especiales de la película es interpretada por Farah María, una de las voces más destacada de la canción popular cubana en décadas pasadas. ¿Cómo es que llega al papel? ¿Tenía Farah alguna experiencia anterior en el cine?

Para Verde verde necesitaba otra persona, que no era exactamente un personaje actoral, era un personaje simbólico, muy significativo, un personaje que se llama «La dama seductora», y pensé en todas esas estrellas internacionales, que fueron famosas en los años 50, pero que siguen teniendo un lado sexy, un lado atractivo, que representara seducción y vi a Farah María, una estrella popular en los 60, fue una estrella del escenario, de la gracia, de la música popular con mucho encanto y sexy, realmente vimos que ella sigue siendo una Dama Seductora y entonces pude lograr que aceptara este papel a pesar de que yo sepa, no tenía ninguna experiencia actoral. Ella me entendió muy bien e hicimos muy buena mezcla enseguida.

¿Sobre el equipo de realización que trabajó en Verde verde que nos puedes destacar?

El staff de Verde verde fue para mí muy importante, tengo un productor con el que estuve muchos años queriendo filmar, con él hice La anunciación y ahora Verde verde que es Santiago Llapur, Raúl Rodríguez, que es mi director de fotografía desde que comencé a hacer cine, desde mi primer documental que fue Aire frío hasta el presente, un operador de cámara maravilloso, un niño que vi crecer, y que ha sido mi alumno más cuidadito en ese sentido y al mismo tiempo un alumno muy fervoroso: Pablo Massip, hijo de un amigo cineasta entrañable, José Massip.
Tuve la fortuna de tener como diseñador de banda sonora a Osmani Olivare, un joven de extraordinarias cualidades, de una sensibilidad poética para el manejo del sonido, Pedro Suárez como editor también un joven con una fuerte experiencia en este campo, muy experimental, muy de búsqueda, muy inquieto y tuvimos en la dirección de arte a Nieves Laferté, que trabajó junto con Alain Ortiz, un escenógrafo también muy inquieto. Me salió un staff muy bueno, también encontré a Raúl García Riverón, un director asistente magnífico.
Pude contar con una colaboración destacada de Gustavo Herrera el coreógrafo, que ha trabajado las coreografías de mis películas desde La Bella dek Alhambra hasta el presente y con la música de Juan Piñera, que es un músico muy experimentador que viene desde la banda sonora de First.

En la película destaca la plástica como un elemento fundamental en la atmósfera y la ambientación, esta particularidad se refleja también en tu anterior filme La anunciación. ¿A qué artista recurriste en esta ocasión?

Las fórmulas son diferentes, yo siempre busco en la plástica. En esta película es muy importante porque yo había visto las pinturas de Rocío García, una pintora cubana extraordinaria, es una gran maestra, muy actual, muy revolucionaria en su quehacer. Cuando anteriormente vi su exposición que se llamaba Hombres machos marineros, me quedé tan impresionado que yo dije, tengo que trabajar con pinturas de esta señora, hablé con Rocío y le propuse trabajar en el filme.
La pintura de Rocío en esta película, un poco que dialoga con el mismo guión de la película, a través de sus cuadros, sus pinturas se intercalan como una especie de apoyo gramático visual.

¿Cuáles son los proyectos inmediatos de Pineda Barnet?

Tengo dos o tres cosas que están proyectadas, pero no sé cual de ella va a encausarse primero. Tengo como proyecto un largometraje que es Aire Frío, de Virgilio Piñera, que yo hice el documental de su primera puesta en escena en el mundo en 1963. Tengo también otro proyecto que está inspirado en una noveleta de Rosa Ileana Boudet, que se llama Nora@ dirección equivocada, partiendo de la Nora de la Casa de Muñecas, del sueco Ibsen, pero una Nora muy contemporánea, muy peleona, muy luchadora, los guiones están hechos, si viene un impulso me decido, solamente tengo que elegir.

En los últimos años lo hemos escuchado en cada intervención ante la prensa sobre su actitud de prescindir. Si pudiera hablarnos como una enseñanza de esta condición que tanto defiende y como se relaciona con su trabajo.

Hay que tener esto bien claro. Prescindir no es empobrecer, no es carecer, prescindir es el acto voluntario de no necesitar, por ejemplo no estuve en el Festival de Cine de La Habana, porque prescindí de él, no quise estar, simplemente cuando me dijeron, tú quieres participar en el Festival, yo dije no, quiero poner mi película fuera del Festival porque no me interesa la competencia, ni la pelea, no tengo ganas de pelear, yo creo que es un refuerzo de la voluntad.
Cuando digo prescindir, no digo empobrecerse, carecer, sino no necesitar, una manera de desprenderse también. Todo lo que me sobra lo saco, lo quito. Es muy agradable prescindir, se siente uno fuerte.

Fuente Cubanow

El extraño verde de una fruta amarga

2012-01-25T08:41:00.000-08:00

Por María Laura Riba – ‘espectadora’, escritora y periodista argentina
La Habana, diciembre de 2011

(Foto: Enrique Pineda Barnet, director de "Verde verde" y los actores Carlos Caballero, Farah María y Héctor Noas)

En tiempos del tan difundido ‘cine en casa’, cuando casi uno no recuerda de qué hablamos cuando hablamos de la ‘magia de la sala oscura’, ver una película en el cine, ir hasta él y cumplir con los nostálgicos ritos, el audio impecable, la imagen amplia sin rostros borrosos o poca nitidez, actualmente, parece que solo se amerita cuando alguien nos da la información de que tal o cual película es de calidad. En este caso, no puedo decir que, antes de ir a ver “Verde Verde” de Enrique Pineda Barnet, sabía con qué tipo de filme me iba a encontrar, pese a que tenía conocimiento de que se trataba de un tema alejado del abordado en “La Anunciación” (2009) y que, además, tenía ‘escenas fuertes’.

¿Y qué escenas tan fuertes serían esas? La curiosidad humana es devoradora y provoca acciones que en otro momento no se harían, como la de un lunes por la noche abandonar la comodidad hogareña e ir en busca del transporte adecuado que nos acerque a la sala de cine donde, sin duda, se disfrutará más la película.

Como, a pesar de todo, el cine continúa siendo ‘el cine’, el encanto nos va cubriendo apenas uno se va acercando a la puerta. Aquella noche de presentación, la sala se fue colmando poco a poco. La expectativa provocada por “Verde Verde” se podía percibir. Finalmente, cuando la oscuridad fue naciendo y los cuerpos se arrellanaban en las butacas, tuve la sensación de que pronto iba a estar en presencia de algo inesperado.

Por fin la película se abrió ante nuestros ojos, descorrió sus velos, se desnudó.

Una música apenas sibilante comienza a merodear por nuestros oídos. Imágenes de una taberna donde el sexo es moneda corriente, nos miran con lascivia, las imágenes nos provocan y pretenden seducirnos.
La cámara gira convirtiendo a aquel ambiente de humo y procacidad en un círculo confuso donde todo puede suceder, menos la ingenuidad.

La figura de un marinero, Alfredo, que fuma mientras busca con la mirada su objeto de seducción, se acerca, se aleja, mira de costado; un hombre rudo de mar al acecho entre strippers, putas que insisten y putas tristes, gays que se burlan de la madrugada sórdida de aquella taberna.

Todo es atmósfera. Todo se desborda.

El marinero es interpretado por Héctor Noas, tan preciso, sin exageraciones, entero en el papel de homosexual que busca una noche de placer entre los brazos de un joven, Carlos, que se deja hechizar aunque no quiera…pero sí; que goza el sexo masculino aunque se defina muy hombre. Tan ‘hombre’ como para cometer un acto cobarde.
Este joven es interpretado por Carlos Miguel Caballero, quien, si bien se cree su papel de homosexual reprimido o, más bien, de homofóbico, por momentos no convence, quizás porque la fuerza dramática es tan intensa que, aunque no se lo haya propuesto, su actuación, a veces, gira hacia el lenguaje propio del teatro.

En “Verde Verde” se pone de manifiesto, sin adornos ni efectismos, el real y nada lejano problema de la homofobia, algo que en pleno siglo XXI aún no se ha erradicado.
El conflicto del muchacho, Carlos, que es hombre de todas formas –y para ello debe repetírselo varias veces- está muy bien marcado en esos laberintos interiores de los que no puede salir, graficados en la película con pasillos lúgubres y húmedos, laberintos kafkianos donde el hilo de Ariadna se ha extraviado.
Carlos corre, huye de sí, no puede escapar, y cuando logra encontrar la salida, la falsa salida, lo hace para acallar las voces que lo acosan, para no ver ni sentir.

Una de estas escenas de huída, colocada casi al comienzo de la película, en un momento de fuerte seducción, ubicada en un tiempo paralelo, hace pensar en acontecimientos totalmente diferentes a los que, en verdad, sobrevendrán. Despista al espectador y eso es algo que se valora, porque no ofrece un final fácilmente identificable: el espectador corre por aquellos pasillos junto a Carlos, intenta ayudarlo a escapar porque, aun desconociendo lo que sucede, lo da por inocente. Aquí se establece entonces, otro preconcepto: ‘un hombre maduro, homosexual, es el que siempre pervierte al hombre más joven’. Es cierto que las experiencias son vida, pero las generalidades, muchas veces, destruyen. “Verde Verde” se atreve y derriba esta creencia avalada por años de prejuicios e ignorancia.

¿Cuánto cuesta al ser humano aceptarse como es? ¿Por qué nos continúa importando tanto ‘el que dirán’?

Es fuerte y atrapante la intensidad y densidad de la película; el tiempo que dura es el tiempo justo, no excesivo. Es un filme tan contundente que no necesita más.

“Verde Verde” no es verde esperanza, es un sabor amargo, es la madurez perversa, la caída del fruto de la homofobia sobre la vida cotidiana, sobre nuestras propias vidas.

Si el movimiento de cámara intensifica las atmósferas, los juegos de la seducción, el misterio cruel que rodea a los personajes, no es menos importante el rol que en esta película jugó el sonido. Definitivamente valió la pena que se escuchara con excelencia cada detalle: la voz de Farah María, esa ‘Dama Seductora’, su susurro de conciencia es envolvente. Podíamos oír sus palabras como si nos estuviera murmurando a nosotros, al mismo tiempo que se escuchaba, perfectamente, lo que sucedía en la pantalla, un sonido en dos planos –si cabe la expresión- que no dejó nada a la casualidad. Fue realmente necesario que se escuchara el sonido de la hebilla del pantalón desabrochándose…fue necesario oír el roce de los cuerpos sobre la barra del baile sexual, deslizándose por el tubo…fue necesario escuchar los jadeos, las lentejuelas ondulantes de una puta ofrecida al mejor postor. Fue inevitable hacer surgir en los altavoces el sonido de ese ascensor que provoca tanta sospecha, aquel ruido de las llaves girando en una cerradura incierta.

Otro buen tino fue la intercalación de dibujos en los momentos precisos: fusión de ramas del arte que no compiten y muy bien se complementan. Dibujos que están colocados en el puntual instante en que el erotismo puede saltarse el límite. Estas obras pertenecientes a la artista Rocío García son de las series ‘Hombres, machos, marineros’ (1999), ‘El domador y otros cuentos’ (2003), y ‘El Thriller’ (2007). Ningún dibujo fue escogido al azar, como tampoco fue al azar su ubicación en la película.

La tensión no decae. La duda se intensifica.

El final es la cúspide de la confusión, la cima de una homofobia que disfraza al homosexualismo. El final es esa salida que no existe desde fuera porque la puerta la debe abrir el propio Carlos desde su interior: puerta que en la película él es incapaz de abrir. ¿Dónde están las llaves de nuestro ser?

Carlos solo atina, en su desesperación sucia, al final de su fuga, a abrir una cremallera, muy lentamente, abrir que es, en realidad, la inutilidad del escape y la permanencia en ese rodar dentro de un círculo que resulta inevitable. Hecho que se torna incluso más trágico cuando Carlos arranca –literalmente-, aquello que puede delatar su homosexualidad. Existe aquí una escena que considero, desde el punto de vista dramático, repetitivo. Claro que si lo vemos como símbolo, está bien, es otro punto de vista.

Lo cierto es que cuando terminé de ver “Verde Verde” me quedé en silencio, reacción que suelo tener cuando algo me deja sin palabras, que me impacta, que me conmociona. Es que es más fácil creer que la homofobia es algo que ya casi no existe, que es solamente una cuestión de alguna gente trasnochada, pero cuando se vuelve sobre ella y se la hace visible a través de un hecho artístico, se comprende entonces que, lamentablemente, sigue estando ahí.

La primera impresión que se tiene ante las escenas de sexo entre dos hombres, es el silencio asombrado que provocan. Una vez sacudido este impacto, hace falta preguntarse: ¿por qué, si estamos acostumbrados a ver tantas escenas de sexo entre un hombre y una mujer y de todas las maneras posibles, nos impactan tanto estas imágenes de sexo entre dos hombres? Y es precisamente porque estamos habituados a ver escenas de sexo entre heterosexuales sin que nadie pestañee, porque esas escenas son las aceptadas culturalmente como ‘normales’. ¿Quién es capaz de arrojar la primera piedra sobre lo que está bien o está mal en materia de sexo?
Somos capaces de tolerar en pantalla los crímenes más aberrantes: no hace mucho, medio mundo ha visto las escenas de la guerra en Libia y ha presenciado el linchamiento y fusilamiento de su máxima autoridad, y lo ha visto del mismo modo en que ven muy malas y cruentas películas de violencia por televisión. Sin embargo, todavía nos ponemos quisquillosos con los asuntos del sexo…

Por mi parte, aplaudo esas imágenes porque nos ponen ante los ojos una realidad que está más cerca de lo que se piensa. La vida puede ser, además, una gran simulación para esconder mucha hipocresía. ¿Veremos “Verde Verde” alguna vez en televisión?

Tengo para mí que, últimamente, existe un rebrote machista y homofóbico en la gente más joven. Basta escuchar algunas letras de canciones, comentarios que hacen en las paradas de las guaguas o en las casas. Son lamentables. ¿Qué significa ser ‘macho’ en el siglo XXI?

Al terminar la película me dije que, sin duda alguna, Enrique Pineda Barnet promueve en sus obras lo que expresa en su vida cotidiana: la defensa de la libertad, el amor, el profundo y noble amor que nada tiene que ver con las pequeñas y grandes mezquindades humanas. Hace honor a la ‘unión’, al humanismo. Sólo por eso, por esa coherencia, cualquiera debería sentirse agradecido y quitarse el sombrero.

Soy de las espectadoras que valoran el hecho de que no se lo den todo digerido, que aprecia cuando el creador lo da todo y eso se refleja en la obra.

“Verde Verde” es más que una película, es hablar de lo que apenas se habla o se habla a escondidas. Es un ‘decir’ con arte. Es apelar a una vida donde la mediocridad de sensibilidad sea apartada de cualquier lugar donde vivamos.

Obtiene documental "Día de Muertos", de Carlos Barba Premio Especial del Jurado en Festival Mundial de Cine Extremo Veracruz 2012

2012-01-23T19:33:00.000-08:00

LA ALEGRÍA ME INUNDA. NADA TAN MERECIDO. EL CINE CUBANO Y EL CINE MEXICANO SE ANOTAN UNA VICTORIA CON ESTE PREMIO Y ESTE DOCUMENTAL. GRANDES FELICITACIONES. GRAN ORGULLO, UN ORGULLO PARA EL CINE CUBANO.
enrique pineda barnet

FESTIVAL MUNDIAL DE CINE EXTREMO "SAN SEBASTIAN DE VERACRUZ" 2012

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el Premio Especial en Documental a: DIA DE MUERTOS del director Carlos Barba de México

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el Premio Especial en ficción a: FÁBRICA DE MUÑECAS de la directora Ainhoa Menéndez de España

En la categoría de Cortometraje Experimental, nuestro jurado otorga el Premio Especial a: ENRIQUE FAVELA por su película UNA PELÍCULA CON MUERTOS Y TODA LA COSA de MÉXICO

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el premio de Mejor Película Corta Documental a: LA BENDICIÓN DE DIOS del director Miguel Reyes Mendoza de Cuba

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el premio a la Mejor Película Corta de Ficción a: FAREWELL 2 de CROACIA

En la categoría de cortometraje, nuestro jurado otorga el premio a la Mejor Película Corta de Experimental a: B(y) MARGOT de las directoras Diana Andrea Fuentes Salinas, Yeira Ramos y Alicia Rubio de México

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el Premio Especial por Fotografía a la película: ALEX de la directora Mariana Romero de Veracruz, México

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial por “Humanismo” a la película AFICIONADOS del director Arturo Dueñas de España.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial por Fotografía a la película LA ESTACION DE LAS FLAUTAS del director Raydel Araoz de Cuba.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial en Documental a la película CÓMO HERVIR UNA RANA/How to boil a Frog del director Jon Cooksey de Canadá.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial en Ficción a la película MOLINA FEROZZ del director Jorge Molina de Cuba.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio a la Mejor Película Documental a la película “EL ANIMAL DE LA FLORESTA de los directores Ursula Marini y Carlos Ordónez de Brasil.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el premio de mejor Película de Ficción a la Película MEMORIAS DEL DESARROLLO, del director Miguel Coyula de Cuba.

Foto: Carlos Barba e Ivonne Carrillo durante el rodaje del documental

Fuente: Blog de Carlos Barba

Próximamente en los cines de estreno: "Verde verde", de Enrique Pineda Barnet

2012-01-21T18:03:00.000-08:00

Vicenta Revuelta siempre se queda

2012-01-10T21:27:00.000-08:00

aunque hayamos aprendido a perder, a desprendernos,
no aprenderemos a olvidar a quienes nos enriquecieron
con los dones más elevados del sentimiento, del profundizar
y del amar la perfeccion del arte.
Ellos nos dejan por siempre la buena semilla
y queda atrás el huracán.

gracias Vicente porque te quedas

enrique pineda barnet
enero 10 del 2012,
La Habana, Cuba

La revista Unión rememora al pintor cubano Angel Acosta León

2012-01-10T19:24:00.000-08:00

"Verde verde" también sirve para hacer el puente con Acosta León pues tanto el filme como la pintura de Acosta León son obras artísticas que hacen más libres a las personas que las miran”, afirmó Carlos Velazo.

Por: Susana Méndez

La más reciente entrega de la revista Unión fue presentada por el investigador y crítico de arte Helmo Hernández, en la sala Villena de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, con la presencia de Abel E. Prieto Jiménez, Ministro de Cultura, Miguel Barnet, presidente de la UNEAC y la doctora Graziela Pogolotti, presidenta de la Fundación Alejo Carpentier.
Este número 73 del año 50 de la publicación, dedica un extenso dossier al gran pintor cubano Ángel Acosta León, integrado por el testimonio de su hermana María Antonia, una entrevista a Alfredo Sosabravo, fragmentos del libro inédito que le dedicara el crítico José Seoane, ensayos de Severo Sarduy y Graziella Pogolotti y el poema De la bitácora de un marino, de Gerardo Fulleda León.

El jefe de redacción de Unión, Carlos Velazco, antes de ceder la palabra a Helmo Hernández agradeció la presencia de María Antonia Acosta León, y resaltó el hecho de haber podido contar con la fotografía que Mario García Joya hiciera del pintor y que ilustra la portada de este número; también reconoció la importancia de que se integren las imágenes de los parques que el artista concibió en el año 59 y que cedieron coleccionistas privados que optaron por el anonimato.

Velazco felicitó por su setenta aniversario a Mercedes Crespo, colaboradora de la revista, al director artístico de la misma Pedro de Oraá por haber sido distinguido el pasado mes de diciembre con el Premio Nacional de diseño de libros y al maestro Enrique Pineda Barnet, también colaborador, por su reciente producción Verde verde, “no por el éxito o recepción que ha tenido la película, si no por la película en sí misma. "Verde verde" también sirve para hacer el puente con Acosta León pues tanto el filme como la pintura de Acosta León son obras artísticas que hacen más libres a las personas que las miran”, afirmó.

Helmo Hernández comenzó su intervención destacando de la revista “su casi infranqueable coherencia, es una entrega muy rara que sin embargo pretende ser normal, adecuadamente balanceada, (…) el diseño muy sobrio, usa fotos en cubierta y contracubierta, reproduce obras de Acosta León en blanco y negro y un pliego a color con otras poco conocidas y sobre todo nos permite leer los textos debidamente, sin los esfuerzos estrafalarios de moda”.
Luego se adentró en la explicación de los elementos que en su opinión hacen rara la entrega “comencemos por ese aliento común que recorre todos los trabajos y que nos descubre las extrañas lógicas del miedo, los ruidosos meandros del sueño, la existencia otra de la belleza, el estar todo donde no debería, el alcance de la felicidad como descanso las más de las veces o como rebeldía imparable en otras”.

A continuación realizó una enjundiosa intervención acerca de Acosta León en la que se resalta su afirmación de que “Cuando intentaba hacer lo que los demás, no le salía, todo lo dirigía en otra dirección, detestaba sus autorretratos, no se pintó a sí mismo, ni su mundo interior, ni sus angustias, pintaba para protegerse, para conjugar la sordidez, la mezquindad de sus angustias, la tristeza infinita que terminaría por devorarlo todo y por todo eso hemos de agradecerle el mejor testimonio sobre los comienzos del proceso revolucionario cubano”.
Seguidamente declaró “me enardece este dossier, agradezco la entrevista a ese adolescente eterno que es Sosabravo, amigo de casi todos y primero de Acosta; a su olvidada y desposeída hermana María Antonia, así como los testimonios comprometidos desde posiciones políticas bien diferenciadas de Severo Sarduy y la doctora Pogolotti”.

Ponderó especialmente el largo fragmento de La Colombina (vida sexual de Freud) Algunas invenciones en torno a Angel Acosta León, del crítico de arte José Seoane, uno de los más importantes estudios sobre el pintor por la reunión en el mismo de apreciable y veraz información sobre su vida y obra.

Más adelante se refirió a los valores de los dos cuentos de Leslie Fajardo, de El extranjero, relato inédito del pintor Raúl Martínez, del Comequesos de Santiago Cardosa Arias y de los fragmentos de la novela no editada aún de la escritora Gina Picart.

Comentó la entrevista acerca del escritor Miguel Collazo, realizada, en su opinión con mano experta, por Miriam Rodríguez Betancourt a su esposa, la actriz Xiomara Palacios. De la ponencia Georgina Herrera: Una cimarrona contemporánea, de la uruguaya Juanamaría Cordones-Cook, el ensayo Diálogo feliz con Georgina Herrera, de Enrique Sainz y del poema A través del cristal, de Nancy Morejón expresó que “nos sumergen con sabiduría en el mundo de Georgina Herrera”.
Hernández cerró su presentación agradecido y con una felicitación para el equipo actual de la revista Unión fundada hace cincuenta años por Nicolás Guillén, Alejo Carpentier, José Rodríguez Feo y Roberto Fernández Retamar.

Fuente: CUBARTE

"Verde verde" o las raíces de la homofobia

2012-01-09T06:13:00.000-08:00

Por: Camilo García López-Trigo
La Habana, Cuba

Cartel: Julioeloy Mesa

La más reciente entrega del maestro Enrique Pineda Barnet, la película “Verde, verde”, es una propuesta que puede ser muy incómoda para una sociedad marcada aún por patrones machistas, en muchas ocasiones demasiado estrictos.

Tiene el mérito de ir más allá de la homofobia para encontrar su raíz en los rígidos comportamientos que la sociedad le impone a los hombres (o mejor dicho, a los “machos”), mayoritariamente sobre la base de la negación: lo que no pueden sentir, lo que no pueden ceder y lo que – bajo ningún concepto – pueden dejarse hacer. Y, como parte de ese patrón, es importante demostrar (compartir, vociferar) su masculinidad… aunque a algunos se les va la mano, cuando se sabe que “verde, verde, da maduro”.

Es significativo que una película cubana – ¡al fin! – presente a un hombre homosexual con la virilidad que viven muchos hombres y totalmente asumido en su sexualidad, en pleno goce de su conquista a otro hombre que, a pesar de sus fobias, disfruta también de esa seducción… y del sexo con otro hombre. La bisexualidad, que se asoma por momentos, le agrega al filme un componente sugerente: es el reflejo de una realidad poco conocida y silenciada, incomprendida tanto por homosexuales como por heterosexuales y que, sin dudas, es fuente de conflictos para no pocas personas.

Y de eso se trata la propuesta: de la pasión, del amor prohibido, de la felicidad amputada por los prejuicios, por el qué dirán... del amor y del odio: de ese odio que lacera a los demás, por no cumplir con los patrones que exige la sociedad; y del odio hacia uno mismo, por amar como “no se debe”, por no haber aprendido bien la lección de lo que “no se puede”, hasta quedarse encerrado – aplastado – en su propia pesadilla.

Pero “Verde, verde” también pone al descubierto, de una forma descarnada, que los hombres tampoco escapan de ser víctimas de la llamada “violencia de género”, para mantener y ejercer el poder que les otorga su masculinidad.

Generalmente, cuando se habla de ese término, se piensa en la violencia de los hombres hacia las mujeres… pero poco se dice de la violencia de los hombres hacia otros hombres, siguiendo rígidamente los patrones de la norma heterosexual, o de la violencia que muchos hombres se imponen a sí mismos para cumplir – aunque sea contra su voluntad – con los patrones que aprenden y les son impuestos desde pequeños (no llorarás, no demostrarás flaquezas, no serás débil, no sentirás placer si no es con una mujer...)

Es lamentable que muchas personas, agobiadas por estos y otros prejuicios – digamos: por el color de la piel, por la edad, por comentarios y por tantas otras cosas –, dejan escapar la felicidad entre sus manos y se quedan varados en su desamparo.

“¡Yo pude haberte querido!”, confiesa Carlos en “Verde, verde”, cuando su odio liquidó ya toda posibilidad de haber encontrado la felicidad con ese hombre que lo cautivó y que lo colmó de un placer prohibido. Pero también fue la más clara expresión de su impotencia, frente a las estrictas reglas de su masculinidad, y de su frustración, ante ese placer que había reprimido y que sabía no lo iba a abandonar jamás.

El maestro Pineda Barnet ha apostado esta vez por la película que más profundamente encara el machismo y la homofobia en Cuba, de una forma nada complaciente. Es garantía de mucha polémica y de incomodidad para aquellas personas dogmáticas que no querrán cambiar su forma de pensar “verde, verde”…

Fuente: K 1000 G

próximamente en los cines de estreno: Verde verde, filme de Enrique Pineda Barnet

2012-01-07T16:47:00.000-08:00

ICAIC; MALAS COMPAÑÍAS; IBERMEDIA Y ARTEX, PRESENTAN:

Granma Internacional: ENRIQUE PINEDA BARNET Cinema has captured me

2012-01-02T20:10:00.000-08:00

Por MIREYA CASTAÑEDA

CONVERSING with Enrique Pineda Barnet, 2006 National Film Prize winner, is always a pleasure. When the dialogue concerns two news items it is even more satisfying. In the simple and welcoming atmosphere of his home, which reflects him, we talk about the Maestro de Juventudes (Teacher of Youth) Prize which he has been awarded and the special pre-screening of his film Verde Verde.

Another prize…

This prize, which I like to call a recognition, touches a very important cord in me. Really, I have felt myself much more of a teacher than anything else, despite the fact that it wasn’t my conscious vocation. As a boy they wanted me to be a scientist, doctor, athlete, which I didn’t relate to at all. I woke up to the artistic life. I was an actor, began to write – short stories – then radio, television, theater and came to film almost in the form of a decanting. It had never occurred to me to teach, and that occupation has been a profound awakening of the best there is within me. For me, being a teacher is the most beautiful thing in my life. Being awarded the Maestro de Juventudes prize covers two aspects, because relating to youth has been a constant on my part, a search and hope.

But film took over your life…

Yes, it’s the inevitable pull of hurricanes. It’s true that film is related to everything I have been and have preferred, because it encompasses my instinctive inclination as a dancer, singer, writer, actor. I did a lot of work in publicity and I don’t disown that, it was my great technical school. Within advertising I even did choreography and jingles. And so, film emerged from that and fascinates me. Nevertheless, I like to infringe on the laws of cinema. In general, I’m quite the infringer, a personal inclination, I like being disobedient, going beyond rules and norms. I have always sought experimental film, in some ways along the lines of doing without; I mean I learned to do without, not because of scarcity, but because of excess; I feel enriched by this doing without. I won, I triumphed. That fits in very well with our economic situation. I like to make films without scenography, without things which are completely secondary.

You’ve already finished Verde Verde. Its genre, theme?

Although I am closely associated with dramatic genres, in this film I discovered its genre after it was made. I realized that it’s a thriller, very infrequent in Cuban cinema arts, although not infrequent in mine because Aquella larga noche is a thriller. Verde Verde is a psychological thriller because all the tension is expressed in psychological terms, and also in very strong sociological ones.

What it’s about is another matter. It’s difficult to be precise about the theme, although it seems precise; it is homophobia, but leads to others such as machismo, the sickness of hatred; generally speaking phobias are a sickness. Hatred is the worst cancer that can invade human beings. This film is about the hatred of love, a question which encloses a paradox. That’s basically the theme. Some people close to me have said that it’s my most political film, and I said, ‘Hell, I wasn’t trying to make a political film.’ What they are saying is that it touches on essences which lead to politics. The film is hard, very heavy. It is made very succinctly, I’m referring to resources. Two basic locations. The first, a hangar in a port converted into a loft, belonging to a man who works on ships as a paramedic, which is why he was given this space in the port, which he has made his home. It is constructed of things from his voyages, his souvenirs.

The other location is a bar in the port area, in a basement, a promiscuous bar with all the trappings or seeds of a corrupt world. It could be a bar in any port in the world, it could be Cuba or not, it could be now or 10 years ago or 10 years from now. That is the charged situation from which the characters emerge.

I can appreciate, like in La anunciación, that it’s based on art…

The film is related in terms of dramatization and a little bit in terms of art. Rocío García, the artist, is a painter in the bar and, in her paintings, she imagines, sees situations, paints them and then follows them through in her imagination. .What we see is the painter’s vision, which is what could happen, and what actually does happen.

The actors?

In the leading role Héctor Noas, said to be my icon actor. He is, because he is a brilliant and much loved ex-student. Carlos Miguel Caballero, not as well known in Cuba, but he comes from the Advanced Institute of Arts and the Teatro El Público group. He travels around the world, but his base is here. There is a third character, not outlined as such, but a specter, a latent image, the seductive woman whom only one of the characters sees and she is played by Farah María.

Your regular team of staff?

I like working with friends. Raúl Rodríguez, director of photography, with camera work by Pablo Massip, as the entire film is shot with a hand held camera; artistic director, Nieves Laferté; music, Juan Piñera; editing; Pedro Suárez, sound track, Osmani Olivares; choreography – as it isn’t a musical and I always have a choreographic eye – Gustavo Herrera, who did La bella del Alhambra and La anunciación; and graphic design by Rocío García.

The screenplay is yours. Is it tight in general?

Yes, the screenplay and research are mine. In every case I leave a small margin for improvisation, but practically everything is preplanned, without it being an ironclad one.

How do you feel when people call your films classics of Cuban cinema?

I don’t know what to say in that context. The nature of classic films is given to them by time. It’s very strange. A veritable paradox comes into play, what was discounted 40 years ago suddenly becomes a classic. For example, Soy Cuba. I was the Cuban scriptwriter. The story line is mine, but the film was made in collaboration with Evgueni Evtushenko (Russian poet). The dramatic weight is mine, but there is something Russian in the style with which I wasn’t much in agreement, but I communicated very well with Sergei Urusevsky, the director of photography who was going along the same line as me, more than (Mikhail) Kalatozov, who was the director. That’s what was happening with Carlos Fariñas, who did the music, and myself.

In its time, Soy Cuba was reviled here by the critics, authorities, everybody put it down as a bad film. In the Soviet Union, as it was called then, it was passed off as nothing, nobody was interested in it. Our lives, our cultures were very different. Forty years went by. After the Berlin Wall fell, Francis Ford Coppola and Martin Scorsese made a tour of those socialist bloc countries, so reviled as well, to see what they were like, and they went to Mosfilm, where they found a can in the archives saying Cuba, asked about it, they explained, and they asked to see it out of curiosity. They felt closer to Cuban than to Russian culture. They saw it and commented… Scorsese said that if he had seen it before his work would have been completely different, and Coppola was in the clouds. Finally, they bought the film from Mosfilm. In New York they brought together specialists, critics and screened it, which prompted exclamations that it had to be among the Top 10 in film history. Somewhat exaggerated. For me exaggerated, good and bad. People’s way of seeing films is an impassioned issue. We came out of it with very little benefit, but it has become a classic.

For me, there is an exceptional documentary by a Brazilian, Vicente Ferraz, a graduate from the San Antonio (de los Baños) Film School, Soy Cuba: el Mamuth Siberiano, where he explores the making of the film, gives it an aesthetic translation and makes it possible to see its positive and negative vales. For me, the classic is the documentary.

Then Giselle. It was a film made at the proposal of the Cuban Film Institute (ICAIC), by Alfredo (Guevara), in 1963. I started it with difficulty, not being a lover of classical ballet, and I said so to Alicia and Fernando (Alonso). They made me love the ballet. They gave me ballet classes and I gave them film and drama classes. I did a workshop with the entire company. It was my great fortune that Alicia became a docile village girl in my hands, she was totally disciplined, totally enchanting, and Fernando did Hilarion for me, the ultimate, he danced with his histrionic talent and knowledge of dance.

It was a paradox, making a film with Alicia and the raw materials they gave me had been stored and had expired. Tucho Rodríguez, the director of photography and an exceptional photographer of Spanish origin who had lived in Cuba for many years, did some laboratory tests and confirmed that the film was expired and told me that it was going to come out milky, misty. I said, let’s take advantage of that, the mist will create atmosphere. I had a divine reference, a film by Polish director Kavalerovich, Madre Juana de los Ángeles, and I thought, let’s go for black and white. Result, it’s become a classic.

Then there’s Cosmorama. A seven-minute art short to test the color. They premiered it in the Cinemateca in a tribute to Sandú Darie and then it was archived for 40 years or more. Until suddenly, the Madrid Queen Sofia Museum, at the instigation of curators like Luisa Marisí and others, decided that Cosmorama was a precursor of current art shorts. So that became a classic as well. It’s funny.

Next came La Bella del Alhambra, which was no more than a search to resuscitate Cuban musical theater. Returning Cuban film’s debt to musicals, which had an excellent development including before the Revolution, a precarious, primitive musical, but there it is. La bella… brings together exceptional conditions in terms of its complexity of personnel and brilliant division of labor. I am very proud of the result. Beatriz Valdés, Carlos Cruz, Isabel Moreno, Verónica Lynn. It was a notable success.

I never intended to be a classical filmmaker at all and, moreover, to me, the word classical is exclusive. Going back to Verde Verde, my aspiration is that it will be a film that we carry in our souls, it’s to think about and to feel.

The title?

One day, one of my students said to me, ‘Maestro, do you know that green green leads to maturity? Everything that is too green ends up being ripe. That means that all extremes go back to their opposite.

Verde Verde had a special pre-screening in the Chaplin movie theater and its national release is scheduled for February 2012.

Other screenplays? And Bolero?

Bolero was maliciously frustrated in its time, I don’t bear any grudge about that, but I have a good memory. I still can’t do it. I have a project inspired by a Rosa Ileana Boudet novel, Nora@dirección equivocada. A kind of tribute to the Nora of A Doll’s House, with its corresponding slam. I have a mountain of projects, although I’m turning 78. Every time I make a film, the screenplay is 10 years old, so I’ll have to speed up, shape up.

Enrique Pineda Barnet, a maestro of Cuban cinema, has returned to filmmaking and has various projects in reserve. Finding out about them is a privilege, a special moment.

Fuente: Granma Internacional

REYNALDO GONZÁLEZ: "VERDE VERDE: NO APTA PARA HOMOFÓBICOS"

2011-12-27T07:14:00.000-08:00

SOBRE “VERDE VERDE” (2011), de Enrique Pineda Barnet.

Por Reynaldo González
Premio Nacional de Literatura
Academia Cubana de la Lengua

La Habana, noviembre de 2011

Esta película afronta una realidad poco divulgada y menos estudiada en nuestro medio: las torceduras psicológicas de quienes se escapan de los esquemas y viven su sexualidad de manera tortuosa, acorralados por un entorno que los desprecia antes de comprenderlos. Ellos burlan la galería de tipos establecida por el facilismo, que requiere caricaturas, no personas. Ellos no responden a los seres arquetípicos, a quienes les entregan la dádiva de la tolerancia. Se mueven en un terreno donde esa tolerancia ofende porque traduce la imperdonable altanería del sexismo machista. Se tolera lo que de alguna manera no hallamos correcto, ni compartimos; el gesto de presunta generosidad se congratula con cierta superioridad condescendiente. Es el falso «diálogo» que, desde un desprecio tamizado, se permiten con el diverso.

Los personajes de este drama no satisfacen la carnavalización tradicional sobre el homosexualismo, fiesta insulsa entre individuos superficiales que asumen el esquema del afeminamiento, quizás como reto y refugio. En la pantalla aparecen dos hombres, dos machos que participan en un juego de provocaciones, avances y retrocesos, exploración de sí mismos. Responde a un poderoso imán, no colocado fuera de ellos, porque está en ellos. Afirmándola o negándola, exploran su propia naturaleza.

Alfredo y Carlos luchan consigo mismos, se enfrentan a obstáculos que actúan de manera automática en su comportamiento. En esa sucesión de tensiones, forcejean. Sus expresiones afrontan la procaz reiteración de una pantomima social exaltadora de lo que se considera aceptable. Hasta que ceden y se entregan, no sin antes repetir los lugares comunes de convenciones que, de haberse dado la tregua de la reflexión, hubieran considerado absurdas. Pero las convenciones que los han conformado constituyen una malla sólida de impedimentos que también están en ellos y, desde sí mismos, los agreden. Si Alfredo se acepta en su dualidad sexual, no así Carlos. Ambos son como metales tan sólidos que no se flexibilizan y al impacto de lo opuesto, se rompen. Es un drama forjado en el decursar de un largo tiempo de convenciones y prejuicios. Es lo adverso que desde adentro se revuelve, enemistado. La pasión que estalla y predomina, por la carga de torpezas sacralizadas, hace que ambos personajes destruyan lo que anhelan.

La atmósfera inicial de la película, en un bar sin ubicación específica, internacional, no esquiva los tópicos del machismo en expresión cubana. El ardoroso tránsito de las situaciones posteriores también tipifica las expresiones que en nuestro medio vemos como reflejos de una contraída y extremada virilidad. De ahí el título, Verde verde: lo excesivo que teme a la quiebra, el horror de no tener asidero, los extremos que se tocan, Dime de qué alardeas y veré de qué careces. Al final, la masculinidad, llevada como una exigencia constante, sin permitirse un matiz de ligereza por miedo a perder el tino y el tono de su imagen rígida, se convierte en una representación tan asumida como el amaneramiento marica, simulación e impostación que puede convertirse en un rol tiránico y, a no dudarlo, resulta una trampa. Son los extremos tenidos como habituales, requeridos y esperados dentro de los cánones de comportamiento que la imposición sexista acepta. Estos protagonistas constituyen, precisamente, las claves que la sociedad echa en falta.

Otra diferencia es la ausencia de ternura que, sin embargo, los personajes hubieran agradecido («yo te hubiera querido», dice un personaje ante la inevitabilidad de su falencia), pero se la niegan siguiendo un comportamiento ya trazado. Esa ternura ausente deviene afán de dominio, elemento de combate. Las posiciones extremas de nuestra sociedad no les permiten matices. Alcanzan el sexo sin el obsequio de la sensualidad, al menos de una sensualidad explícita, previsible; transitan su búsqueda en un rodeo provocado desde el miedo, el reniego, una seducción-otra, como designio irrecusable. Solo de esa manera pueden afrontar los preconceptos que arrastran,

Que una película de este carácter surja en la cinematografía cubana es, a la vez, sorprendente y natural. El país que llevó la homofobia a política y praxis, sumó torpezas que se le convirtieron en persistente boomerang y ahora escala un camino arduo en las obligadas rectificaciones, recibirá esta obra como un rotundo impacto. No resultará de fácil encasillamiento, precisamente porque el argumento y su realización no se permiten el habitual aparato burlesco, no se recrea en la figura del marica endeble, destinado al escarnio tradicional en su equivocado afán de asumir un rol que lo tiraniza, Y es natural que esta película surja en Cuba como un necesario y útil tratamiento de choque.

Ahí están los elementos de un drama que subsiste a pesar de las lindes establecidas, lindes que pretenden adormecer las personalidades con un rito preconcebido. Es el rito el que va contra natura. Estos personajes, en su aparente excepcionalidad, retan el predominio de los arquetipos, pues no son tan infrecuentes como la sociedad machista quisiera. El fragmento de realidad que la película nos muestra, subyace bajo las ceremonias, impone su propio vigor, como una de las múltiples posibilidades del deseo. Es uno de los reflejos coexistentes en la imagen social que la mirada inadvertida no percibe. Estos dos hombres también son el Hombre, cúmulo de tensas ansiedades aplazadas, que se rebelan, exigen presencia. Que estos pensamientos, y muchos más, como flechas disparadas a diversos contenidos, surjan en una primera apreciación, es muestra de una tensión dramática poderosa y una conducción de actores inusual. Es la expresión de una poesía pugnante, bajo la necesidad de aflorar y exigir reconocimiento.

Con toda intención esquivo aquí los elogios y las demasiado relamidas exaltaciones al uso, porque las conquistas y su densidad artística resultan obvias en esta película que ha redondeado Enrique Pineda Barnet. Lo hace desde una concentrada intención artística, cerrada en sí misma, como esos personajes que se buscan, se exploran, se funden en un círculo no previsto por la sociedad de tiránicos prejuicios. La tragedia que explaya la película les viene dada por la excesiva carga de concepciones adversas. Ellos viven su poética diversa, alejada del manierismo obsecuente y de la presunta «denuncia». Sin retórica, viven su mismidad. La cámara y los recursos del cine, simplemente muestran.

enrique pineda barnet, director cinematográfico

2011-12-25T09:55:00.000-08:00

ENRIQUE PINEDA BARNET, La Habana, Cuba, 1933.

(Curriculum vitae 2012)

Director y Guionista de Cine y VIDEO. Profesor titular universitario. Periodista, Crítico, Publicitario y Locutor. Actor. Escritor
Estudios de Publicidad, Filosofía y Letras (Univ. Habana).

Actuación, Dirección (Teatro Estudio) y Dramaturgia (ICRT e ICAIC).

Actor de teatro, debuta en 1938, Teatro Riviera, Compañía de Francisqueta Ballalta. Teatro de los Yesistas (1948-49); Teatro Universitario (1949); Grupo Escénico Libre (GEL) 1951; Teatro Escuela Valdés Rodríguez; Teatro Instituto Víbora. Protagoniza el estreno mundial de "Lila la mariposa" de Rolando Ferrer, Teatro "Las máscaras", 1953.

Obras teatrales: "Cambula" (1953) ; "El Sueño de Máximo" (1958); "El Juicio de la Quimbumbia" (1960) Mención Teatro Casa de las Américas 1962 ; "Siembra de Primavera" (1968) (Teatro asalto ICAIC); "Juventud, Rebeldía y Revolución" (teatro calle ICAIC) (1969); "Breakfast " (1996) (Escuela de Drama, Univ.de Pto. Rico; "First" (1996) (Café Concierto Zorba. Pto.Rico); "Because of the flies" (Stages Center Theather of Hollywood).

Radio (1946-50) La Voz del Aire; RHC Cadena Azul; Cadena Roja; Radio Difusión Inclán; Unión Radio; CMQ radio. Actúa, canta, escribe y dirige.

Literatura:

Publica su primer libro de cuentos "7 cuentos para antes de un suicidio" en 1952 y poesía y cuentos en revistas y periódicos de Cuba, América Latina, Estados Unidos y Europa, como "Ciclón", "Nuestro Tiempo", "El País", "Nuevo Día" y otros.
"7 Cuentos del 7mo Día" (1992); "Gnomos y Icebergs" (1996).

Novela: "Patas Grandes" (1952); " Se anda buscando a un hombre llamado Máximo, si lo ve, pídale por favor no desaparecer" (1959).
Premio Nacional de Literatura (Cuentos) 1953 "Hernández Catá" por "Y más allá... la brisa".

GUIONISTA DE CINE:

"CRÓNICA CUBANA", con Hugo Ulive y Ernesto Dragún. ". "SOY CUBA" (con Evgenie Evtuchenko). "LA BELLA DEL ALHAMBRA" (con Miguel Barnet). Asesoramiento al guión de "QUEMADA" (con Franco Solinas)

Guionista y realizador de cine de los largometrajes:

"Giselle" (1963) ; "David" (1967) ; "Guairas" (1968) ; "Che" (1968); "Mella" (1975) ; "Aquella larga noche" (1979); "Tiempo de Amar" (1981); "La Bella del Alhambra" (1989); “Angelito mìo” (Pto. Rico 1998), "TE espero en la eternidad" "LA ANUNCIACIÓN" (2003-2009). “El Charenton del Buendia· (2007) “VERDE VERDE” 2010-2011

Cortos:

"Aire Frío", "Fuenteovejuna", " La Gran Piedra ", "M-S", "Ñame", "Cosmorama", (en el Museo Reina Sofía de Madrid), "Juventud, Rebeldía, Revolución", "Nicolás Guillén", "Versos Sencillos", "Rodeo", "Rostros del Báltico", "Ensayo Romántico", "First", "El camello en el ojo de la aguja ", "Upstairs", "La Brega", "El jardín del poeta", "Somos arte", "Ecuación", "End", "EL CHARENTÓN DEL BUENDÍA", “Cómo cruzamos la calle” entre otros.

Guiones cinematográficos:

"Soy Cuba" (MIJAIL KALATOZOV 1963), "Crónica cubana" (UGO ULIVE 1962),
"Giselle" (1963); "David" 1965; "COSMORAMA" (1963-64), "Moncada" (1966) ; "Why? " (1967); "Tom and Mary" (1967); "El Gusto" (1967); "Guairas" (1968); "Che" (1968); "Rodeo" (1968), "Juventud, rebeldía, revolución" (1969); "Versos sencillos" (1974), "Mella" (1974); "La Jueza" (1975-76); " La Diversión " (1977); Aquella larga noche" (1978); "Tiempo de amar" (1980); "Aire Frío" (1986); La Bella del Alhambra" (1987-88) ; "Te espero en la eternidad" (1990); "Bolero-Rosa" (1989), "Nostalgia ? " (1997); “Angelito mìo” (1998). "Nora@dirección equivocada" (2001), "Te espero en la eternidad" (2002),”LA ANUNCIACION” 2008, "VERDE-VERDE" (2005). "El beso que no te dí" (2007). “El Charenton del Buendia” (2009). Puentear “Ámense por encima de todo” (Videclip) (2010)

Guiones de Video:

"María Felix"; "El tres"; "Cristóbal Colón"; "La Virgen de la Caridad "; "El Huracán"; "First"; "Upstairs" ; "La visita:"; "La Brega" , o El camello en el ojo de la aguja"; "No se pué decir..."; “Los tres juanes”, "Ecuación". Videos de Arte (SOMOSARTE): Jarrín acechado, "Magia del Caribe", "El jardín del poeta”, "Vodkfé", "Colección MEMORIARTE", “END” "MARAT-SADE EN CHARENTON". Cómo cruzamos la calle”

PREMIO NACIONAL DE CINE 2006
PREMIO CARACOL DE HONOR DE LA UNEAC 2007
HOMENAJES EN EL HAVANA FILMS FESTIVAL OF NEW YORK 2010
Y EN EL CHICAGO FILMS FESTIVAL 2010
MAESTRO DE JUVENTUDES, A.H.S. 2011

"LA BELLA DEL ALHAMBRA" constituyó en suceso cultural en Cuba y superó todos los records de taquilla, es una de las películas cubanas de más venta en el exterior, con 42 premios internacionales, entre ellos el Goya 1990, a la Mejor Película extranjera de habla hispana, otorgado por la Real Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, y fue la primera película cubana pre-seleccionada para los Oscar a mejor película extranjera en 1990. Y exhibida en Paramount Studios of Hollywood.

Guiones de ballet, danza y textos musicales:

"La dádiva" (ballet) Coreografía Gladys González; "Tina" (ballet) Iván Tenorio-Loipa Araujo; "La caza" Jorge Lefebre; "Mariana" Jorge Lefebre; "La jaula de oro" (ópera) Carlos Fariñas. Canciones "Volver a ser", y "Tú que no has podido comprender", música Ernesto Casas (Premio Festival de la canción cubana); "Canción triste", Carlos Fariñas; "Vámonos pa la Habana" Carlos Fariñas; "Prefirieron vivir" Carlos Fariñas; Textos musicales de "La Bella del Alhambra", Gonzalo Romeu. "El hombre que quería volar" (teatro-ópera-danza). Canciones de Te Espero en la Eternidad: "Nunca se sabe" y "Carapacho" Kiko Faxas

Colaboraciones:

Asesoramiento a Franco Solinas para el guión de "Quemada" de G. Pontecorvo; Realización de Estonia y Letonia en "La Sexta Parte del Mundo" de Julio G. Espinosa; Doblaje de "Tierra en Trance" de Glauber Rocha. Asesoramiento a Wolney Oliveira en "Sabor a mí" , a Vicente Ferraz en "Soy Cuba, el Mamut Siberiano".

Actuaciones en cine:

"El maestro del Cilantro' de José Massip; "El primer delegado" de Santiago Alvarez; "Destino Manifiesto de José García; "Pequeño capitán"de Idelfonso Ramos; "Esther Borja" de Idelfonso Ramos; "Tina Modotti" de Mayra Vilasis; "Figuras de cera" de Nigeria ; "Guatemala", de Gisela; "Ositos Polares", de China; "Rastreador de la Memoria" de Lisette Hernández; "Cecilia" de Humberto Solás; "Adorables Mentiras" de Gerardo Chijona; “Ellos comieron chocolates suizos” de Marcel Rodes; "Hoy he vuelto a rezar" de Cesar Augusto Rodríguez; " Noticiero Castaglio" de Said de la Cruz; "Aquí se puede" de Lucía Castellano; "Sabor a mí" de Wolney Oliveira; "Mariposas en el andamio" de Peggy Gilpyn ; "Los fabulosos cincuenta" Olivié y Enrique Colina. "Gozar, Comer Y Partir" de Arturo Infante . “La Anunciación”, de E. P. Barnet

Discos:

"La Bella del Alhambra" (album); "Temas del cine cubano" (CD).

Inéditos:

Libros de cuentos: "El alma al sol'; "A las seis"; "Una lasquita de cielo"; "De como el hombre de la luna se convirtió en un perchero"; "La gota de azogue"; "Ella dió al desmemoriado"; "Mi gato Felix"; "Carta a Holanda", 'El último golpe de la madera"...; Libros de poesía "Deshollinador", "Valentine" "Coquí"...

LIBROS DE TEXTO:

"Arca, Nariz, Alhambre" (Talleres de Creación)

“GISELLE” TEXTOS PARA FILMAR UN BALLET. (1963)

"Dossier XX Aniversario La Bella del Alhambra", selección de textos Enrique Pineda Barnet y Carlos Barba, Ediciones ICAIC, 2009

Instituciones:

Miembro de la SGAE de España. Miembro del Pen Club de Cuba. Unión Internac. de Críticos de Cine. Medallas de oro y plata de la Asociación de Anunciantes de Cuba (de 1954 a 1958). Fundador de la Sociedad Cultural "Nuestro Tiempo"; "Teatro Estudio"; Escuela Profesional de Publicidad; Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC.

PREMIOS:

Algunos de los 42 premios nacionales e internacionales de cine:

Ballet Center de New York; Festival de Cine de Moscú; Fest. de Tashkent; Premio Goya (de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de España) (1990) ; Mano de Bronce del Festival Latino de New York; Primer Premio Festival de Troia, Portugal; Primer Premio Pitirre, Festival de San Juan Cinemafest, Puerto Rico; Premio del Público "Quebracho", Festival de Asunción, Paraguay; Premio Coral de La Habana; Caracol de la UNEAC; Girasol de la Popularidad; "Giraldilla" de La Habana. Compitió a nominación del Oscar a Mejor Película Extranjera (1991). La película "La Bella del Alhambra" se constituyó acontecimiento cultural y popular nacional con trascendencia internacional de crítica y venta. PREMIO NACIONAL DE CINE 2006. DISTINCIÓN ESPEJO DE PACIENCIA 2006. Distinciones Gitana Tropical, UNEAC, UJC, Univ. de La Habana, Provincia de Camaguey. Cuba Disco 2007.
El corto de arte "COSMORAMA", es seleccionado como precursor del Movimiento de Video artes contemporáneo, y por el Mov. de Arte Cinético, en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, marzo del 2007.
Mención Especial del Jurado en Festival Internacional de Cine de San Juan, a "La Anunciación". 2009
Premio de hinchaje Festival de Cine Pobre Humberto Solás, 2008
Llaves de la Ciudad de Cartagena de Indias” (2010)
Jurado y ponente en diversos eventos cinematográficos en América Latina, Europa y países árabes. Condecorado con la Orden por la Cultura Nacional; "Jovellanos" de las Federaciones Asturianas y otras.

Presencia internacional:

Ha impartido cursos, seminarios, maestrías, talleres, dictado conferencias, publicado obras y exhibido filmes en Universidades e Instituciones Culturales de: Cuba, Estados Unidos, Puerto Rico, Rep. Dominicana, México, Panamá, Bolivia, Nicaragua, Colombia, Ecuador, Venezuela, Perú, Costa Rica, Chile, Argentina, Uruguay, Paraguay, Brasil, Argelia, Siria, Líbano, Angola, Congo, Etiopía, España, Portugal, Francia, Italia, Gran Bretaña, Austria, Suecia, Dinamarca, Holanda, Bélgica, Noruega, Polonia, Hungría, Bulgaria, Alemania, Checoslovaquia, Unión Soviética, China, Japón, Corea, Filipinas, Canadá.
Experimenta metodologías de enseñanza artística, escribe textos pedagógicos. Primer Maestro Voluntario a la Sierra Maestra, abril de 1959.
Profesor de cinematografía, dirección, actuación, dirección escénica, dramaturgia, creatividad y guión, cine, televisión, video, radio y otras especialidades de los medios, en diversas universidades. Profesor Titular de las Facultades de Cine, Radio y TV del Instituto Superior de Arte de la Universidad de La Habana, Escuela de Letras UH y de la Facultad de Artes Danzarias del I.S.A.; en la Maestría de guión de la Escuela Internac. de Cine de San Antonio de los Baños; asesor del Diplomado de Cine de la Universidad de Veracruz, México; profesor en la Universidad Complutense de Madrid, y en la Maestría de Artes Audiovisuales de la Universidad Huelva , Andalucía. Taller de Creatividad en Carmona, Colegio de América, Universidad de Sevilla, Talleres de Creación y asesor del Diplomado de cine en Univ. de Veracruz, Univ. de Xalapa, Cinemateca de México, en México D.F., Univ. de San José, Costa Rica, Univ. de Caracas, Univ. de Mérida, GECU de Panamá, Instituciones culturales de Caracas, Univ. de Pto Rico (Recintos de Rio Piedras, Cayey, Humacao, Carolina, Mayagüez), Univ. Metropolitana, Univ. Interamericana, Univ. Politécnica, Univ del Sagrado Corazón, Instituto de Cultura, Centro de Estudios Avanzados del Caribe, Escuela de Artes Plásticas, Museo de Arte Contemporáneo de Pto. Rico, Centro de Convenciones de San Juan, Universidad de la Florida (FIU), Instituto de Cooperación Iberoamericana, Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños y Centros Experimentales de Arte y Cinematografía. Universidades de Carolina, Columbia, New York, CUNY, Amherst, Ann Arbor, Boston, Univ. de Michigan, Instituto de Artes de Chicago, Universidad Estatal de Chicago, Univ. de Northwest de Chicago, Videoteca del Sur New York, Biblioteca Central de New Jersey, Biblioteca El Yunque de Chicago, PRACA de New York, Paramount Studios Hollywood, Stages Theather Center of Hollywood, Los Angeles, CA., Universidad Nacional en Bogotá, Festival de Tenerife, Quito y Cuenca, Ecuador...

2007:

Actuación en el documental “Paradojas de la vida” de Boris Gonzalez Diaz

Actuación en el documental “Canción para Rachel” de Carlos Barba

2008:

Filma “LA ANUNCIACIÓN” largometraje 95 minutos. Sobre la separación de la familia cubana.

Texto Canción “Nunca se sabe qué te espera” y “Carapacho” música de Kiko Faxas

2009:

Making off de La Anunciación (“Cómo cruzamos la calle”)

GUIÓN DE "LA VRGEN DE LA CARIDAD" ficción para un largo de varios cuentos "Amores prohibidos" para ser producido por Ariel Wood

Celebración XX Aniversario de "La Bella del Alhambra", con la reposición del filme y estreno del documental "Canción para Rachel", del cineasta Carlos Barba, cine Charles Chaplin, La Habana, 28 de diciembre de 2009.

Presentación del DVD oficial y disco con música de "La Bella del Alhambra"

2010:

Video Clip "PUENTEAR. Te espero en la eternidad"

Filma END, corto de arte

Entrevista a José Luis Diaz de Villegas (con Vladimir Ceballos y Miguel Villafañe, Entrevista Cristóbal Diaz de Ayala) (con Vladimir Ceballos y Miguel Villafañe, Entrevista a Zilia Sánchez (con Miguel Zayas Romi, Vladimir Ceballos y Miguel Villafañe)

2011:

Filma el largometraje VERDE VERDE", 1 HORA 15 MINUTOS (SOBRE EL AMOR VS LA HOMOFOBIA)
Presentación especial de "VERDE VERDE", cine Charles Chaplin en La Habana.

Enrique Pineda Barnet
http//:puentear.blogspot.com/

postal de NAVIDAD

2011-12-18T12:00:00.000-08:00

mi mensaje general de fin de año:

Que lleguemos temprano a la conclusión de que NINGUNO DE NOSOTROS ES EL OMBLIGO DEL MUNDO.
PORQUE EL OMBLIGO DEL MUNDO ES EN GENERAL EL SER HUMANO,
Y QUIÉN SABE SI SEA MEJOR: EL SER VIVIENTE EN LA NATURALEZA.

MI GRAN ABRAZO,

enrique pineda barnet, LA HABANA, DICIEMBRE DE 2011

'Verde, verde', un duro y descarnado ataque contra la homofobia

2011-12-14T06:40:00.001-08:00

CINE
Agencias | La Habana | 13-12-2011 - 6:11 pm.

El nuevo filme de Enrique Pineda Barnet se estrenó en La Habana.

El cine cubano lanzó un duro y descarnado ataque contra la homofobia en la película Verde verde, del veterano Enrique Pineda Barnet, presentada luego del Festival de La Habana, 18 años después que Fresa y Chocolate estremeciera los cimientos machistas de la sociedad cubana, informa AFP.

"No es una película festiva, está hecha con amor, con verdadero amor y con rechazo al odio (...), es un ataque contra la homofobia, que es un ataque contra el amor", dijo Pineda, de 78 años, al presentar su nueva cinta, que será exhibida al público a partir del 14 de febrero, el día del amor.

Pineda, uno de los patriarcas del cine cubano y que en su amplia filmografía tiene un premio Goya en 1990 por La Bella del Alhambra, había prometido una película "dura", y lo cumplió.

"Una película que trate de manera tan descarnada un tema como la homofobia en Cuba, desde Fresa y Chocolate no había alguien que llegara tan lejos", dijo a la AFP Iván Giroud, director del recién concluido 33 Festival de Cine de La Habana.

La homosexualidad en Cuba, tradicionalmente estigmatizada, fue reprimida tras el triunfo de la revolución en 1959, con internamientos en campos de trabajo en la década de los años 60 y marginalización durante el Quinquenio gris, de los 70.

En un contexto de lenta apertura, Fresa y Chocolate, del fallecido Tomás Gutiérrez Alea, abrió un debate sobre el tema, que ha ido ganando espacio social gracias a la constante campaña del Centro Nacional de Educación Sexual, que dirige Mariela Castro, hija de Raúl Castro.

"Es otro momento y es otro enfoque del asunto", dijo a la AFP el ministro de Cultura, Abel Prieto.

El gobernante Partido Comunista (único) discutirá en enero, en su primera Conferencia Nacional, la propuesta de eliminar todo tipo de discriminación en la Isla y abrir las puertas a los homosexuales para ocupar cargos en el Gobierno, en el Partido y en las Fuerzas Armadas.

Esta película constituye "un paso importante en la batalla contra la homofobia, contra el respeto a la diversidad, contra el respeto al otro", agregó el ministro en la presentación de la cinta, el lunes en la noche.

En un decadente bar, que recuerda escenas del destacado director español Luis Buñuel, un bisexual entabla una relación con otro hombre que presume de heterosexual y que al final resulta ser un homosexual reprimido y peligroso.

"Verde verde da maduro", repite el protagonista.

"Es una película que es más grande por lo que trata de decir que cómo lo dice (...), yo tendría bastantes reparos que hacerle, pero bueno, la lanza que rompe me parece justa", dijo a la AFP el polémico guionista y director Eduardo del Llano.

Densa, de fuertes escenas de sexo y violencia, Verde verde tiene diálogos cuidadosos de un guión realizado por el propio Pineda, en boca de su actor fetiche, Héctor Noas, en el papel protagónico de Alfredo, un enfermero naval bisexual.

"Me parece una gran película, intensa, muy bien lograda", agregó el ministro Prieto, aunque reconoció que "quizás el impacto en el público medio puede chocar con prejuicios, con objeciones".

Desde Fresa y Chocolate hasta Verde verde, otras películas independientes cubanas han abordado el tema de la homosexualidad, pero de manera colateral y, a juicio de la crítica, menos profunda.

Lo que une a Verde verde con Fresa y Chocolate, además de la calidad de la realización, es que ambas tienen detrás un director consagrado y el apoyo total del estatal Instituto de Arte e Industria Cinematográficos.

Interrogado sobre la reacción del público tras la proyección, Pineda dijo a la AFP: "A mí me conmueve. Me resulta conmovedor ver cómo el público dialoga con la película, porque suspira, sonríe, pero se sobrecoge todo el tiempo y después viene la catarsis".

"Me gusta mucho que sea así, sobre todo que venga la reflexión, que es lo más importante", añadió.

Fuente: Diario de Cuba

Enrique Pineda Barnet estrena en La Habana filme sobre seducción homosexual

2011-12-13T16:27:00.000-08:00

Cine, Homofobia

Sobre la cinta, ha dicho su director: “Las fobias son una enfermedad social. El tema de Verde, verde es la homofobia, el crimen de la homofobia contra el amor. Es el no respeto al derecho de la diversidad…”

Redacción CE, Madrid | 12/12/2011

La cinta Verde, verde, del realizador cubano Enrique Pineda Barnet, thriller psicológico sobre la seducción homosexual, tendrá su estreno mundial este lunes a las 8:30 p.m. (hora local), en la sala Chaplin de la Cinemateca de Cuba, en La Habana, informó el portal Noticine.
El filme, producido por el Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos (ICAIC), constituye un alegato contra la homofobia, advierte la nota.

La trama narra cómo Alfredo, médico de la marina mercante, conoce a Carlos, un informático con aspiraciones de piloto, y con el pretexto de mostrarle algo muy especial, lo invita a su apartamento, donde se inicia entonces un juego de seducción “en una tensa lucha contra los prejuicios y las convenciones sociales”, añade el sitio digital.

Sobre su largometraje, ha expresado el también escritor Pineda Barnet, “Las fobias son una enfermedad social. El tema de Verde, verde es la homofobia, el crimen de la homofobia contra el amor. Es el no respeto al derecho de la diversidad…”
Y añade que el título “Se debe a una idea de un alumno que me dijo un día: ‘Maestro, lo que es muy verde muy verde, al final, siempre madura’. Da lo mismo en la política que en el sexo, los extremos se tocan”.

El elenco está conformado, entre otros, por los actores Héctor Noas y Carlos Miguel Caballero, para los roles protagónicos, además de la cantante Farah María, cuya inclusión será “una sorpresa para el público”, añadió el director de La Bella del Alhambra en entrevista publicada en el sitio Cubasí.

Verde, verde constituye el segundo filme producido por el ICAIC, tras el mítico Fresa y chocolate, sobre el tema homosexual, si bien el año pasado el realizador Juan Carlos Cremata dirigió el drama independiente Chamaco, también de temática “gay”.
Pineda Barnet, quien también ha dirigido La anunciación (2008), Angelito mío (1998), Tiempo de amar (1983) o Aquella larga noche (1979), dijo en la entrevista sentirse especialmente orgulloso de un corto dramático, First, que considera su “obra más importante (…) por la carga dramática que puse en él”.

El realizador explica que este corto fue la semilla emocional de Verde, verde y de La anunciación, también películas “de muy pocos recursos”, añadió.
“…Me es interesante trabajar así, con esas limitaciones, porque eso da mucho rigor. Nos hace poner más voluntad en lo que hacemos”, dijo.

Sobre el filme, el crítico e investigador cubano Norge Espinosa ha expresado en un artículo: “En Verde verde, Enrique Pineda Barnet (…) pide con mano que no entiende de conmiseración ni falsa tolerancia que las derribemos (las fronteras que separan a los hombres por sus gustos sexuales), para que nuestra filmografía crezca en madurez, y en una osadía que todavía resulta escasa en lo que atañe a nuestra vida nacional. Mediante el tributo sosegado a Pasolini, Fasbinder, Genet y Cocteau, Lorca y Cavafis, crea un dueto en el cual Héctor Noas y Carlos Miguel Caballero son instrumentos de rara y loable afinación.”

Fuente: Cubaencuentro

Estrena Pineda Barnet la segunda película cubana de temática "gay" en dos décadas

2011-12-12T06:14:00.000-08:00

Escrito por © Corresponsal (Cuba)-NOTICINE.com
Madrid, Sábado 10 de Diciembre de 2011 19:20

Han pasado 17 años desde que Tomás Gutierréz Alea y Juan Carlos Tabío rompieran con "Fresa y chocolate" un tabú del cine cubano: plantear la disidencia sexual como realidad y a la vez como metáfora de cualquier tipo de pensamiento diferente. Ahora, el veterano Enrique Pineda Barnet, una de las figuras más respetadas de la cultura y la creación cubanas, vuelve a la gran pantalla con "Verde verde", un "thriller" psicológico sobre la seducción homosexual, que este lunes, recién terminado el Festival de La Habana, se estrenará mundialmente en la sala Chaplin de la Cinemateca Cubana, a los pies del Instituto del Cine Cubano (ICAIC), que lo produjo.

Alegato contra la homofobia -"un crimen contra el amor"-, recuerda tangencialmente al "Querelle" de Fassbinder, y narra como en un bar del puerto, Alfredo -médico de navegación mercante- conoce a Carlos -informático con aspiraciones a aviador-; con el pretexto de mostrarle algo muy especial, el navegante invita a Carlos a su apartamento. Comienza entonces un juego de seducción en una tensa lucha contra los prejuicios y convenciones sociales.

"Las fobias —ha dicho Pineda Barnet— son una enfermedad social. El tema de "Verde verde" es la homofobia, el crimen de la homofobia contra el amor. Es el no respeto al derecho de la diversidad. Pero prefiero no contarla porque la idea se esquematiza y se reduce su significado". El título, se lo inspiraron: "Se debe a una idea de un alumno que me dijo un día: 'Maestro, lo que es muy verde muy verde, al final, siempre madura'. Da lo mismo en la política que en el sexo, los extremos se tocan".

Sobre el elenco, el considerado decano de los cineastas cubanos en activo, explicaba a Cubasí: "Aquí repito con el actor Héctor Noas, el otro protagónico lo hace Carlos Miguel Caballero, a quien me costó mucho trabajo encontrar cuando buscaba el personaje. Luego necesitaba una dama seductora, pensé en Sofía Loren, pero finalmente me decidí por una cubana: Farah María. Quién se lo iba a imaginar. Yo no la conocía personalmente. Será una sorpresa para el público".

"Verde verde" es la segunda película "oficial" (producida por el ICAIC) sobre la homosexualidad masculina, aunque Juan Carlos Cremata realizó en la isla el año pasado de forma independiente "Chamaco", un drama criminal también de temática "gay".

Maestro, escritor, guionista propio y ajeno (participó en la mítica "Soy Cuba"), hombre de cine y teatro, Enrique Pineda Barnet no ha sido demasiado prolífico como realizador, aunque suya es una de las películas más populares de la historia del cine cubano, "La Bella del Alhambra" (1989), también dirigió "La anunciación" (2009), "Angelito mío" (1998), "Tiempo de amar" (1983) o "Aquella larga noche..." (1979).

Sin embargo, en la misma entrevista con Cubasí, el veterano cineasta se siente especialmente orgulloso de un corto que considera un precedente de esta "Verde verde": "Es mi obra más importante, el corto dramático, "First", por la carga filosófica que puse en él. Lo hice arañándome los bolsillos, con 85 pesos cubanos, y es la semilla de todo lo demás que he hecho. Se filmó en Cuba, pero se exhibió brevemente debido a un elemento handicap que tenía, un desnudo frontal masculino. Lo llevé por el mundo y lo exhibí en muchas ciudades de Estados Unidos, lo pusieron en la TV de Miami; son muy pacatos allá, así que lo pusieron a las 11 de la noche. Luego de eso, un programa en Cuba decidió ponerlo también a las 11 de la noche. Ahí está la semilla emocional de "La anunciación" y de "Verde verde", que también son películas de muy pocos recursos. Pero a pesar de eso, me es interesante trabajar así, con esas limitaciones, porque eso da mucho rigor. Nos hace poner más voluntad en lo que hacemos".

Fuente: Noticine.Com

Enrique Pineda Barnet: «Mis amores son permanentes»

2011-12-11T06:52:00.001-08:00

Por Elizabeth López Corzo

Enrique Pineda Barnet tiene su nombre grabado en la historia del cine cubano y latinoamericano gracias a su película La bella del Alhambra. Pero fuera de esos predios, estoy segura que todos los que hemos tenido la oportunidad de conocerlo, tendremos de él un recuerdo siempre latente. Aún no sé si eso se deba a su diáfana conversación, a su sinceridad inmensa, a su comprensión humilde de las cosas o simplemente a ese encanto que tienen los buenos maestros.

Su más reciente película Verde verde será presentada por primera vez el 12 de diciembre próximo, en el cine Chaplin. «Es una especie de estreno informal al día siguiente que termina el Festival de Cine, para los amigos, artistas y estudiantes. Me interesa que sea vista por todo tipo de público, sobre todo jóvenes».

-Verde verde es un título muy peculiar, ¿qué tiene que ver con la película?

-Se debe a una idea de un alumno que me dijo un día: «Maestro, lo que es muy verde muy verde, al final, siempre madura». Da lo mismo en la política que en el sexo, los extremos se tocan.

El tema de Verde verde es la homofobia, el crimen de la homofobia contra el amor. Es el no respeto al derecho de la diversidad. Pero prefiero no contarla porque la idea se esquematiza y se reduce su significado.

-¿Quiénes trabajan en la película?

-Aquí repito al actor Héctor Noas, el otro protagónico lo hace Carlos Miguel Caballero, a quien me costó mucho trabajo encontrar cuando buscaba el personaje. Luego necesitaba una dama seductora, pensé en Sofía Loren, pero finalmente me decidí por una cubana: Farah María. Quién se lo iba a imaginar. Yo no la conocía personalmente. Será una sorpresa para el público.

-Como espectador, ¿qué películas le gusta ver?

-Me interesa todo lo que se exhibe, creo mucho en la diversidad. Yo no pertenezco a grupúsculos, ni a preferencias determinadas. No me gusta que me encasillen. Me interesa todo el cine bueno, venga de donde venga. Me gusta la comedia, el drama musical, el drama psicológico, la tragedia, el cine de Dogma 95 me parece muy interesante, el cine europeo y el cine latinoamericano revolucionario me interesa mucho. El cine comercial me interesa muy poco o casi nada. Hollywood, sacado con pinzas.

Hay actores que me fascinan en algunos filmes y en otros no. No tengo fetiches para trabajar. Quiero a mucha gente con la que nunca he podido trabajar porque no van con mis personajes. No hago un reparto de amigos, sino un equipo técnico-profesional.

-La película La bella del Alhambra marcó una impronta en el cine musical cubano. Este género está hoy bastante deprimido…

-El musical es un género muy complejo, lleva muchos recursos y especialidades. Aquí no existe una academia de cantantes-bailarines-actores, como tampoco hay especialistas y técnicos generales; no hemos tenido una escuela del musical.

Cuba tiene una tradición interesante de musicales desde antes del triunfo de la Revolución, con coproducciones con México. Conocemos buenos ejemplos del género como Yo soy del son a la salsa, Cuba baila, Un día en el solar, Nosotros la música y Patakín, este último es para mí lo más cercano al musical.

Después de La bella… hay filmes más recientes como el del Benny o Bailando cha cha cha que trabajan el musical, pero aún así, creo que hemos abandonado el musical, y eso no está bien porque «nosotros somos la música».

-A más de 20 años de La bella del Alhambra, ¿qué sigue significando ese filme para usted actualmente?

-Mis amores son permanentes.

-¿Alguna vez pensó, cuando terminó la película, que sería tan grande?

-Yo estuve consciente de la reacción del público por la película cuando se hizo un preestreno en el festival Caracol de la UNEAC. Durante la proyección sentimos cómo el público dialogaba con la película, cómo cantaba. Cuando la gente salió del cine, tenían otro rostro, estaban sonrientes, felices, era un año nuevo.

Comprendimos que teníamos en la mano una película que sonaría fuerte. Era un suceso. Nunca habíamos tenido 2 millones de espectadores en unas semanas. Después las cifras han cambiado o las han cambiado y siempre aparece alguien que dice ser el primero antes que el primero, pero a mí no me interesa esa primacía. Lo cierto es que sí fuimos los primeros en tener el Goya.

Sin embargo, en el Festival de Cine de La Habana no cogimos el Gran Coral, como todo el mundo esperaba, ni el premio a la Mejor Actriz para Beatriz Valdés, quien era la estrella indiscutible. Ganamos el lauro a la mejor música, que era evidente, y nos cerraron la puerta. Después de esa decepción, no hice nada más en Cuba en muchos años. Me fui a Puerto Rico e impartí clases, hice cortos, documentales de arte, un largo para la adolescencia que fue muy sonado, Angelito mío.

Luego hice lo que yo considero mi obra más importante, un corto dramático, First. Lo hice arañándome los bolsillos, con 85 pesos cubanos, y es la semilla de todo lo demás que he hecho.

Se filmó en Cuba, pero se exhibió brevemente debido a un elemento handicap que tenía, un desnudo frontal masculino. Lo llevé por el mundo y lo exhibí en muchas ciudades de Estados Unidos, lo pusieron en la TV de Miami; son muy pacatos allá, así que lo pusieron a las 11 de la noche. Luego de eso, un programa en Cuba decidió ponerlo también a las 11 de la noche.

-¿Por qué lo considera su obra maestra, incluso después de haber hecho La bella…?

-Por la carga filosófica que puse en él. Ahí está la semilla emocional de La anunciación y de Verde verde, que también son películas de muy pocos recursos. Pero a pesar de eso, me es interesante trabajar así, con esas limitaciones, porque eso da mucho rigor. Nos hace poner más voluntad en lo que hacemos.

-El tema de La anunciación es el drama de la familia cubana. Usted me había comentado antes que veía a la familia como la gallinita ciega, ¿por qué?

-Veo a la familia cubana como el juego de la gallinita ciega, a la que le tapan los ojos y le dan un montón de vueltas para marearla. Así la veo, dispersa, buscando, con ansias de reagruparse, pero con los ojos tapados le cuesta mucho trabajo.

-Usted ha dicho que los recuerdos de su trabajo como maestro en la Sierra son los mejores…

-De niño siempre supe que sería artista, nunca imaginé ser maestro. Ya de adulto impartí clases de redacción de textos en la escuela de publicidad. Al triunfo de la Revolución, varios amigos fundadores del ICAIC me invitaron a formar parte de ese acontecimiento, pero para mí eso era el cielo y creo que aún no me había ganado el paraíso.

Yo había hecho lo que todo el mundo hacía en aquella época, conspirar para tumbar un régimen deplorable como el de Batista, pero nada más. Se me ocurrió entonces que podía irme de misionero a la Sierra Maestra y quería presentar mi dossier de petición a alguien, era una idea un poco mística, incluso dejé mi trabajo en la publicidad, donde tenía un buen salario.

Un día, cuando yo vivía en 23 y Malecón, pasaban por la TV un acto en vivo de Fidel desde 23 y P. Ahí el Comandante pedía voluntarios para trabajar como maestros en las zonas intrincadas. Fui corriendo hacia la otra esquina, donde acontecía el discurso, y le entregué mi expediente a alguien que estaba allí. Cuando regresé a mi casa y puse de nuevo el televisor, vi a Fidel con mi file en la mano diciendo: «Aquí llegó el primer maestro voluntario»...

Me fui a la Sierra Maestra y fui tan feliz porque allí no había nada y yo tuve que construirlo todo con mi imaginación, con el alma. Solo había matas de güira (con lo que se hace la maraca), así que la usé para hacer figuras y enseñarlos. Aprendimos a sumar y restar, a hablar, a explicar cómo era el mundo, el sistema solar… en fin, aproveché en cada momento lo que la vida me regalaba. Fue una escuela de amor. Un maestro es quien te ayuda a descubrir la vida. Desde que me descubrí maestro, no he parado, lo he sido donde quiera que he llegado.

-Mereció recientemente el premio Maestro de Juventudes que da la Asociación Hermanos Saíz a intelectuales que han sido inspiradores o han apoyado el movimiento de jóvenes artistas en Cuba.

-Es el premio más querido para mí.

-Me imagino que su profesión de maestro es lo que lo ha hecho siempre estar tan cerca de los jóvenes y sentirse como tal, ¿qué expectativas tiene usted con la juventud cubana?

-Toda la vida los viejos han dicho que el tiempo de ellos ha sido mejor, pero cada generación que surge siempre querrá mejorar lo que hicieron sus antecesores y enfrentarla. Cada uno toma siempre lo mejor del anterior, de lo que ya recibió.

A mí me fascina la juventud y creo que siempre es rica, y no dejo que pase un día de mi vida sin tener conexión con los jóvenes. Cada vez me sorprenden más, me regalan a mí, me comprenden, me enseñan. Estamos en un reciclaje total. La juventud tiene que ser una preocupación para nosotros, pero para apoyarlos más, sin paternalismos. Yo de mis alumnos aprendo cada día.

-Esos alumnos de los que habla actualmente, ¿son estudiantes o pertenecen a algún grupo suyo de charlas?

-Yo he sido profesor titular del ISA y de la escuela de cine de San Antonio. Pero en mi azotea tengo un taller de creatividad, a esos alumnos me refiero. De estas experiencias tengo un libro sin editar que se llama Arca, nariz, alambre, y cada palabra significa algo. Arca porque rescata las cosas innombradas. Nariz porque olfatea, indaga. Y alambre porque es comunicador, horizonte y cerca al mismo tiempo, y porque siempre da la sensación de estar en una cuerda floja.

Muchos de estos alumnos de la azotea son adultos ya que trabajan en la TV, pero siempre vienen a consultarme lo que hacen, y yo los escucho con fervor porque no hay nadie mejor para aleccionarnos que el propio alumno.

-Tengo entendido que también está escribiendo una novela. ¿Son sus memorias?

-Está toda escrita. Esa novela empecé a escribirla en 1953. Casi todos los papeles han permanecido guardados en cajas de zapatos, ahora estoy organizándola, me ayuda mucho mi director asistente de Verde verde, Raúl García Riverón.

Pero culminará luego de que yo me muera, es un testamento vivo. Se mezcla la ficción con la realidad. Es contar mi vida dentro de mi vida, en mi historia, donde yo esté. Me divierte muchísimo, incluso están todos los personajes de mis películas en ella. El título es Se anda buscando un hombre llamado Máximo. Si lo ve, pídale, por favor, no desaparecer.

-Hace un tiempo abrió su blog Puentear en Internet, ¿cómo ha sido la experiencia?

-Es lamentable haberle llegado tarde y ser torpe tecnológicamente. Puentear es por abrazar, por tender puentes, por reconstruir cosas, sentimientos rotos. Insisto en amarnos por encima de las diferencias. Tender un puente siempre es hermoso, aunque no sepas quién va a pasar.

Fuente Boletín ICAIC No. 20
8 de Diciembre de 2011

PRESENTACIÓN ESPECIAL DE "VERDE VERDE", LUNES 12 DE DICIEMBRE DE 2011, 8:30 PM, CINE CHARLES CHAPLIN, LA HABANA, CUBA.

NORGE ESPINOSA SOBRE VERDE VERDE, FILME DE ENRIQUE PINEDA BARNET

2011-12-08T21:11:00.000-08:00

Por Norge Espinosa
crítico e investigador

La Habana, noviembre de 2011

Decía el gran poeta inglés Swinburne que nada separa tanto a los hombres como sus gustos sexuales. Ni la cultura, ni la política, ni otras supuestas preferencias, pueden dividirlos en bandos tan opuestos. Pero valdría añadir, también, que eso es lo que hace a los hombres mismos tan contradictoriamente idénticos. Cuestión de máscaras, y no solo de pareceres o agonías mal calladas; el conflicto erótico entre los cuerpos semejantes viene a ser hoy un tema que gana visibilidad al tiempo que hondura. Pasando de la noticia y el escándalo a los estremecimientos que nos identifican y nos devuelven un mejor rostro, el asunto que hace algunas décadas atrás "no se atrevía a decir su nombre", va irrumpiendo, desde la necesidad de otras tantas libertades, en la voz y los gestos de hombres y mujeres de generaciones diversas y nacionalidades tan distintas, para corroborar que el deseo es un país en sí mismo, y que el acceso a sus ambiguas fronteras tiene aún, por lo general, un precio demasiado alto. En "Verde verde", Enrique Pineda Barnet pone al cine cubano frente a esas fronteras, y pide con mano que no entiende de conmiseración ni falsa tolerancia que las derribemos, para que nuestra filmografía crezca en madurez, y en una osadía que todavía resulta escasa en lo que atañe a nuestra vida nacional. Mediante el tributo sosegado a Pasolini, Fasbinder, Genet y Cocteau, Lorca y Cavafis, crea un dueto en el cual Héctor Noas y Carlos Miguel Caballero son instrumentos de rara y loable afinación. Un concierto de deseos que se enfrenta a los cuerpos de una noche habanera, en la cual un tema de Frank Domínguez une a esos fantasmas ilustres y terribles con los excesos de un juego que puede terminar en golpe de sangre. Sospecho que "Verde verde" nos devolverá a la afirmación de Swinburne. Sólo que esta vez la escucharemos desde la pasión y la incomodidad de los espectadores que accedan a esta historia como quien traspasa un espejo de varios filos. Y acabarán repitiéndola, acabarán cantándola, sobre la línea de un bolero que tal vez hemos escuchado siempre, y de repente, ante estas imágenes, se nos revela en su más doliente y veraz intensidad. Recuerdo un verso de Virgilio Piñera: "Ayer yo estaba sentado/en la Avenida del Puerto..." De ahí puede surgir un hilo que, como el de Ariadna, nos conduzca al laberinto que abre ahora, en nuestras pantallas, un filme tan inquietante.

PRESENTACIÓN ESPECIAL DE "VERDE VERDE", LUNES 12 DE DICIEMBRE DE 2011, 8:30 PM, CINE CHARLES CHAPLIN, LA HABANA, CUBA.

press book del filme "Verde verde", de enrique pineda barnet

2011-12-05T06:15:00.000-08:00

LUCIANO CASTILLO SOBRE VERDE VERDE, FILME DE ENRIQUE PINEDA BARNET

2011-12-01T05:22:00.000-08:00

VERDE VERDE

Por Luciano Castillo
Crítico e investigador cinematográfico

La Habana, noviembre de 2011

Dos hombres. Un bar. Una dama sin velo acechante y premonitoria. Un puerto. Y en torno a ellos una cámara implacable y la mirada lúcida, desprejuiciada, intensa, profunda y renovada de un cineasta radical, consciente del desbordamiento de los extremos. Al dueto de protagonistas les fueron asignados nombres, pero bien podrían ser él y él en un contexto indeterminado donde uno trata de imponer no la ley del más fuerte, sino la del «más» macho. Todo puede ocurrir dentro de las cuatro paredes de un hangar o entre las estibas de una rada no necesariamente en Brest, aunque respiremos la atmósfera asfixiante y las angustias de personajes próximos al universo del excomulgado Jean Genet, transcrito en imágenes por Rainer Werner Fassbinder, el niño terrible del cine germano en su Querelle (1982). Los contrapuntea un universo pictórico poblado por criaturas escapadas de la imaginería de Rocío García. Algunos evocarán por momentos la lasciva lengua rojísima mediante la cual Andy Warhol sintetizó en breves trazos sus impresiones de la visita al plató en el cual cobró vida de la página a la pantalla el marino seductor y criminal. Como Fassbinder y Genet, el septuagenario Enrique Pineda Barnet lanza un desafiante alarido a la sociedad con un ímpetu añorado en tanto cine supuestamente joven.

En la foto: Los actores Carlos Miguel Caballero y Héctor Noas, protagonistas de "Verde verde" (2011)

PRESENTACIÓN ESPECIAL DE "VERDE VERDE", LUNES 12 DE DICIEMBRE DE 2011, 8:30 PM, CINE CHARLES CHAPLIN, LA HABANA, CUBA.

Estrenarán últimas producciones del cine cubano

2011-11-26T17:38:00.000-08:00

PUEBLO EN LÍNEA, CHINA, 2011
ESPAÑOL

LA HABANA, nov, 2011 (Xinhua) -- Las más recientes producciones cinematográficas cubanas tendrán presentaciones especiales entre los últimos días de noviembre y la primera quincena de diciembre en la sala Chaplin de La Habana, anunció hoy un alto directivo de la industria.

Esas presentaciones tendrán lugar en un contexto caracterizado por una etapa de apogeo de la producción cubana, dijo Omar González, presidente del Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos (ICAIC).
Los estrenos anunciados son los documentales San Martín, de Alejandro Gil, y Tupac Katari, de Rolando Almirante, así como los largometrajes de ficción Vinci, de Eduardo del Llano, y Verde verde, de Enrique Pineda Barnet.

Concebidos para la serie Próceres, coproducida por la cadena multinacional TeleSur y el ICAIC, los documentales sobre el independentista argentino General en Jefe del Ejército de los Andes y sobre el más importante líder anticolonial del pueblo aymara, se proyectarán el venidero lunes 28 de noviembre.
Almirante, quien es el coordinador de la serie, señaló que los diez filmes que integran el conjunto implicaron no sólo un registro documental en los países donde actuaron esas prominentes figuras protagonistas de las gestas libertarias americanas, sino también una reconstrucción ficcional como complemento audiovisual.

En Vinci, que se exhibirá un día después, Del Llano especula acerca de lo que ocurrió con el autor de La Gioconda, cuando a los 24 años de edad, sin fama y recién llegado a Florencia desde la campiña italiana, fue acusado de sodomía y permaneció dos meses en prisión.
La cárcel es un hecho histórico, pero lo que ocurrió con Leonardo es pura ficción, aclaró Del Llano, quien aseguró que la idea que quiero compartir con los espectadores es el sentido que tiene el arte para el ser humano, por qué le es necesaria la creación.
El guionista y realizador agradeció los aportes a la película del afamado pintor cubano Roberto Fabelo, quien remedó imaginativamente lo que pudo haber pintado Da Vinci en tales circunstancias, y del reconocido compositor argentino Osvaldo Montes, autor de las partituras que interpreta en la banda sonora el conjunto cubano de música antigua Ars Longa.
Vinci, primer largometraje de Del Llano, acaba de ser protagonista de una polémica cultural al ser rechazado por la Comisión de Selección del XXXIII Festival Internacional de Nuevo Cine Latinoamericano, que se celebrará a partir del 1 de diciembre.
La Comisión respondió a una reclamación de Del Llano explicando que la negativa de seleccionar a Vinci obedece a valoraciones temáticas, pues el certamen está orientado a la identidad cultural latinoamericana y caribeña, y no artísticas o de otra índole.

En Verde Verde, que se estrenará el 12 de diciembre, Pineda, autor de la laureada La bella del Alhambra, quiso rodar una metáfora sobre la diversidad, la tolerancia y contra el odio, al afirmar el cineasta que las fobias son una enfermedad social.
Con fotografía de Raúl Rodríguez, cámara de Pablo Massip y música de Juan Piñera, la cinta cuenta con las actuaciones de Héctor Noas y Carlos Miguel Caballero y las actuaciones especiales de la cantante Farah María, como la imagen de la seducción, y de la pintora Rocío García, cuyos cuadros funcionan, al decir del director, como una síntesis dramatúrgica del relato.

Al comentar estas presentaciones especiales de filmes que luego accederán al circuito nacional de estrenos, González dijo que resultaba significativa la producción que se había logrado en los últimos tiempos en medio de las tensiones financieras y escasez de recursos materiales.

"Dentro de unos días viviremos la efervescencia del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, un acontecimiento extraordinario que siempre tendrá nuestro compromiso, y en el que concursan películas cubanas en las que el ICAIC, de un modo u otro, ha tenido que ver", afirmó González. Sin embargo, el movimiento fílmico cubano va mucho más allá. "Si a estas realizaciones que ahora presentamos, sumamos las que vienen, algunas de ellas en fase de terminación, y comparamos la situación con la época en que apenas se lograba estrenar un cortometraje en un año, podemos asegurar que el cine cubano pasa por un momento de vitalidad", afirmó el directivo. González defendió la idea de que en estos tiempos hay que hablar de nuevas formas de producción y de cambios en la noción histórica del cine. El ICAIC como institución tiene el deber de arropar al cine cubano y defender los valores del arte y de la cultura en general, dijo González.

Fuente: Pueblo en Línea

PRÓXIMAS PRESENTACIONES ESPECIALES DEL ICAIC

2011-11-24T10:11:00.000-08:00

El Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) realizará presentaciones especiales de los capítulos de la serie documental Próceres de América dedicados a San Martín y Tupac Katary; Verde verde, la más reciente producción de Enrique Pineda Barnet, Premio Nacional de Cine 2006; y el largometraje de ficción Vinci, ópera prima de Eduardo del Llano.

Los capítulos de la serie Próceres de América, dedicados al libertador José de San Martín y al líder indígena Tupac Katary, dirigidos por los realizadores cubanos Alejandro Gil (La pared) y Rolando Almirante (Autorretrato), respectivamente, se presentarán el día 28 de noviembre en el Charles Chaplin.

Se trata de una saga biográfica de diez capítulos sobre la vida y obra de figuras emblemáticas en la historia continental, nacida de la colaboración entre el ICAIC y el canal multinacional TeleSur. A través de una mirada contemporánea, la serie documental también ofrece nuevas miradas en torno a la contribución histórica de notables patriotas como Simón Bolívar, José Martí y Francisco Morazán. Según expresó en intercambio con la prensa Rolando Almirante, también director general, las cinco entregas finalizadas se caracterizan por la mezcla del documental con la puesta en escena ficcionada. El realizador destacó que “todas las reconstrucciones epocales fueron hechas en Cuba”.

Vinci tendrá su presentación especial el próximo 29 de noviembre y su estreno nacional está previsto para el próximo 13 de enero. La cinta toma como contexto histórico el Renacimiento Italiano. Del Llano -con una exitosa carrera como escritor, periodista, guionista y director de cortometrajes- lleva a la gran pantalla la vida del joven Leonardo a los 24 años, antes de convertirse en una de las más reconocidas figuras de la cultura universal.

A partir de los preceptos del teatro de cámara, el guionista de La vida es silbar utiliza cuatro actores y una sola locación -la celda donde se encontraba preso el pintor- para proponer una versión libre sobre sucesos reales. A juicio de su creador, esta ópera prima “tiene que ver con el papel del arte en la vida humana, sobre su importancia”. De manera especial, Del Llano destacó la colaboración del pintor Roberto Fabelo y el compositor argentino Osvaldo Montes, quienes tuvieron a su cargo los dibujos que hubiese creado el joven Da Vinci y la música del filme, respectivamente.

Verde verde será exhibida, también con carácter especial, el próximo 12 de diciembre, mientras que su estreno nacional se espera para febrero de 2012. La nueva cinta de Pineda Barnet resulta un viaje a las complejidades de la condición humana, a partir de la indagación en el tema de la homosexualidad.

En un bar del puerto, Alfredo -médico de navegación mercantil- conoce a Carlos -informático con aspiraciones a aviador-; con el pretexto de mostrarle algo muy especial, el navegante invita a Carlos a su apartamento. Comienza entonces un juego de seducción en una tensa lucha contra los prejuicios y convenciones sociales. Su director confesó que la génesis de esta obra se ubica en un poema que escribiera hace más de una década y sirviera de argumento al corto First.

Los roles principales los asumen Héctor Noas -su actor fetiche- y Carlos Miguel Caballero, a los que se unen Farah María como invitada y la pintora Rocío García, quien es una de las narradoras del filme. El Premio Nacional de Cine 2006 confesó que en su próximo estreno “la pintura funciona como una sintaxis dramatúrgica”, pues apostó por la economía de recursos -pocos actores, locaciones, etcétera-. Adelantó que el conflicto es un tema universal: la lucha del amor contra el odio.

A propósito del intercambio con la prensa, el presidente del ICAIC, Omar González, aseguró que existe un “verdadero apogeo del cine cubano”. El escritor y directivo informó que en estos momentos se está superando la crisis que caracterizara el contexto nacional desde los años noventa. “Este crecimiento cuantitativo dará lugar a un crecimiento cualitativo con temas más universales, nuevos modos de producción”, destacó. Al tiempo que recordó la importancia de enriquecer la apreciación audiovisual para los espectadores cubanos.

Actualmente el ICAIC produce más de una docena de obras entre largos y cortometrajes de ficción, además de documentales y animados. Y sin embargo, ópera prima de Rudy Mora, Irremediablemente juntos, de Jorge Luis Sánchez; Ana, de Daniel Díaz Torres; Vestido de novia, de Marilyn Solaya, y Los desastres de la guerra, de Tomás Piard, lideran las futuras propuestas que deben llegar a la gran pantalla cubana el próximo año.

Presentación de la revista Unión 72

2011-11-22T14:47:00.000-08:00

El número 72 de la revista Unión será presentado por el escritor Omar González, presidente del ICAIC, el próximo martes 29 de noviembre a las 4: 00 p.m. en la sala Villena de la UNEAC, en 17 y H, Vedado.

En esta oportunidad se le dedica un dossier a Eliseo Diego que incluye un fragmento de su novela inconclusa Narración de domingo y el relato también inédito que dedicara a Dulce María Loynaz, además de trabajos de la escritora Josefina de Diego, el crítico Jacinto Muñiz, el arquitecto Mario Coyula, el fotógrafo Liborio Noval y la periodista Miriam Rodríguez Betancourt.

Conforman la más reciente entrega de Unión fragmentos de próximas novelas de Carlos Manuel de Céspedes, Abelardo Estorino y Enrique Pineda Barnet y ensayos de Natalia Bolívar (sobre las Sociedades Secretas del Camerún); Alberto Abreu (acerca del volumen Ediciones El Puente en La Habana de los años 60 de Jesús J. Barquet), Olga García Yero (abordando la figura de Marcelo Pogolotti) y la crítica de Graziella Pogolotti a la novela de Eliseo Alberto Esther en alguna parte.

Ilustra el número 72 de Unión la obra del reconocido dibujante y cineasta Rapi Diego.

Ascensión del cine cubano

2011-11-20T14:55:00.000-08:00

Temporada de presentaciones especiales en noviembre y diciembre en la sala Chaplin
Por Pedro de la Hoz

Los documentales San Martín, de Alejandro Gil, y Tupac Katari, de Rolando Almirante; y los largometrajes de ficción Vinci, de Eduardo del Llano, y Verde verde, de Enrique Pineda Barnet, tendrán presentaciones especiales en los últimos días de noviembre y la primera quincena de diciembre en la sala Chaplin, de la capital, en un contexto caracterizado por "una etapa de apogeo de la producción cubana", según declaró ayer a la prensa Omar González, presidente del ICAIC.

Concebidas para la serie Próceres, coproducida por TeleSur y el ICAIC, las películas sobre el independentista argentino General en Jefe del Ejército de los Andes y el más importante líder anticolonial del pueblo aymara, se proyectarán el lunes 28 de noviembre a las 8:30 p.m.
Almirante, quien funge como coordinador de la serie, precisó cómo los diez filmes que integran la serie implicaron, no solo un registro documental en los países donde actuaron esas prominentes figuras protagonistas de las gestas libertarias americanas, sino también una reconstrucción ficcional como complemento audiovisual.

En Vinci, que se exhibirá el martes 29 también a las 8:30 p.m., Del Llano especula acerca de lo que ocurrió con el autor de La Gioconda, cuando a los 24 años de edad, sin fama y recién llegado del medio aldeano a Florencia, fue acusado de sodomía y permaneció dos meses en prisión.

"La cárcel es un hecho histórico, pero lo que ocurrió con Leonardo es pura ficción", aclaró Del Llano. "La idea que quiero compartir con los espectadores es el sentido que tiene el arte para el ser humano, por qué le es necesaria la creación".
El guionista y realizador agradeció los aportes a la película del destacado artista Roberto Fabelo, quien remedó imaginativamente lo que pudo haber pintado Da Vinci en tales circunstancias; y del reconocido compositor argentino Osvaldo Montes, autor de las partituras que interpreta el conjunto Ars Longa en la banda sonora.

En Verde verde, que llegará el 12 de diciembre a la Chaplin, el autor de La bella del Alhambra quiso rodar una metáfora sobre la diversidad, la tolerancia y contra el odio. "Las fobias —acotó Pineda Barnet— son una enfermedad social". Con fotografía de Raúl Rodríguez, cámara de Pablo Massip y música de Juanito Piñera, la cinta cuenta con las actuaciones de Héctor Noas y Carlos Miguel Caballero y dos presencias muy especiales: Farah María como la imagen de la seducción y la pintora Rocío García, cuyos cuadros funcionan, al decir del director, como una síntesis dramatúrgica del relato.

Al comentar estas presentaciones especiales de filmes que luego accederán al circuito nacional de estrenos del ICAIC, Omar González dijo que resultaba significativa la producción que se había logrado en los últimos tiempos en medio de las tensiones financieras y la escasez de recursos materiales: "Dentro de unos días viviremos la efervescencia del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, un acontecimiento extraordinario que siempre tendrá nuestro compromiso, y en el que concursan películas cubanas en las que el ICAIC, de un modo u otro, ha tenido que ver".

"Sin embargo, el movimiento fílmico nacional va mucho más allá. Si a estas realizaciones que ahora presentamos, sumamos las que vienen, algunas de ellas en fase de terminación, y comparamos la situación con la época en que apenas se lograba estrenar un cortometraje en un año, podemos asegurar que el cine cubano pasa por un momento de vitalidad", afirmó Omar. "En estos tiempos hay que hablar de nuevas formas de producción y de cambios en la noción histórica de nuestro cine. El ICAIC como institución tiene el deber de arropar el cine cubano y defender los valores del arte y de la cultura en general".

Fuente: Granma, sábado 19 de noviembre de 2011

"Verde verde" entre amigos

2011-11-16T07:33:00.000-08:00

AMIGOS:

Queremos invitarles a nuestra proyección ENTRE AMIGOS, del filme "VERDE VERDE", en el cine Chaplin, el próximo dia 12 de Diciembre de este 2011, lunes.

Les esperamos en la puerta

enrique pineda barnet

Verdes verdades. Entrevista a Enrique Pineda Barnet

2011-11-14T07:11:00.000-08:00

Por Elizabeth Mirabal y Carlos Velazco
Revista Cine Cubano N0 180 abril-junio 2011

Siempre resulta difícil escribir sobre una película que aún no se ha estrenado. Es como desandar una cuerda floja o cruzar unas gigantescas arenas movedizas. Pero si esa película se llama Verde verde y está dirigida por Enrique Pineda Barnet, lo resulta aún más. Podríamos intentar el camino fácil y comenzar diciendo que en un sórdido bar del puerto, Alfredo, un hombre de 48 años, paramédico de navegación mercantil y trotamundos, conoce a Carlos, un atractivo machazo treintañero, técnico en informática. Podríamos también señalar que ese encuentro será la génesis de una lucha de opuestos. Y aunque nada de ello pecaría de incorrecto, no rozaríamos, ni por asomo, las esencias de Verde verde.

Los riesgos consustanciales a cualquier proyecto cinematográfico anterior de Enrique Pineda Barnet, se densifican esta vez y logran romper las ataduras con sus precedentes. Un espectador ingenuo pudiera augurar el más rotundo de los fracasos, porque, a fin de cuentas, la homosexualidad «ya ha sido tocada otras veces en el cine cubano». En la Isla, como se sabe, basta que un creador se concentre en una problemática, para que se tienda una especie de velo de protección sobre ella. Es como si por un acuerdo tácito y no firmado, volver sobre antiguos derroteros, aun desde perspectivas diferentes, fuese poco menos que una concesión artística o una falta de originalidad. Pineda Barnet trasciende esos reparos y tras su largo camino recorrido, da la orden para que se proyecten unos hondos desgarramientos, que comenzaron a crecer desde hace mucho, antes de 1950, cuando un joven de aspecto efébico recitaba en el Instituto de la Víbora Elegía del condenado, mientras Carlos Piñeiro interpretaba al piano La catedral sumergida, de Debussy.

Verde verde se revela como un juego de infinitos símbolos. El director vuelve el rostro, hurga en su biblioteca cuasi renacentista, no solo física, sino también emotiva, y nos sitúa, junto con Carlos, entre las fantasmagorías que el personaje ha de recorrer para exorcizar, si es eso posible, sus pánicos ancestrales. Con él acaso también tenderemos las manos suplicando ayuda, en un gesto que ya Dante hizo a Beatriz, y Don Juan, a Sor Juana Inés. Miraremos tratando de descifrar las claves en medio de ese ambiente onírico y fantasmal, situado en un no-lugar y acaso hasta en un no-tiempo. Y como en un cuadro de El Bosco, aparecerán los furtivos hombres solitarios de Rocío García, calculándose a distancia o brindando en nombre de las penas y la felicidad. En el estudio rojizo de Alfredo, como las Isadoras de La Bella del Alhambra, surgirá transfigurado un Ícaro caído de Evelio Lecour, que se cubre el rostro con sus alas de cera, de vergüenza por haber volado demasiado cerca del Sol, recordándonos, quizás, que son imposibles las evasiones cuando se pretende salir de un laberinto. Vuelven, aunque se detecten bajo una pátina de invisibilidad, los esperpentos de Antonia Eiriz con toda su intensidad descarnada; las damas enigmáticas de Toulouse-Lautrec diluidas en las orgías parisinas; los desnudos masculinos y femeninos de Egon Schiele, evocando un erotismo que nos advierte de la amenaza de la muerte y la soledad.

En Alfredo y en Carlos reencarnarán los sufrimientos de los personajes, eternamente iniciadores e iniciados, de Pier Paolo Pasolini en Actos impuros y Amado mío, y todas las lecturas compulsivas de Pineda Barnet: desde la Biblia, pasando por el Reinaldo Arenas de Antes que anochezca e Inferno, hasta el José Lezama Lima de Paradiso, el Herman Hesse de El lobo estepario y el Romain Rolland de Juan Cristóbal. Porque todo en Verde verde nos remite a un referente. No obstante, esa compleja urdimbre, ese tránsito cultural contaminado, confluyente, afortunadamente caótico, se resuelve con la aparente simplicidad de una trama lineal, donde asistimos a un duelo sensual, del que poco a poco va emanando un dolor que nos pertenece como herencia maldita, porque se instala y se hace inamovible.

Se adentra en un proyecto que, excepto la economía de locaciones, no guarda otra relación aparente con su última película exhibida, La anunciación. Verde verde es un filme que corre riesgos, no solo temáticos. En él palpita la crudeza de los prejuicios y el profundo miedo de un ser humano por asumirse a plenitud. ¿Qué deudas consigo mismo salda ahora Enrique Pineda Barnet?

La película tiene y no tiene relación, porque si se ponen a ver, toda mi obra es consecutiva y consecuente con lo anterior y lo futuro, de maneras diferentes, por distintos caminos. Anteayer en Regla, exhibí La anunciación, y como parte del mismo programa, se proyectó First. Broselianda Hernández y Verónica Lynn me acompañaban en el teatro: «Oye, esto tiene que ver con First», y les contesté: «Y con Verde verde.» Es como una semilla, y la expresión «deuda conmigo» es justa también, porque se trata de un saldo de mis sentimientos, mis reflexiones, mi manera de proyectarme en la vida. First también era una deuda inmensa, que salió en 1996, en Puerto Rico, y esto no es casual. El hecho es que por la distancia, la identificación con ese país que comparte una gran identidad con Cuba; allí, rodeado de alumnos cariñosos, de una corriente afectiva muy fuerte, experimenté la distancia, una especie de ensayo de exilio, sentí esa sensación, aunque no estuviese exiliado, de estar lejos y cerca. Ese ambiente generó una soledad en compañía muy particular, y en esa soledad, una noche comencé a escribir y salió First como un poema. Poco a poco lo fui redondeando y me di cuenta de que necesitaba terminarlo, darle verdadero cuerpo. Lo construí como monólogo teatral, y me planteé incorporar elementos de la plástica y del cine, pero siempre con la idea de un monólogo para uno de mis estudiantes. Luego, en un restaurante budista, me invitaron a que hiciera un performance, y presenté First; yo mismo asumí la actuación, y en ese proceso me percaté de algunas dificultades del texto. Conté con la colaboración de Luis Enrique Juliá, un músico puertorriqueño que me apoyó con la guitarra. Recuerdo que cuando lancé la pedrada al espejo, salpicaban cristales. Terminé incluso con la sensación de que estaba herido; así que debía buscar un elemento para proteger al futuro actor que lo interpretara, y se me ocurrió –como trabajaba con elementos tan primarios y tan bíblicos al mismo tiempo– usar la red del pescador, tirarla sobre el espejo. Fue una solución dual.

Regresé a Cuba y me reuní con los alumnos de mi taller Arca, nariz, alhambre (Arca, porque rescata las cosas no nombradas; nariz, porque olfatea, husmea, busca; y alhambre, porque es comunicador y está en equilibrio, como el cruce sobre el Niágara). Ellos dijeron que necesitábamos hacer First, se entusiasmaron mucho. Ciento veinte dólares era todo con lo que contábamos, y nos decidimos a filmarlo con una camarita regular. Nos prestaron el fondo del Teatro Nacional, detrás del telón, y allí filmamos First en una noche. ¿Con quién? Con Héctor Noas, que era nuestro actor esencial, el hijo del taller, digamos. Y ahora, cuando lo vimos en pantalla grande en Regla, descubrimos que Verde verde tiene su origen también en First. ¿Qué pasa? Es uno contra uno, es el ser o no ser, lo peor y lo mejor de mí. Son los destrozos del alma, los pedazos propios, expuestos en Verde verde de una manera brutal, cruda. No dejan de estar en La anunciación, solo que en otra corriente, relacionada con la separación familiar. Esta vez se trata del hombre, de sus sufrimientos individuales. Ese proceso no está concluido, apenas empezó a tener cuerpo propio en La anunciación, y se está cuajando en Verde verde. Quizás cuaje en otra obra más adelante, inclusive no cinematográfica.

¿En una novela, por ejemplo?

Puede ser en una novela. De hecho, aparece en una novela que se está empezando desde 1953: «Se anda buscando un hombre llamado Máximo, si lo ve, pídale, por favor, no desaparecer».*

Verde verde disecciona la culpa, ese amargo remordimiento que el contexto social puede llegar a sembrar en los individuos. ¿Cuál es la disposición creativa que le ha permitido llevar adelante este proyecto?

Mientras la culpa pesaba como tal, no podía escribirla, no podía sacarla. Ahora ha ocupado un lugar de maduración, de distanciamiento, al punto de que me puedo burlar de ella, al menos del sentimiento de la culpa. La reto: «¿Bueno, y qué?» Ya no es culpa.

¿Por qué ha podido arrinconarla?

Por haber sido tan culpable y tan culpado. Sobre todo por haber sido tan persecutoriamente culpado.

La película establece un contrapunteo comunicante con la obra plástica de Rocío García. De sus pinturas, toma la atmósfera y la visualidad iconográfica de los personajes. ¿Qué descubrió en la poética de esta pintora que se avenía con lo que quería expresar como cineasta?

Siempre he estado muy ligado a la plástica y he elegido mis artistas, para expresarme a través de ellos. Es el caso de Tomás Sánchez. Siento una estrecha relación, no exactamente con sus paisajes, pero sí con sus basureros, sus Cristos hiperrealistas. Tomás, al mismo tiempo, tiene una comunicación inicial con Antonia Eiriz, y de repente descubrí que Rocío, por otro ángulo, mediante otra dirección, otras venas, expresaba lo mismo. Ella alcanza algo que he aprendido a admirar muy recientemente, algo que llamo el «cinismo enriquecedor». Porque es el cinismo que uno ha criticado tanto, que ha visto con ojos tan despectivos, poniendo en carne viva, a flor de piel, las cosas más contradictorias, más paradójicas de la sociedad, de tal modo que puede reírse, exonerar las culpas. Ahí está. (Señala la reproducción de un cuadro de Rocío que él llama Bar verde). Ese tipo escondiendo la pistola. El que vea la obra de Rocío superficialmente podría pensar: «Esto es una tira cómica.» Pero no tiene nada de tira, y mucho menos, de cómica.

Conserva esa agresividad de Antonia Eiriz.

La agresividad. Exactamente. Ese ángel anunciador de Antonia es un malvado, está señalando la barriga, diciendo: «No te imaginas lo que vas a tener ahí». Él sabe que ella no está engendrando un ser humano bello, ni un Cristo, ni un carajo, sino un auténtico monstruo. Ese ángel avisa.

Nos había comentado que Rocío no pintó nada especialmente para Verde verde.

Llegamos a un acuerdo sano. Ella no quería ponerse en función de la película. Me hizo la advertencia: «No te voy a hacer un story board, ni un personaje que incidentalmente necesites. Te voy a dar mis cuadros y algunos bocetos que la propia narración me inspire.» Entonces me entregó, en unas cartulinas, unos bocetos monocromáticos. Con todo eso, fui haciendo en el guión inserciones que me ayudaran en la sintaxis gramática. Lo que más me choca son los estilos diversos, porque hay diferentes etapas de Rocío, entonces no todos los cuadros conservan la misma línea, hay variantes; sin embargo, a Raúl [García Riverón] no le molestan esos cambios, sino cierta reiteración.

El personaje de La dama seductora recuerda esas apariciones misteriosas de La dama del velo en Réquiem por Yarini de Carlos Felipe. Se trata de una voz agorera, que vaticina, presagia y adelanta la trama. Pero sabemos que el origen de este personaje guarda una estrecha relación con una figura descrita en el psicoanálisis. ¿Qué lo condujo a situarlo como una clave en Verde verde?

La dama seductora estaba planteada al principio tal y como Freud pudiera verla: la madre, la base del síndrome de Edipo en el homosexual adolescente, que siempre se inclina hacia esa figura un poco intocable, le sirve de pretexto al personaje de Carlos para no haber consumado nunca una relación heterosexual. Pero se manifestaba como la figura escénica de alguna antigua diva, que pudiera haber resultado la tentación del adolescente —pensé siempre en Sofía Loren—, y que aun hoy no hubiese perdido su estética. En la búsqueda, pretendíamos una Sofía Loren que económicamente nunca podríamos alcanzar —siempre la realidad nos golpea más fuerte— y, por otro lado, las otras Sofía Loren, y no Loren, que andan por el mundo, están espantosamente viejas y feas. Nos mandaron una colección de rostros, y era la caída del alma ver la transformación de todas esas bellezas. Por esa misma época, viene Farah María a La Habana. La veo en televisión y digo: «Ah caray, ella es un mito, y fue una dama seductora en su momento.» Se me ocurrió que era una manera de acriollar nuestro personaje. Resultaba difícil, porque Farah no disponía de un entrenamiento actoral. Ella es una cantante popular, con un prestigio en su género, y era más complicado conducirla hacia el enigma, el misterio. Me basé en el cuento de Jules Supervielle «La niña de altamar». Es el relato sobre una niña sin origen reconocido, única sobreviviente de un naufragio, que creció en un paraje abandonado. Se alimenta de los frutos naturales de la isla y su única ocupación es saludar a los barcos que cruzan en el horizonte. Cuando los siente, corre a provocar el humo en las chimeneas de la panadería; llena todas las tendederas de ropas recién lavadas; echa a repicar las campanas, y saluda agitando sus manos, desde las ventanas. No habla, solo canturrea. Ejerce un hechizo fatal sobre los hombres, que no se atreven a amarla; se pasea sinuosa entre ellos para tentarlos, les provoca para medir sus fuerzas, y, finalmente, cuando parece que va a rescatarlos, los ahoga. Ese personaje me encantó y fue mi antecedente para La dama seductora. En la película se convierte en esta mujer sobria, vestida de negro, y entra en diálogo con los símbolos poéticos de nuestra dramaturgia. Si buscamos entre los personajes de Eugenio Hernández Espinosa, Carlos Felipe, Rolando Ferrer, Eduardo Manet, nos percatamos de que siempre hay una dama que pasa. No sé cuál es el misterio. También está en los cuadros de Picasso, de Toulouse-Lautrec, aparece en el fondo, y uno no sabe si se trata de una actriz, de una visitante; lo cierto es que siempre está, con mangas anchas o un sombrero.

Por la entrega y la capacidad de desdoblamiento, la complejidad psicológica de algunas escenas, Verde verde demandaba una pareja de actores protagónicos con ciertas potencialidades. ¿Cómo fue ese proceso de búsqueda, de selección?

En el caso de Héctor era un nacimiento natural. Él viene desde First y desde antes. Es un paradigma personal de discípulo, es mi hijo, y no sé si él hizo el personaje o el personaje se hizo para él. En cuanto al personaje de Carlos, era una contrafigura muy difícil de seleccionar y estuve tanteando. Primero pasó lo mismo que con Sofía Loren. Había pensado en Javier Bardem, que es otro ídolo, pero con el mismo pecado: cómo llegar a él. Hay gente que me ha dicho que si le hubiera dado el guión a Bardem, hubiese trabajado en la película hasta gratis, y a lo mejor hasta hubiera puesto dinero. Pero bueno, de repente había que buscar a Carlos. Un actor del Teatro Buendía me parecía bien, pero salió en una gira y no regresó. Pensé en otra persona, que podía dar la misma ambigüedad, la seducción, y le hice llegar un mensajito. Este actor se me apareció en Nueva York: «¡Bueno!, ¿qué? ¿cuándo empezamos?» Héctor afortunadamente estaba también, conversamos y quedamos para hablar en Miami. Una vez allí, el actor nos invitó a comer en su casa, leyó el guión, le fascinó, le pregunté si no tenía problemas, y me dijo que no, que la iba a hacer de todas maneras. En ese transcurso fui a visitar a mi amigo productor Ever Chávez, que vive en Miami, y coincidí con Carlos Miguel Caballero. Volvimos a La Habana, pasó una semana y ese actor no resolló, pasó más tiempo, y seguía sin resollar. Hasta el día de hoy. De repente, Rocío me dice que hay alguien que no me perdona que él haya pasado sin yo saber que pasaba: «Estuviste con Carlos Miguel en South Beach, y está loco con el personaje que le describiste». Me comuniqué con él y Carlos Miguel me respondió que llevaba veinte años esperando estar en una película mía. Yo le había hecho casting hace mucho. Me había encontrado con él después en varias ocasiones, y nunca le propuse otro papel. Mientras tanto, en La Habana, Raúl y yo convocábamos a cuanto macho tuviera dos patas, un par de ojos interesantes y fuese varonil. Los citábamos, los fotografiábamos, hacíamos pruebas, y al final, seleccionamos un candidato, pero me di cuenta de que no podía ser. Decidimos intentarlo con Carlos Miguel, que inmediatamente vino, pasó por encima de todas las trabas. No hubo ningún beneficio particular: él agarró al personaje, demostró una identidad asombrosa; no hubo más que impulsarlo, porque sacó mucho de sí. Estoy muy contento con Héctor y con Carlos, me parece que los dos eran esenciales.

¿Héctor Noas es su actor fetiche?

Sí lo es, pero por convicción. Es un actor fetiche porque yo lo quiero entrañablemente, lo admiro mucho como artista, como hombre de disciplina, Héctor me ha demostrado una gran voluntad. Él es un Tauro, inteligente, que se propone metas y las consigue con tenacidad, con rigor, con ejercicio constante. Sabe que lo mimo, y sin embargo establece una distancia, no se acurruca, es austero: «No hagas concesiones.» Eso causa mi admiración, pero al mismo tiempo hay una afectividad, como la hay hacia Beatriz Valdés, una criatura a la que quiero muchísimo, y no me gustaba al inicio, la seleccioné para La bella del Alhambra antes de que me gustara.

Hay un iniciador y un iniciado. Un secreto. Sin embargo, la revelación que amerita uno de los personajes reside en el otro, y solo puede llegar a ella a través de su antagonista y complemento. ¿A qué responde esta estructura dramática?

Eso es un misterio. Realmente me parece una pregunta brillante. Creo que no puede existir uno sin el otro; hemos discutido mucho sobre quién es el protagonista, porque en términos de dramaturgia, es Carlos el que tiene más participación, quien lleva la acción dramática a su fin. Es también la víctima, pero al mismo tiempo, el victimario. Carlos iba a victimizar a Alfredo, Alfredo iba a victimizar a Carlos. Los papeles se cruzan. Hay un contrapeso.

Verde verde está sumida en un ambiente que coquetea con la sordidez. Resulta difícil situarla en un lugar, transcurre sin atarse a un espacio determinado. ¿Era una intención?

Es una intención, por muchas razones. De manera inmediata no era bueno decir: «Esto es aquí». Pero no estoy eliminando esa posibilidad. Es un juego malvado.

Los protagonistas, en esa especie de cortejo que se va suscitando, repasan buena parte del repertorio machista de nuestro país. ¿Sería ese el punto de enlace con una realidad concreta?

Puede ser su expresión verbal y hasta gestual, pero de haber sido otros los actores, Javier Bardem, por ejemplo, habría tenido su variante, estaría más en el «vale» español. Aunque Bardem es un actorazo que asimila cualquier idiosincrasia. Lo que sí ellos en ningún momento van a decir «asere». Se usa «mi pana» y «cuate», para hacerlo más universal. Hay un momento en que Alfredo dice: «Encontrarse a una cubana en Pozuoli», pero bueno, la actriz puede ser cubana y los marineros que están en la orgía, de no sé donde, lo que importa es que participan en una fiesta de hombres solos.

¿Cómo se las ingenió para conseguir la gran carga erótica de la película, sin llegar a lo pornográfico ni a lo vulgar?

Eso es como cuando asistes a una fiesta donde presencias y convives con un mundo promiscuo, pero mantienes una posición: «Esto a mí no me toca.» Una advertencia, más con el staff que con los actores, desde el primer día de trabajo, fue que no se admitía ni un solo «asere» ni un solo «qué bolá». Es una consigna mía desde La anunciación. En esa película, Ismaelito, discutiendo con el hermano, suelta: «Eso es lo que yo te dije, p…», pero no se le entiende, se lo traga, es la única palabra grosera que se usa. No tengo prurito en gritar «Al carajo» o «A la pinga», que es la expresión nacional. Escribí un cuentecito titulado «La isla de p», donde las niñas van por la calle con unos latiguitos hechos de rama de árbol, tumbando las rosas y diciendo: «Pinga, pinga, pinga, pinga, pinga…» Se asoma una señora a la ventana, se cae una maceta y grita: «¡Pingaaaa!» Viene el florero pregonando: «Pingaaa, pingaaaa, pingaaa». De todas partes van saliendo pingas, y desde arriba se ve que la isla es de p. Más bien se convierte en una condena a una cosa tan grosera como es el pingante ese.

¿Cuál es la génesis más remota de Verde verde, incluso antes de First?

La pregunta ha sido casi psiquiátrica. Me ha llevado atrás. Existe un poema anterior a 1950, tendría yo menos de 17 años, que se llama Elegía del condenado. Lo escribí estudiando en el Instituto de la Víbora, y lo grabé con Carlos Piñeiro al piano tocando La catedral sumergida de Debussy. Florencio Escudero nos hizo la grabación. Ese poema puede ser perfectamente el origen remoto de Verde verde.

¿Qué lo inspiró a escribir este guión?

La muerte de Miguel Navarro, de Roberto Garriga y de otros personajes de la cultura que fueron asesinados en escenas homofóbicas. Esas noticias tremendas, duras, reunidas, me impactaron, me conmovieron. Pensé que hacía falta hablar sobre eso. Ya ando por la versión número trece del guión, la primera fue hace diez años.

¿Cómo planificó la escena de la orgía en el hangar?

Los marineros eran muchachos, jóvenes, de tipo más bien europeo. Casi todos estudiantes, muchos universitarios. Ellos estaban divertidos con aquello: «Nos vamos a encuerar». Les dije que no quería una grosería, ni un gesto fuera de lugar. Solo iban a jugar, a colocarse en una situación que diera posibilidades a la cámara. Si los ponía a darse cocotazos, a retozar, a jugar a los escondidos, y los filmábamos, parecería que estaban haciendo mil cosas. Salió más fácil de lo que podía imaginarme. Un tanto más complicado era el trabajo con el stripper. Hay una escena, en especial, en que le propuse al actor buscar un doble, pero él se quedó pensativo y me contestó: «El cine cubano necesita una conmoción.» Y la hizo. Eso es todo un aporte generacional. El muchacho es espléndido, no es modelo, ni bailarín, ni actor. Un autodidacta. Claro, la coreografía se la montó Gustavo Herrera, un maestro. Lo entrenó, lo enseñó a moverse como un reptil. Es increíble su expresividad.

¿Cuáles fueron los momentos más difíciles de la filmación?

El staff fue muy disciplinado, los iluminadores, la gente del martillo en la mano, la gente dura. Hablé con ellos previamente, les expliqué de qué iba la película, anuncié que habría desnudos, acciones de sexo brutal, pero no les especifiqué si simuladas o no. Los dejé con la duda. También aclaré que, en ocasiones, me iba a sobrar todo el mundo en la escena, por lo cual me quedaría con las personas indispensables al lado. Pregunté si tenían algún prejuicio, alguna reserva al tratar el tema del homosexualismo de esa forma. Hubo silencio. Naturalmente, en ese silencio uno siente la discreción de adultos que van a hacer un trabajo con respeto. A los diez o doce días de filmación, me llamó uno de luces y, en nombre de todos, me dijo que sí tenían algunos prejuicios al comienzo, que les preocupaban muchas cosas, pero que al haber avanzado en el trabajo, se sentían orgullosos de estar haciendo la película. Que esos machazos me dijeran cosas como esas, fue muy importante. Escenas difíciles, dramáticas, como el sexo de Alfredo y Carlos, incluso en la filmación, me resultaban brutales. Yo tengo mucho miedo con los actores, es como tener una avecita en la mano. No sé sostener un ave, un pez, porque el palpitar de ambos me pone nervioso. El pez me parece que se va a lastimar, y el ave, que morirá ahogada por la torpeza de mi mano. Con los actores me ocurre en algunas escenas: temo lastimarlos, herir sus sensibilidades, quebrarlos, porque yo sé que es algo muy serio lo que está sucediendo dentro de ellos. Hubo un momento en el que Carlos Miguel se levantó, verdaderamente atacado, atravesaba una crisis actoral fuerte, dijo algo, y después pidió perdón al equipo por haberse ido del personaje. Todo el mundo lo entendió, hubo un acuerdo general como de «vamos a pasarle la mano».

¿Lo asalta algún temor respecto a Verde verde?

No, no tengo temor con Verde verde, sino preocupación porque se presente de la mejor manera, la más adecuada. No es una película que deba lanzarse a golpe de mandato, debe programarse con inteligencia y buen tino. Pero miedo no tengo ninguno.

La Habana, abril 11 de 2011

Sinopsis de Verde Verde

Un hombre huye desesperadamente por un laberinto, buscando una salida que no encontrará. En su fuga tropieza con apariciones que le bloquean el paso: una dama seductora, algunos personajes escapados de un bar singular, una pintora, un barman armado, un stripper, una anciana turista, un estibador acechante. En un bar del puerto, Alfredo, paramédico de navegación mercantil, conoce a Carlos, informático aspirante a aviador. El navegante invita a Carlos a su hangar en el puerto. Atracción, proceso de seducción y rechazo. La vida se vuelve verde verde.
Créditos

Actores: Héctor Noas (Alfredo), Carlos Miguel Caballero (Carlos), Farah María (La dama seductora)
Guión y dirección: Enrique Pineda Barnet
Director asistente: Raúl García Riverón
Productores ejecutivos: ICAIC, Malas Compañías, Producciones Audiovisuales Artex, Ibermedia.
Director de producción: Santiago Llapur
Director de fotografía: Raúl Rodríguez Cabrera
Cámara: Pablo Massip Ginestá
Diseño sonoro y mezcla: Osmany Olivare
Montaje: Pedro Suárez
Dirección de arte: Nieves Laferté
Escenografía: Alain Ortiz
Ambientación: José Amat
Maquillaje: Magaly Pompa
Vestuario: Gabriel Hierrezuelo
Composición y dirección musical: Juan Piñera
Coreografía: Gustavo Herrera

Elegía del condenado

Sudar el pan…
¡Quién pudiera sudar el pan!
Las campanas tocan por mí.
Voy a morir mañana.

Me deslizo por las calles empolvadas
entre paredes blancas, calcinadas.
Las campanas doblan por mí.
Voy a morir mañana.
Soy Enrique el Apestado.
Voy a morir mañana entre paredes blancas
por donde no puede colarse ni un pedazo de cielo.
Las campanas doblan por mí.

¡Ay, quién pudiera sudarse el pan!
Estoy montado ya en el caballo
Y no puedo volver atrás en el camino.

SOY UN ESTANDARTE DE DESHONRA Y VERGÜENZA POR LAS CALLES.

Las campanas doblan por mi muerte
con una soga al cuello por Apestado,
mientras yo me deslizo por las calles grises
entre el polvo y el sol derretido en las aceras
entre los muros calcinados y macizos.

Soy un estandarte de dolor y vergüenza entre los muros.
Voy con mi dolor amarillo al hombro
con la cabeza doblada y la vergüenza en el bolsillo.
No puedo mirar un pedazo azul por allá sobre los muros.
Camino entre campanazos y cuadrados de calles.

Voy a morir mañana, en el cuadrado de azul sobre los muros
las nubes me despiden con sus pañuelos blancos.
Voy a morir mañana por Apestado.
Las campanas doblan por mí.
Estoy montado en el caballo y sigo mi camino hacia los picos de piedra.
Pero ¡ay, quién pudiera sudarse el pan!
Subiendo a las montañas libremente sobre las piedras quietas.

Yo no puedo: voy a morir mañana,
voy a morir mañana, voy a morir mañana,
voy a morir mañana.

Enrique Pineda Barnet, 1950

First (fragmento del guión)

1-! De lo bueno...!
2-...Contigo.
1-¿Conmigo?
2-Contigo.
1-Eso es amor.
2-¿Conmigo?
1-Amor.
(SE QUEDA EMBELESADO CON EL OTRO)
REACCIONA
BUSCA UNA PIEDRA FOSIL EN EL SUELO.
________________________________________________________________
LA MANO COGE LA PIEDRA Y...
____________________________________________________________
1-Por mi culpa, por tu culpa, por la grandísima culpa.
(EL HOMBRE LE CAE A GOLPES AL ESPEJO, DESTROZANDO SU IMAGEN DOBLE)
__________________________________________________________
LA MANO DEL HOMBRE CON LA PIEDRA, ROMPE EL ESPEJO.
_________________________________________________________________
(EL HOMBRE DA UNA VUELTA BUSCANDO QUE HACER CON LA PIEDRA)
1-(CANTA) ¡Al ánimo, al ánimo, la fuente se rompió!
(LA TIRA AL PÚBLICO)
EL HOMBRE REFLEXIONA.
MIRA AL ESPEJO
VUELVE A PARARSE FRENTE AL ESPEJO ROTO DONDE VE SU IMAGEN DESTROZADA.
ABRE SUS BRAZOS EN CRUZ.
1-¡Mira que perdemos tiempo!
(SE ABRAZA A SU IMAGEN DESTROZADA)
______________________________________________________________________
(ROSTRO DEL HOMBRE CONTRA EL ESPEJO ROTO)
1- Amén.
_____________________________________________________________________
CARTEL:

DEDICATORIA:
a vuestros deudores.
(mas líbranos del mal)

Verde verde (fragmento del guión)

SEC. 26 INT. NOCHE. APARTAMENTO-ESTUDIO DE ALFREDO
ENTRA SONIDO AMBIENTE DE MAR

26.1 CARLOS: (HACE QUE NO LO ESCUCHA)
Perdona, pero ¿me puedo quitar la camisa? Este calor…

26.2 ALFREDO SOLAMENTE LO MIRA Y LE SONRÍE.

26.3 CARLOS ELIJE OTRO CD DE UN INTÉRPRETE MACHISTA DE MODA Y LO PONE. (Canción: YO SOY MALO CANTIDAD)
YA SIN CAMISA, IMITA EL DISCO,
SUENA ALGO CARIBEÑO, COMO LA TIMBA

26.4 (STORY BOARD)
CARLOS (IMITANDO): HACE UNA CARICATURA DE VIDEO-CLIP.
Y BAILOTEA DANDO PELVIS A LA CÁMARA Y
HACIENDO CONTORSIONES GROTESCAMENTE SEXUALES.
CARLOS: (DOBLANDO)
“Yo soy malo, yo soy malo. Yo soy malo cantidad…

26.5 ALFREDO LE DISFRUTA EL CUERPO,
RÍE A CARCAJADAS,
LO CARICATURIZA

26.6 ALFREDO:
Oiga, Macho… Verde-verde, da maduro, ¿sabe?

26.7 CARLOS:
¿Qué cosa?

26.8 ALFREDO:
Piense eso, no me diga nada, píenselo y verá. Sirve para todo: “Verde-verde, da maduro.” Aplíqueselo a la vida.
Cuando las cosas parecen más verdes… caen maduras.

26.9 CARLOS: (SE ENCABRITA)

Oye, yo soy hombre a todas.
SONIDO ASCENSOR SUBE DE GOLPE
(SILENCIO)
CARLOS OTRA VEZ SE ASOMA A LA VENTANA.

Próximamente "Verde verde", una película de Enrique Pineda Barnet

2011-11-09T15:46:00.000-08:00

El crimen homofóbico contra el amor homosexual

GUION Y DIRECCIÓN

ENRIQUE PINEDA BARNET.

(Guión cinematográfico registrado en el CENDA, SGAE y en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en Washington).

SINOPSIS:

Un hombre huye desesperadamente por un laberinto, buscando una salida que no encontrará. En su fuga tropieza con apariciones que le bloquean el paso: una dama seductora, algunos personajes escapados de un bar singular: una pintora, un barman armado, un stripper, una anciana turista, un estibador acechante. En un bar del puerto, Alfredo, paramédico de navegación mercantil, conoce a Carlos, informático aspirante a aviador. El navegante invita a Carlos a su hangar en el puerto

Atracción, proceso de seducción y rechazo. La vida se vuelve verde VERDE

Con: HECTOR NOAS - CARLOS MIGUEL CABALLERO

FARAH MARÍA

PINTORA - ROCIO GARCIA

GUIÓN Y DIRECCIÓN - ENRIQUE PINEDA BARNET
DIRECTOR ASISTENTE - RAUL GARCIA RIVERON

PRODUCTORES EJECUTIVOS - ISABEL PRENDES-ANTONIO HENS
DIRECTOR DE PRODUCCIÓN - SANTIAGO LLAPUR

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA - RAUL RODRÍGUEZ CABRERA
CAMARÓGRAFO - PABLO MASSIP GINESTÁ.
DISEÑO SONORO Y MEZCLA - OSMANY OLIVARE
MONTAJE - PEDRO SUÁREZ
DIRECCION DE ARTE - NIEVES LAFERTÉ
ESCENOGRAFÍA - ALAIN ORTIZ
AMBIENTACIÓN - JOSÉ AMAT
MAQUILLAJE - MAGALY POMPA
VESTUARIO - GABRIEL HIERREZUELO

COMPOSICIÓN Y DIRECCIÓN MUSICAL - JUAN PIÑERA
COREOGRAFÍA - GUSTAVO HERRERA
DISEÑADOR GRÁFICO - NELSON PONCE
PINTORA - ROCIO GARCIA
ESCULTOR - EVELIO LECOUR

«El cine panfletario no tiene validez»

2011-11-05T17:31:00.000-07:00

CINE
Por Michel Suárez | Madrid | 04-11-2011

Héctor Noas, protagonista de 'Los dioses rotos', habla sobre el cine nacional, las peripecias de los actores cubanos por el mundo y del acento, ese gran problema.

Héctor Noas (o Héctor Eduardo Suárez, El Polaco) es un rostro familiar del cine, el teatro y la televisión. Vive en España desde hace 13 años y comparte escenarios entre La Habana y Madrid. Licenciado en Artes Escénicas, con especialización en Actuación, comprueba en las calles, de cualquiera de sus dos patrias, la trascendencia de su paso por La bella del Alhambra y Los dioses rotos, o su participación en series españolas de éxito.

Muchos actores cubanos han emigrado a Estados Unidos, España o América Latina, pero se han encontrado con el problema del acento, en el caso español, o con el de un mercado que no puede asimilarlos a todos, como el de Miami. ¿Cuál es tu caso?

En el caso de España, el problema del acento abarca no solo a los latinoamericanos, sino incluso a los nacionales. En un país donde se habla y se insiste constantemente en la diversidad cultural, y a pesar de que en la calle y en la vida cotidiana, este sea un país enriquecido por las diferentes culturas, todas ellas con sus características y variedad de acentos, en los medios se ven obligados a hablar como si fuesen de Salamanca o Valladolid, si quieren tener una carrera estable.

Es el llamado "acento neutro", aunque sabemos que es realmente acento castellano. Por lo tanto, los actores canarios, andaluces, gallegos o catalanes tienen que "esforzarse" para variar su forma de hablar, aunque ello implique renunciar a parte de su esencia cultural incluso en su propio país. O tendrán que esperar por determinado personaje para el cual se requiera ese acento determinado.

A mi modo de ver, este es un esquema arcaico más propio de una España franquista que de una nación que quiere sentir integrados a todos sus miembros. Si en la calle, en los hospitales e incluso en el Parlamento hay tanta variedad de acentos, ¿por qué en las series de televisión, en el teatro convencional e incluso en el cine, se evade esa realidad?

El caso de Miami no lo conozco tanto, pero deduzco que pase algo parecido con lo del acento, solo que allí el llamado "acento neutro" nos suene a mexicano al resto de los mortales. Es cierto que se asocia el "acento cubano" con el acento habanero, que es mucho más marcado que el de otras regiones de la Isla, y esto puede ser una limitante.

En la televisión, el producto casi siempre se hace pensado en los consumidores y ya sabemos que el mayor por ciento de televidentes latinos en EE UU son los mexicanos. Hay excelentes actores cubanos en Miami y es una pena que no todos logren establecerse en los medios, a pesar de su calidad. Un actor cubano o una actriz por muy buenos que sean, no están respaldados por una potente industria televisiva. Los cubanos jugamos con bastante desventaja en ese sentido.

En mi caso, en España, y quizás porque he trabajado mi dicción como actor desde mis inicios, he podido hacer teatro, televisión y hasta cine. También es cierto que he perdido buenas oportunidades por negarme a variar completamente mi esencia. No es lo mismo trabajar un acento para determinado personaje que sentirte obligado a hacer constantemente algo en lo que tú no crees. Desgraciadamente, las reglas del juego no las ponemos los actores; por lo tanto las asumes o te retiras del mismo.

¿Qué opinas de la calidad de la actuación en la Isla? ¿A qué se deben ciertos tonos histéricos y la debilidad general de los actores más jóvenes, pese a que existe el ISA, por ejemplo?

Cuba siempre fue un ejemplo en cuanto a actores. Fuimos pioneros en Latinoamérica en la televisión e incluso conocimos del método de Stanislavsky antes que otros. El movimiento teatral cubano ha sido una cantera de talento aun en las peores condiciones. Tuve como maestros en el Instituto Superior de Arte a grandes profesionales. Ellos aportaron sus conocimientos para mi formación, pero lo cierto es que solo la autoexigencia puede hacer que un actor crezca.

No comparto la idea de que haya una debilidad general en los actores más jóvenes. Siempre ha habido actores más eficaces que otros. Lo que pasa es que cuando se empieza joven en la profesión hay algunas inseguridades y limitaciones que poco a poco se van superando. El ejemplo más notable de esas limitaciones es la mala dicción. No se debe confundir el realismo con ese naturalismo extremo, donde no se entiende lo que se dice. La cotidianidad puede ser un elemento válido en una serie sobre la actualidad, pero cuando tocamos un clásico o una época determinada hay que ser más exigentes con la forma de hablar.

No se puede culpar a un actor o a una actriz si hay "cierto tono histérico" en su actuación. Para eso están los directores. Los actores a veces no tenemos referencia de lo que estamos haciendo y podemos confundir sentimiento interno con expresividad física. Creo que el éxito de algunas telenovelas han condicionado ese tipo de actuación como patrón a seguir. Excluyo a los brasileños, quienes para mí son los grandes maestros del género.

Que Cuba no sea capaz de exportar una telenovela (por aburrimiento y mala calidad), ¿es síntoma de que a veces los primeros serán los últimos?

Cuba no es capaz de exportar ninguna telenovela porque en Cuba la televisión no es una industria. Salvo Brasil, México, Colombia y Venezuela, al resto de los países latinoamericanos, aunque hagan un producto válido, les cuesta mucho colocarse en el mercado. No se puede negar que las telenovelas cubanas son muy deficientes en cuanto producción, no hay recursos para hacerlas. Los artistas y técnicos se enfrentan día a día a una serie de limitaciones materiales enormes; por lo tanto, aunque se toquen temáticas interesantes, el producto final desde el punto de vista de imagen es muy débil, no puede competir con las superproducciones de otros países.

No soy lo que se dice un fan de las telenovelas, pero me aburren mucho más esas donde ya se repite el mismo esquema manido de la pobre que se enamora del rico y la mala malísima que se le enfrenta, por muy buena calidad de imagen y producción que tengan.

Me llama la atención cómo desde Miami los cubanos siguen y están al tanto de lo que se hace en la televisión en Cuba en cuanto a series, teleplays y cine se refiere. El cubano quiere lo suyo esté donde esté y es fiel a su esencia, aunque sus realidades sean ya muy diferentes.

Recientemente se exhibió 'Habanastation' con un éxito apabullante de público. ¿Este tipo de estrenos cubanos suelen ser multitudinarios por el producto en sí mismo o por las condiciones del país, donde no existe un circuito comercial y los estrenos son cosa de la televisión?

Por suerte, los cubanos quieren a sus artistas, a su música, a su ballet, a su cine, y siempre ha sido un pueblo con mucha inquietud cultural. Un ejemplo ha sido año tras año el Festival de Cine de La Habana. He viajado bastante gracias a mi profesión y te aseguro que pocas veces he visto tantas colas en los cines como en Cuba. Es cierto que el cubano siempre está ávido de saber qué pasa más allá del horizonte, pero también quiere verse reflejado en su cine o su televisión. La gente acude en masa a ver lo nuevo que se hace, aunque luego sea crítico con eso que ha visto.

Habanastation toca un tema que puede pasar ahora mismo en cualquier sitio del mundo, pero que pase en Cuba, donde siempre se ha hablado de la igualdad, despierta la curiosidad. Es una realidad que existe y que puede ir a más. Negarlo sería absurdo.

¿Significa 'Habanastation' un avance en el tratamiento de los problemas sociales?

Los temas sociales, de alguna forma, están siempre que se toque la realidad, aunque no profundicen en las causas. Ha habido en ese sentido obras más críticas con la realidad y desde hace muchos años. Recuerdo que cuando vi Madagascar, de Fernando Pérez, salí del cine con un estado de ánimo que me costó superar. Con Suite Habana, también de Fernando Pérez, me pasó otro tanto.

Hay realizadores que han hecho sus obras basándose en la crítica social, sobre todo últimamente en la Muestra de Cine Joven. Me devuelve la esperanza. Es un cine crítico que yo apoyo, sobre todo si está bien hecho. El cine panfletario, ya sea a favor o en contra de determinada política, para mi no tiene validez. El arte debe ser crítico con la realidad, aunque sea molesto. Solo así conseguirá mejorarla.

Protagonizaste 'Los dioses rotos', de Ernesto Daranas. ¿Cuáles fueron los problemas del que, en mi opinión, pudo haber sido el mejor filme cubano de la última década?

Quien vea Los dioses rotos no tendrá una idea de todos los obstáculos, sobre todo materiales, que tuvo que enfrentar el equipo de realización encabezado por Daranas, su director. A pesar de tener el total apoyo del Ministerio de Cultura, hacer esa película con un presupuesto risible solo fue posible porque había un talento y un deseo de hacerla que rayaba en la terquedad. Yo mismo aporté absolutamente todo el vestuario de mi personaje, y así cada quien puso su granito de arena porque confiamos en el proyecto.

El hecho de que no se hubiese grabado en el soporte idóneo complicó el proceso de postproducción para que la imagen alcanzara el nivel que logró. Ya en el proceso de montaje hubo un material que no se pudo usar por razones técnicas, y Daranas tuvo que hacer filigranas con la dramaturgia para que la historia cobrara sentido. Hubo que sacrificar algunas historias argumentales que complicaban pero a la vez enriquecían el núcleo central.

Lo más triste es que la película, que obtuvo el Premio de la Prensa, el del Círculo de Periodistas y el Premio del Público en el Festival de Cine del 2008 y que ha despertado el interés y la admiración de tantas personas, haya visto limitada su distribución internacional por razones burocráticas. Nunca antes he recibido tantos elogios por mi trabajo y la película ha tenido récords de descargas en internet. Estoy muy orgulloso de haber sido parte de esa historia.

Acabas de rodar 'Verde, verde', en La Habana y bajo la dirección de Pineda Barnet. ¿De qué trata esta nueva película?

Trabajar con Enrique Pineda Barnet para mi es siempre un regalo y esta película ha sido un privilegio. Es quizás su película más dura, potente y personal de todas. Es una historia que va contra la homofobia, pero yo diría que más que eso, apela al ser humano y sus valores más esenciales como son la honestidad y el respeto a lo diferente.

Creo que va a ser muy polémica, que va a despertar sensaciones encontradas; pero en cualquier caso, una película necesaria. Fue un trabajo que requirió un máximo de concentración y de atmósfera inusual. El rodaje fue intenso. Los actores terminamos agotados en todos los sentidos. Ahora solo espero verla terminada y que el público opine.

¿Qué ideas tienes en mente para terminar este año, tanto en Madrid como en La Habana?

No soy muy supersticioso, pero no debo hablar de lo que no está realizándose aún, sobre todo para no crear expectativas. No son buenos tiempos, pero proyectos hay. Se supone que este año estrene en Madrid en teatro Las confesiones del pene. Una obra divertida, sin apenas escenografía, y donde los tres actores tendremos la oportunidad de hacer varios personajes, y el público a pasárselo bien. Se supone que luego haga una película que estoy esperando con un ansia tremenda, pues el guión es una delicia. Se supone que hay otra película en camino... En fin, como todo queda en el campo de lo que "se supone", cruzo los dedos para que al menos alguno de los proyectos salga adelante. Si salen todos, podré considerarme inevitablemente un hombre afortunado.

Un abrazo a todos los cubanos, estén donde estén.

Fuente Diario de Cuba

Isabel Moreno, en la piel de Bernarda Alba

2011-10-31T14:27:00.000-07:00

Isabel Moreno en 'The House of Bernarda Alba' en el Adrienne Arsht Center.
Cortesía Adrienne Arsht Center / Adrienne Arsht Center

Por Arturo Arias-Polo

El personaje de Bernarda Alba resulta difícil para cualquier actriz. Pero en el caso de Isabel Moreno, una veterana de las tablas y conocedora del mundo de Federico García Lorca, la experiencia le resulta fascinante.
Moreno encabeza el elenco de The House of Bernarda Alba, la primera coproducción entre el Adrienne Arsht Center for the Performing Arts y el Departamento de Teatro de la Universidad de Miami que bajo la dirección de Henry Fonte se presentará desde hoy hasta el domingo en el Carnival Studio Theater del centro cultural de Biscayne Blvd.

“El reto es igual si hubiera hecho la obra en español”, aclaró Moreno. “Bernarda es el símbolo del fanatismo y la intransigencia. Y para hacerla creíble hay que ‘defenderla’ como a cualquier ser humano con tal de no caricaturizarla”.

La actriz cubana conoce al dedillo el teatro lorquiano. Cuando vivía en La Habana encarnó a La Novia de Bodas de sangre en más de 300 funciones y la Adela de La casa de Bernarda Alba en varias temporadas durante su etapa en el grupo Teatro Estudio.
Pero en esta ocasión es diferente. Ahora Moreno participa en un proyecto que le permite dar a conocer un clásico del teatro español al público angloparlante. Hecho que contribuye a que la historia de la madre tiránica y sus hijas en un pueblo andaluz trascienda a otra cultura.

“Mientras más la ensayamos me doy cuenta de que la doble moral, el temor al qué dirán y el deseo de salvaguardar las apariencias mantienen vigente la obra”, subrayó Moreno, al tiempo que celebró la cuidadosa traducción al inglés de Nilo Cruz y Karin Coonrod, que respetó la musicalidad del texto lorquiano.
Al referirse a “sus hijas” la actriz señaló el comportamiento profesional del grupo de estudiantes de actuación de la Universidad de Miami encabezado por Connie Pantazis (Adela), Rachel Lipman (Martirio), Amandina Altomare (Angustias); Megan Kinney (Magdelena) y Annette Hammond
(Amelia).
De igual manera elogió el trabajo de las actrices Elena María García (La Poncia), Edna Schwab (María Josefa) y Valerie Roche (La Sirvienta) y de K. April Soroko, la escenógrafa y diseñadora de vestuario.
Scott Shiller es el productor ejecutivo del proyecto.
Moreno salió de Cuba rumbo a Venezuela en 1992. Diez años después se estableció en Miami, donde participó en las telenovelas Anita, no te rajes y Tierra de pasiones, entre otros títulos. Su trabajo en las tablas incluye temporadas en el Teatro Repertorio Español de Nueva York, con la comedia O.K., de Isaac Chocrón, y en el Actors Play House de Coral Gables, donde coprotagonizó The Color of Desire, de Nilo Cruz. •
‘The House of Bernarda Alba’ en el Carnival Studio Theater del Adrienne Arsht Center for the Performing Arts. Hoy a las 8 p.m., mañana a las 2 y 8 p.m. y el domingo 2 y 7 p.m. Informes: (305) 949-6722 y www.arshtcenter.org. (En inglés).

Fuente: El Nuevo Herald

Pineda Barnet, más allá de un musical

2011-10-27T14:58:00.000-07:00

28 de octubre de 2011, cumpleaños de Enrique Pineda Barnet // Foto Alain Lázaro Gutiérrez
Homenaje del Cine Cubano. Página Cubacine ICAIC 2011

El nombre Enrique Pineda Barnet se identifica al instante con el director de uno de los filmes preferidos por el público cubano. Y no podría ser de otro modo.

La Bella del Alhambra ha sido reconocida, además, por la crítica dentro y fuera de la isla. Este laureado filme está considerado entre los mejores largometrajes de ficción producidos por el ICAIC y el musical más logrado del cine cubano. Muy celebrados resultan la dirección de arte, el guión, las actuaciones, la dirección de fotografía y la música de su primer largometraje. No obstante, su tributo al arte y la cultura cubana va mucho más allá.

En el ámbito cinematográfico, durante los años sesenta dirigió la Enciclopedia Popular para el ICAIC y desde aquellos años resulta destacable su labor como guionista así como su incursión en el videoarte o su desarrollo como documentalista.

Aún así, la vida de Enrique Pineda Barnet -Premio Nacional de Cine 2006- trasciende los límites de esta manifestación artística y el cineasta se nos revela asimismo como pedagogo, dramaturgo, maestro voluntario, apasionado por la investigación histórica o publicista.

Enrique Pineda Barnet: “todavía espero la sorpresa”

Por Pedro Quiroga Jiménez

(Fragmentos)

(…)

Motivaciones al margen, el realizador de La bella del Alhambra -Premio Goya 1990 y nominada al Oscar en 1991- es un hombre extrovertido, dueño de una comicidad envidiable que imprime a su mordaz y elocuente verbo.

¿Qué enseñanzas y qué huellas le ha dejado el cine?

Enseñanzas miles, huellas también. Hay una etapa de mi vida muy marcada, cuando ejercí el magisterio en la Sierra Maestra, en la montaña. Lo había ejercido desde antes, pero lo desarrollé allí. Un documental de mi coterráneo José Massip, titulado El maestro del cilantro, recoge escenas de mi vida en la Sierra, con los niños que fueron mis alumnos, desde los que tenían cuatro años hasta los adultos.

De esos niños de entonces hay unos cuantos que, por determinadas vueltas del destino, viven ahora en la ciudad. Hay, por ejemplo, una maestra de profesión, cuyo hijo es actualmente el abogado que trabaja conmigo. Ese es un regalo de la vida. Esos niños de ayer son mis padrinos en la actualidad. Es un tesoro incalculable.

La vida te regala y te premia constantemente. No he sentido su castigo, a lo mejor es que me he portado bien. Nunca he experimentado ni odios ni rencores. Todavía espero la sorpresa.

Usted es un creador multifacético y se ha destacado también en la actuación teatral.

El teatro fue el origen y la inspiración. Siempre pensé que iba a ser un artista: un cantante, un bailarín, un actor, y terminé siendo director de cine. Me hice escritor y soñé que lo sería toda la vida, me gané un Premio Nacional de Literatura pero la vida me llevó al cine, fue la casualidad y no la causalidad.

Cuando tomé la decisión romántica de marchar como maestro de campesinos a la Sierra Maestra, no me había dado cuenta de que en mí existía esa vocación tan fuerte y la vida me jugó una treta difícil. Me designaron como administrador-interventor de ingenios, algo que no tenía nada que ver conmigo, no me gustaba. Por ese motivo, me trasladaron al cuerpo diplomático, que tampoco me gustaba, ni escogí. Por escapar de todo eso me fui adonde primero encontré sitio: pedí asilo en el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos.

Alfredo Guevara, Julio García Espinosa y Héctor García Mesa me acogieron y me convertí en cineasta por casualidad.

¿Cómo interpretó el Premio Nacional de Cine?

Primero, como una paradoja, pues me parecía muy extraño que uno recibiera un premio de esa categoría tras 18 años sin poder hacer un largometraje en mi país. Significó y significa, no obstante, una idea de resurrección. Es muy curioso: resurrección ha sido la de mi primera película, Giselle(1963), devenida ahora un clásico.

Resurrección también es la de otro de mis títulos, Soy Cuba (1963), cuyo guión me provocó quebraderos de cabeza por todo lo que significa escribir para personas de otra cultura y una visión diferente de la vida. Fue un fracaso en el momento de su estreno, tanto aquí como en la otrora Unión Soviética. Al cabo de casi 50 años se ha convertido en un boom; es otra paradoja, otra resurrección.

Una resurrección es asimismo la del filme Mella, que había pasado sin penas ni glorias en 1975 y que en 2006 se difundió como si fuera una obra nueva. Lo mismo sucedió con David, en 1967. Este año me llamaron del Museo de Arte Moderno Reina Sofía, de Madrid, para decirme que mi corto Cosmorama (1964) estaba calificado como precursor de lo que actualmente se llama videoarte. Hay muchas resurrecciones, mayores y menores, pero me digo: ya tengo edad para morirme, ¿será que el Premio Nacional de Cine es el colofón de mi vida?

Arturo Infante, joven y talentoso realizador, hizo un corto y me llamó para que encarnara un pequeño personaje. Le dije: “lo hago siempre y cuando me permitas añadirle algo al anciano que interpreto, que tiene el pecho lleno de medallas y condecoraciones. Quiero quitarme las medallas frente a la cámara y echarlas en una gorra”.

He aprendido mucha analogía, me gusta jugar con la semiótica y las múltiples interpretaciones, y he tratado de impregnar ahora mi vida, lo mismo que a mi obra, la analogía y la paradoja.

La vida también lo llevó a ser jurado en el recién concluido Festival del Nuevo Cine Latinoamericano.

Es paradójico que al cabo de 18 años estuviera en el jurado de ficción, cuando no recibí el Coral por La Bella del Alhambra, en su momento. Lo que me divierte es la paradoja y la resurrección.

Tuve una enorme preocupación por ser justo, exacto, preciso. Ser justo es muy difícil; no es justo que uno diga que ha sido justo, porque no sé si lo he sido. No me gusta tomar decisiones a ciegas, no me gusta la fe ciega, ni la justicia ciega. Creo que hay que hacerlo de manera consciente y con todos los elementos posibles. Es una tarea difícil, nada cómoda.

Como bien ha dicho, se le considera precursor del videoarte…

Tres obras mías: Cosmorama, Juventud, rebeldía y revolución, y El ñame siguen durmiendo el sueño de los justos en los archivos del Instituto Cubano del Arte e Industria cinematográficos (ICAIC).

Con la primera traté de hacer un juego estético y poético, sin grandes pretensiones. Comenzó siendo una prueba de color de un nuevo celuloide que le mostraron al ICAIC, para una posible compra. Me dieron mil pies de película, fue un regalo para que yo hiciera lo que me viniera en ganas.

Me fui a casa del pintor Sandú Darié y empecé a fotografiar con Jorge Haydú -húngaro residente en la isla-. Así surgió Cosmorama.

Su presencia fue notable en el Festival de La Habana. Entre otras cosas, se exhibió el documental Una canción para Rachel.

Es un documental de Carlos Barba, un joven valor, muy interesante. Se trata de un homenaje a La bella del Alhambra con un making off de la película, un precioso trabajo en que logró entrevistar a varias personas. Empezó conmigo, con Verónica Lynn y el director de fotografía, Raúl Rodríguez. Pero se fue a buscar a Beatriz Valdés, a Caracas; a Isabel Moreno y a Jorge (Tuti) Abello, a Miami; a Gonzalo Romeo, a México; buscó momentos de la filmación, usó el trailler de la película, fragmentos de las canciones, escenas, en fin…

Me parece un documental muy emocionante, bello e inteligente.

¿Ha pensado que hará en los próximos cinco años?
Tengo pensadas varias películas, en este orden: Verde, verde; Nora@dirección equivocada; El beso que no te di; y Bolero rosa. También pienso terminar mi novela, que vengo armando hace años, es medio autobiográfica y se llama Se anda buscando a un hombre llamado Máximo. Si lo ve, pídale, por favor, no desaparecer. Ese es el titulito. Quien la lea tendrá que tener mucha paciencia y tenacidad, porque será muy larga.

Tomado de: Prensa Latina

La Anunciación: otro puente de Enrique Pineda Barnet

Por Mayra Cue Sierra

(Fragmentos)

(…)

Una de ellas fue, el viernes 27 de marzo del 2009 (…), la premier de La Anunciación, filme con el guión y dirección general del cineasta, literato, dramaturgo, guionista y director cinematográfico Enrique Pineda Barnet, orfebre talentoso y paciente de esa joya cinematográfica iberoamericana que es La bella del Alhambra, estrenada en 19891 y que resultó por obra y gracia del talento, la creatividad artística y la conjugación profesional, de excelencia en diversas artes, un hito ineludible del cine cubano y de la memoria colectiva del universo hispanoparlante.

En veinte años sin estrenar largometrajes en Cuba, Pineda Barnet renovó en tregua fecunda su vocación magisterial y creativa en disímiles empeños entre los que se destacan el proyecto ‘Arca, nariz y alambre’2, donde se nuclean muchos de sus exalumnos de la habanera Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños (EICTV). Es ese grupo quien deviene, junto al ICAIC, coproductor de La anunciación.

Esta premier fue una fiesta de la cultura y el amor (…). Aquí por no faltar, se recordó hasta a la mujer que inspiró a Pineda el personaje central de la historia, la abuela -interpretada en una clase magistral actoral por Verónica Lynn, Premio Nacional de Teatro 2003- lo que no impidió en flujo contrario, que los nietos de esa mujer de carne y hueso que ya pertenece a la posteridad, agradecieran y tributaran con flores al cineasta y a las protagonistas y que las ovaciones de los presentes fueran recurrentes en el salón, aún antes de ver el filme.

La anunciación según el Larrouse: “es acción y efecto de anunciar y fiesta con la que la Iglesia católica celebra la visita del arcángel Gabriel a la virgen María para anunciarle que será madre de Jesús” y esas dos acepciones se alternan como simbólicos anuncios y nacimiento latentes en el subtexto de todo el filme.

En el sentido estético, esta obra con madurez artística-creativa ya revelada por Pineda anteriormente, alcanza vuelos notables: impacta y sorprende plano tras plano por la excelente conjugación de las cámaras, la concepción fotográfica, la música, el resto de la banda sonora y los efectos especiales, en tanto que la interrelación de textos, discursos, códigos, semánticas y mensajes –sugeridos o expresos- provocan una ruptura marcada con la lentitud narrativa intencional que se acerca a la puesta teatral -pero que resulta imprescindible para aprehender el mundo interior de los personajes, sus sentimientos, emociones y anhelos en escenarios tan diversos y que, sin embargo, coinciden humanamente en la frustración de sus sueños-.

El filme evidencia también apego del cineasta a sus raíces a través del homenaje renovado y polifacéticas perspectivas nada convencionales (…) Sus recursos y códigos audiovisuales huyen de una estética anquilosada. Impone la juventud creativa de un Pineda Barnet que utiliza hábilmente las esencias históricas en función dramatúrgica; pero lo hace una vez más como un reto, como una provocación expresada en los infinitos contrapunteos dicotómicos de este hipertexto valiente, honesto que muestra a este creador como un juvenil artífice del audiovisual que no teme hacerse presente -en cuerpo, voz, ideas, vivo o difunto- en la trama de la ficción donde se sumerge a sí mismo, de diversas maneras, en especial en medio de una polisémica intertextualidad.

La anunciación es ante todo una obra de ideas que refleja desde diversas perspectivas, el complejo y maltratado fenómeno de la emigración producida en Cuba desde 1959 –aunque ya existía desde los siglos XIX y XX- pero esta vez sujeta a dramáticas situaciones límites y a incomunicaciones insólitas derivadas del prolongado diferendo entre Cuba y EE.UU. y del bloqueo imperial a nuestro archipiélago. Se muestran y se diseccionan dos miradas del mismo a partir de una célula familiar. El tema no es nuevo pero sí resulta altamente impactante porque revela dentro del tema amor/humanidad -nada beatífico por cierto- una realidad compleja en la que los personajes cometen aciertos y desaciertos. Se mueven en medio del trinomio pasado/presente/futuro, se aprecia el legado ejemplar del padre honrado recién fallecido, un hijo mayor carente de amor -hermético pero sensible-, a una abuela que por “amor” pretende separar al nieto de su padre a cualquier precio, incluso con la mentira irrespetuosa sobre el testamento del difunto y a un sinnúmero de ejemplos, incluida la soledad afectiva de la hermana “triunfadora” en el “más allá”.

Los códigos y peculiaridades del filme luchan por revelar el amor y el sentimiento en cada uno de estos símbolos de generaciones divididas por su lugar de residencia y en pasos minoritarios por otros ideales, pero unidas en la tradición, la memoria colectiva, las costumbres, las prácticas culturales, los escenarios cotidianos, los lazos de sangre, los sitios comunes de la niñez/juventud y el amor, demostrando que triunfa lo que nos une y no lo que nos aleja y que la necesidad del amor en los buenos y malos momentos de nuestras vidas implican el respeto mutuo de los criterios pese a las divergencias cuando no están en juego los principios. Entre otras dicotomías explicitas o sugeridas se evidencian los flujos humanos en ambos sentidos, rebasando al vecino norteño.

(…)

La esperanza por la sinceridad emocional lograda en los hermanos mayores parece truncarse con el nuevo intento de desarraigo que en otro momento histórico genera la abuela intentando repetir el ciclo del dolor, pero renace cuando el niño Cristóbal se rebela contra un montaje manipulador que lo aparta de lo que quiere y con la llegada de una joven –pudiera ser su madre- que sugiere al retorno al hijo abandonado en flujo contrario.

La anunciación no solo posee una concepción formal artística que merece estudiarse y una historia dramatúrgicamente coherente pese a su pluralidad de lecturas, niveles y dimensiones de análisis. Sobre todas las cosas es un mensaje de amor, de tolerancia y de respeto a los sentimientos y a las esencias del ser humano.

Si La Bella del Alambra devino puente a la memoria histórico cultural del teatro cubano y de una época, La anunciación tiende un puente a la memoria afectiva de la familia, a la cubanía y a la humanidad. El parlamento final del abuelo habla por sí solo: “Ámense unos a otros por encima de las diferencias, porque ese es nuestro único refugio”.

(…)

Notas:
1.- El primer film cubano que recibió el premio Goya otorgado por la cinematografía española.
2.- Proyecto Arca, Nariz y Alambre. Núcleo creativo de cortos y largometrajes cinematográficos, liderado por Pineda Barnet, que cuenta con un notable reservorio de proyectos.

Tomado de: Portal Cubarte, 5 de abril de 2009

Giselle en la historia del ballet y el cine en Cuba

Por José Manuel Valdés-Rodríguez

En ‘Tablas y Pantalla’, El Mundo, 12 de julio de 1964

La noche en que Alicia sustituyó a Alicia Markova, súbitamente, en la interpretación de Giselle, en la función del Ballet Theater, de New York, Cuba comenzó a formar parte del mundo del ballet. Ahora, cerca de veinte años después, el film cubano Giselle, centrado en Alicia Alonso, viene a marcar un momento importante en el desarrollo de la cinematografía de arte entre nosotros.

Sabemos que antes de aquella primera presencia de Alicia Alonso en la interpretación de un personaje que parece hecho a su medida, como bailarina y como actriz dramática, artistas cubanos, incluida la propia Alicia, habían actuado en el mundo del ballet. Alberto y Fernando Alonso ya habían trabajado con éxito en el Ballet Russe de Montecarlo y Alicia era ballerine distinguida en el Ballet Theater. Pero ni el público ni la crítica habían tenido ocasión de calibrarla como pudieron hacerlo en la noche memorable en que reemplazó a la Markova, en un personaje del cual ésta hacía una creación y en el que vino ella a fijar una nueva marca, por la maestría técnica, por la alada levedad, por el romántico acento dramático, que ha quedado en la historia de ese arte. El film cubano Giselle, dirigido por Enrique Pineda Barnet, con Alicia Alonso y el Ballet Nacional de Cuba, constituye un nuevo momento significante en la historia del ballet y Alicia Alonso y representa un tanto granadísimo en el desarrollo de la cinematografía entre nosotros.

El film Giselle está a la altura de las buenas películas del género y se lo ha de tomar como justa expresión filmográfica del ballet del cual es versión. La atmósfera lírica y romántica, con un poético acento fantasmagórico en la segunda jornada, es el merecimiento primero que se le ha de anotar a la obra de Pineda Barnet y sus colaboradores técnicos.

Enseguida se ha de reconocer el tino con que se apresa la expresión danzaría en sí misma, individual y colectivamente, en el orden plástico y en el dinámico, hasta entregarnos la acción coreográfica en toda la belleza de cada uno de los momentos de su desarrollo. Esto último tiene particular significación en el caso de Alicia Alonso, pues representa un documento fidelísimo de la técnica danzaría en sí y del acabado ensamble de cada uno de los factores expresivos desde la acción de los brazos y los hombros y el movimiento de las manos al juego de la fisonomía.

De esto último hay un ejemplo eminente en el gran close-up, rapidísimo, casi fulminante, del vibrátil perfil de Alicia insertado en un momento del pasaje d ela danza con Albretch en el bosque. A ese orden de excelencias de la fotografía y el montaje pertenece todo el pasaje de la danza de las willis encabezado por Alicia y por la Reina, Mirta Plá, encarecible bailarina. Es esa ocasión, asimismo, de valorar la calidad estimabilísima de Azary Plitzetski, bailarín con genuina fibra lírica y ponderable dominio técnico. Y se ha de sumar la armonía, estimabilísima también, del cuerpo de baile y de Josefina Méndez y su compañera, resaltante por virtud de la muy encomiable aptitud danzaria de ambas, apresada en la fotografía pulquérrima, con riqueza de ángulos y distancias de toma y concertada en el ritmo justo. El cuerpo de baile nos da un ejemplo de unidad, de euritmia, de romántico dejo, de empinado lirismo, de ensoñada prestancia.

El film Giselle viene a decirnos de una parte hasta dónde el Ballet Nacional es un organismo danzario de calidad, por la eminencia de Alicia Alonso, hoy en el ápice, y por la aptitud de las otras primeras figuras y la capacidad del conjunto. De la otra, expone esa cinta la eficacia de la cinematografía cubana en el film de arte, al expresar en términos específicos acabadísimos una manifestación estética con características plásticas y dinámicas complejas.

Por eso afirmamos que Giselle tiene peculiar significado en la historia del ballet y del cine en Cuba.

Tomado de: Ojeada al Cine Cubano. José Manuel Valdés-Rodríguez (2010) Noa Romero, Pedro R. (comp), Ediciones ICAIC, La Habana.

GISELLE (1964), de Enrique Pineda Barnet

En “Giselle entra en el cine”, revista Cine Cubano, No. 24-31.

“La película trata de fijar para el futuro la creación de Alicia Alonso y de su grupo en Giselle. Entiendo que para esto había tres posibilidades. La primera sería registrar simplemente todo lo que sucede en el escenario, manteniendo el punto de vista de un espectador ideal, situado en el mejor sitio de la sala. La segunda sería llevar a cabo una labor de interpretación, es decir: deformar el ballet, convertirlo en un hecho artístico nuevo. Y la tercera, que es la que hemos adoptado, la de tomar la puesta en escena de Giselle y buscar en ella una coherencia con el cine. Será una película sobre la puesta en escena del ballet, permitiéndose la creación dentro del tiempo y el espacio del ballet mismo. En la imagen buscaremos expresar el espíritu y la atmósfera poética, la idealización de la realidad, llevando a primer plano un romanticismo moderno, tratando de convertir el detalle sentimentaloide en gracilidad y frescura de una época”. (Enrique Pineda Barnet)

“Nosotros creemos que esta experiencia es importante porque nos permite crear el movimiento de la danza, ante los ojos del público, de otra manera que como se ve en el escenario. Esto nos ha planteado nuevos problemas. Vimos, por ejemplo, que teníamos que dar otro tiempo a los movimientos, porque al aparecer en la pantalla se veían exagerados. Hubo que atenuar mucho los gestos, porque la cámara es más analítica que la mirada del espectador que está en el patio de butacas. Afortunadamente, Pineda Barnet es muy talentoso, muy serio en su trabajo, y ha sabido resolver estas dificultades”. (Fernando Alonso)

“Tengo predilección por este ballet, pues representa un reto para todo ballerina. Hay que bailarlo con una técnica perfecta y difícil y al mismo tiempo sentir el drama. Es un ballet que ha llenado varia partes de mi vida. La primera vez que lo bailé fue cuando yo estaba en el American Ballet Theatre. La primera ballerina se había enfermado y hube de suplirla. Me vi obligada a bailar Giselle con sólo una semana de ensayo”.

“(…) es una experiencia nueva y emocionante, porque me ha hecho descubrir muchas cosas, más que sobre el cine, sobre el ballet mismo. Hemos tenido que volver a estudiar la obra, que profundizar en su tema, en sus personajes, en la forma. Y luego, la filmación es dura y laboriosa. Uno de los principales inconvenientes, que hemos tenido que superar a base de concentración, ha sido el carácter fragmentario del registro de la escena. En una función hay un desarrollo continuo, que permite el natural proceso de expresión de las pasiones. Aquí las interrupciones constantes lo sacan a uno del drama, y para la siguiente toma hay que volver a crearse el estado de ánimo que exigen la situación y el personaje. Pero vale la pena pasar estas dificultades, porque así quedará algo que alcanzará a muchos públicos, aún los más humildes, y que quedará para los bailarines y los artitas que vengan después de nosotros. El cine se presta mucho al ballet, porque los dos son artes de movimiento”. (Alicia Alonso)

Tomado de: Blog CINE CUBANO, la pupila insomne

Cosmorama: la arquitectura de una obra maestra

Cosmorama es considerado hoy el precursor del movimiento del videoarte contemporáneo y de vanguardia, aunque en su época no fue más que un ejercicio para Enrique Pineda Barnet
Por Eliecer Jiménez Almeida

El ambiente no tenía nada que ver con el videoarte; estábamos debajo de una mata de mango, hablando de un experimento visual y sonoro, de figuras en movimiento. La conversación saltaba de tema en tema y yo me adentraba poco a poco en el Cosmorama de Enrique Pineda Barnet. Él tomaba agua de coco, mientras perdía la mirada en la sabana, para buscar en su memoria el día que le tocó la puerta al pintor cubano-rumano Sandú Darié.

“Alfredo Guevara me llamó para decirme que tenía mil pies de película Orwo. Esa compañía había enviado unas muestras para que el ICAIC se entusiasmara y comprara. Alfredo me regaló la muestra para que filmara donde quisiera: en un atardecer, en el campo, en la playa..., donde quisiera”.

“¡Tenía mil pies de película! En aquel momento, para cualquiera, aquello era un tesoro. Llamé a Jorge Haydú, un camarógrafo de origen húngaro que vivía acá en Cuba; era un hombre experimentado, precursor del cine cubano, que había participado en El Mégano. Le dije que tenía aquella joya para experimentar”.

“También se me ocurrió ir por Sandú Darié, otro loco con muchas ideas, quien nos invitó a su casa. Enseguida nos abrió los brazos y nos enseñó todo lo que tenía de arte cinético: figuras abstractas pegadas a ventiladores, a platos de tocadiscos, a cualquier cosa que se moviera, y filmamos distintos fragmentos de todo aquello”.

Así comenzó a nacer Cosmorama, considerado hoy precursor del movimiento del videoarte contemporáneo y de vanguardia, aunque en su época no fue más que un ejercicio para Enrique Pineda Barnet.

¿Qué pasó después?

“Proyecté todo lo filmado. Tenía que armarlo de alguna manera. Decidí hacer un poema abstracto; lo escribí y junto con las imágenes se lo llevé a Roberto Bravo, un joven editor que trabajaba en el ICAIC. Le dije: Mira, Roberto, tengo estas imágenes y tengo este poema. Este poema es la estructura que yo quiero tener para estas imágenes”.

“Busqué música de Henry Scheafer y Bela Bartok, que acaban de hacer un experimento de música concreta y, para darle cubanía, Carlos Fariñas me escribió unas notas a su estilo. Sin descansar, me puse de acuerdo con Germinal Hernández –sonidista- y empezamos a buscar un archivo sonoro muy intenso: sonidos del río Sena, de calles de París, Roma; de distintos lugares del mundo, hasta terminar en La Habana. Le recalqué, sobre todo, que quería que predominara una atmósfera acuática porque veía que aquellas imágenes tenían que ver con mar, con puerto, y el poema estaba escrito a voces”.

“Y le pedí a Roberto Bravo hacer 14 bandas sonoras y él me respondió: Esto es una locura, porque 14 pistas sonoras nadie las va a oír. Sabía que era arriesgado y un poco loco, pero yo quería 14 pistas, incluyendo la música. A final quedó Cosmorama. Creo que gastamos unos 700 u 800 pies de película; no podíamos para más. Un trabajo de cinco minutos y así salió Cosmorama”.

¿Qué sucedió con el corto?

“Como fenómeno experimental, hicimos una copia y se la regalamos a Norman McLaren, el cineasta canadiense que era una figura de todo este cine de experimentación de la imagen. Él nos mandó una carta felicitándonos, decía que el material era muy hermoso. Pudimos lograr que se exhibiera en la Cinemateca, en El Capri y en La Rampa. Algunos cronistas escribieron acerca del suceso -más bien cronistas de arte que de cine-; y el ICAIC la guardó. Se guardó y desapareció, no se exhibió en ninguna parte. Estoy hablándote del año 1963”.

“Pasó el tiempo y las águilas que vuelan en una dirección y en otra, como decía Martí, hicieron que de repente recibiera una llamada de Madrid, del Museo Reina Sofía. Me preguntaron: ¿Usted es Enrique Pineda Barnet? ¿Usted hizo un corto de arte en 1963, llamado Cosmorama? Les respondí que sí, pero que no lo había visto más y no tenía ni idea de en qué condiciones estaba”.

“Ellos le hicieron la solicitud a la presidencia del ICAIC. Omar González autorizó al vicepresidente Pablo Pacheco, que manejaba entonces Patrimonio Cultural, y Pacheco dio la orden inmediatamente al archivo de que buscaran este material. Pedro Beltrán, uno de los trabajadores fundadores del archivo, me dijo: “Yo sé dónde está Cosmorama. Fue al archivo y buscó en una lata de película oxidada, y vino con la lata sin identificar, con una etiqueta rota. La abrió y dentro había un paquete de espaguetis, en cuyo interior estaba el máster de Cosmorama”.

“Mandaron el máster a España y Osbel Suárez, el curador del Museo limpió el material. No hubo que hacerle restauración, estaba intacto dentro del paquete de espaguetis. Lo exhibieron allá”.

“Los especialistas de arte determinaron que era un trabajo precursor del videoarte contemporáneo y le hicieron un stand dentro de la colección de cinéticos. Ahí está el corto Cosmorama, sobre el paquete de espaguetis, y se exhibe con carácter permanente”.

Entonces, es bueno el nylon de espaguetis...

“Uno nunca sabe para cuándo y para quién trabaja. La vida es así. Ahora la gente admira a Cosmorama, lo ven como vanguardia; él estuvo mil años escondido, silenciado, nadie se acordó de él. Son paradojas de la vida ¡Es bueno guardar películas en paquetes de espaguetis!”

Tomado de: Juventud Rebelde, 1 de diciembre de 2009

La Bella del Alhambra (1989), de Enrique Pineda Barnet

Por Juan Antonio García Borrero

(Fragmentos)

(…)

A propósito de ésta última, y aprovechando el festejo que organizaban en Cuba por sus veinte años de estrenada, escribí en el blog Cine cubano, la pupila insomne que hay películas que, como los buenos perfumes, disimulan sus historias secretas. Son abismos emotivos donde uno se sumerge a gusto y protege de la cotidiana devastación del tiempo. Esas películas se recuerdan no solo por lo que cuentan, sino por lo que inspira en nosotros su sola evocación. El placer de evocarlas se convierte en un raro estremecimiento al que nos gusta recurrir con demasiada frecuencia. La Bella del Alhambra tiene para mí esa impronta.

(…)

Creo que con La bella del Alhambra se alcanza en el cine cubano, por fin, conciencia de que no era con la descalificación gratuita del pasado que se podía conseguir exactamente ‘modernidad fílmica’. Y que Pineda Barnet defienda esa tesis en un año en que se le exigía al cine del ICAIC militancia crítica desde el presente que se vivía, era toda una audacia. Pues, ¿qué podían esperar de una cinta que se remite al defenestrado pasado republicano los que clamaban por la representación incómoda de lo que estaba aconteciendo entonces?

La bella del Alhambra se inspira en la conocida novela Canción de Rachel, de Miguel Barnet -la cual también ha conocido una versión italiana que lleva por título La rumbera-, pero su puesta en escena es rotundamente cinematográfica, no obstante el apabullante referente teatral que sustenta todo su drama.

(…)

La película de Pineda Barnet fue el puente que mejor logró franquear aquel descomunal muro invisible que se había edificado subrepticiamente entre el presente revolucionario y el pasado republicano. No es que con anterioridad no se hubiera aludido al espacio donde acontecen las peripecias de los protagonistas, pues allí están los testimonios registrados por Manuel Octavio Gómez en sus cálidos Cuentos del Alhambra (1963) (…), pero era la primera vez en que ese viaje al pasado prescindía del paternalismo que mira por encima del hombro esa etapa superada, y se mostraba a los personajes con sus alegrías y angustias, sus éxitos y sus fracasos, sus virtudes y sus miserias.

La historia de Rachel, corista que en La Habana de la década de los años veinte del siglo pasado pretende triunfar como vedette en el teatro Alhambra, podría recordar también a la de Fe -Rita Montaner-, la ingenua campesina que en El romance del palmar (1938), de Ramón Peón, emprendiera el viaje a la capital dispuesta a imponerse.

(…)

Pineda Barnet no se arredró ante el qué dirán los que aún viven del afán vanguardista, y en los mismos minutos introductorios del filme puso en labios de la protagonista un bocadillo que, a modo de cartas sobre la mesa, establecería de modo explícito las reglas del juego melodramático en que se iba a participar: “Yo no soy dramática”, escuchamos que dice en off la protagonista en esos minutos en que se inicia todo, y añade, “esas palabras no me las aplico nunca. Yo soy una melancólica triste. Cuando vine a ver estaba inoculada por el virus fatal del artista”.

Pero La bella del Alhambra es mucho más que una película sobre el artista, mirado como un ente que dentro de la sociedad goza de un relativo prestigio, o padece de una reputación romántica y/o fatal. Como personaje, Rachel desborda ese estereotipo que hasta ese momento se había mostrado en las pantallas cubanas. La verdad es que Beatriz Valdés le inyecta un humanismo inusual, y seguimos con interés su historia porque su periplo existencial en el fondo nos está revelando esas constantes que acosan al individuo en todas las épocas, en todas las latitudes. La historia de Rachel es demasiado familiar: es la historia de todos, luchando agónicamente en ese Teatro incesante, saturado de luces, sombras, laureles, fracasos, música y silencios recurrentes, que es el mundo.

Tomado de: Blog CINE CUBANO, la pupila insomne

Enrique Pineda Barnet recibe premio maestro de juventudes que otorga la AHS

“Este es el premio que más alegría me da, porque representa mi esencia de maestro, mi vocación auténtica y profunda”

Por: Ailyn Martín Pastrana

El destacado director de cine cubano Enrique Pineda Barnet recibió este martes 18 el premio Maestro de Juventudes, máximo reconocimiento que otorga la Asociación Hermanos Saíz (AHS).

En presencia del Ministro de Cultura, Abel Prieto; el Presidente de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, Miguel Barnet; el Presidente de la AHS, Luis Morlote; y destacadas figuras del arte cubano, el cineasta expresó: “este es el premio que más alegría me da, porque representa mi esencia de maestro, mi vocación autentica y profunda”.

A Enrique Pineda Barnet se le honra por haber reflejado en sus obras la identidad e idiosincrasia nacionales. Dentro de su filmografía destacan La bella de la Alhambra (1989), considerado el mejor filme musical hecho hasta el momento en nuestro país, y otros como Giselle (1963) y Mella (1975). En una entrevista anterior, a propósito de este premio, había confesado: “Luego de mi madre, de quien siento un gran orgullo, mi otra gran satisfacción es haber sido maestro”

Durante la premiación, que coincidió con el 25 aniversario de la AHS –organización a la que se dedica la presente Jornada por la Cultura Cubana-, fueron reconocidas destacadas personalidades del cine cubano como el reconocido director Julio García-Espinosa y el presidente del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos, Omar González, por su apoyo a la organización durante años.

En la sede nacional de la AHS, la joven vanguardia artística otorgó también el premio Maestro de Juventudes a la compositora Marta Valdés, la maestra Ramona de Saá, la escritora Nersys Felipe, la trovadora Sara González, el artista de la plástica Alfredo Sosabravo, el filósofo Fernando Martínez Heredia, todos con una obra paradigmática para los cubanos.

VERDE VERDE EN CINE CUBANO

2011-10-25T17:29:00.000-07:00

EN LA TARDE DE HOY, MARTES 25 DE OCTUBRE, EN EL CENTRO CINEMATOGRÁFICO "FRESA Y CHOCOLATE", SE PRODUJO, LA PRESENTACIÓN DEL NÚMERO 180 DE LA REVISTA CINE CUBANO, CON LA PORTADA DE ESLINDA NÚÑEZ, PREMIO NACIONAL DE CINE 2011.

EN LAS PÁGINAS 147 A LA 157, APARECE UN AMPLIO PANORAMA, POR LOS PERIODISTAS ELIZABETH MIRABAL Y CARLOS VELASCO , SOBRE LA PELICULA, de próximo estreno, "VERDE VERDE", COMO DETONANTE DE PRESENTACIÓN DEL FILM, .

ESTA PRESENTACIÓN CONTIENE: UNA ENTREVISTA A ENRIQUE PINEDA BARNET EXPONIENDO VERDES VERDADES, LA FICHA TÉCNICA -STAFF Y REPARTO-, LA SINOPSIS Y OTROS REFERENTES COMO ANTECEDENTES Y OTRAS CONSIDERACIONES.

( y algunas fotos de sus protagonistas)

de próximo estreno...

2011-10-20T19:45:00.000-07:00

Estamos en proceso de mezcla final de la película VERDE VERDE, guión y dirección de Enrique Pineda Barnet

Entregan a creadores el premio Maestros de Juventudes

2011-10-19T09:59:00.000-07:00

Por José Luis Estrada Betancourt

19 de Octubre del 2011 2:38:04 CDT

Ellos son Marta Valdés, Ramona de Saá, Sara González, Nersys Felipe, Alfredo Sosabravo, Enrique Pineda Barnet y Fernando Martínez Heredia

Este martes 18, día en que conmemoró su aniversario 25, la Asociación Hermanos Saíz (AHS) distinguió como Maestros de Juventudes a siete prestigiosos creadores cubanos, en ceremonia realizada en el Pabellón Cuba, sede nacional de dicha organización.
Junto al ensayista y pensador Fernando Martínez Heredia, quien en nombre de todos agradeció el gesto de la AHS, también recibieron tal honor Marta Valdés, calificada por la poeta y editora Isaily Pérez González, presidenta de la AHS en Villa Clara, como «leyenda viva de la canción cubana»; Ramona de Saá, Premio Nacional de Danza y también de Enseñanza Artística, «quien resume en estos lauros las pasiones cardinales de su vida»; Nersys Felipe, porque «con su obra, perenne exaltación de la cubanía, es capaz de elevar lo local a lo universal».
Muy pronto la máxima distinción que otorga la Asociación estará en manos de Sara González, quien «le ha puesto voz a la Revolución y cuerpo a la cubanía», como ya lo está en las de Alfredo Sosabravo, por ser «referente ineludible si ha de hablarse de arte cubano» y de Enrique Pineda Barnet, que no ha dejado de ser maestro ni un solo instante desde que se convirtió en el primer voluntario que tuvo nuestro país en 1959.
Teniendo como testigos a los delegados e invitados del VII Congreso del Sindicato Nacional de los Trabajadores de la Cultura que se inicia hoy; y a Abel Prieto, ministro de Cultura; Liudmila Álamo, primera secretaria del Comité Nacional de la UJC; Pablo Bacallao y Félix Ulloa, funcionarios del Comité Central; y a Luis Morlote, presidente nacional de la AHS, entre otros dirigentes, nuevos asociados recibieron el carné que los acredita como tal, en representación de los 400 jóvenes que ingresarán en la organización.
Ramona de Saá y Enrique Pineda Barnet. Foto: Marianela Dufflar

Fuente del texto: Diario Juventud Rebelde

Sobre "Cosmorama", de Enrique Pineda Barnet

2011-10-12T15:03:00.000-07:00

Por Manuel Zayas en su blog Cine Ojo

Cosmorama -poema cinético sobre cosmorama de Sandú Darié, 1963-64
Dir. Enrique Pineda Barnet
35 mm. B/N y Color, 4’37”
Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC)

Tomado del canal de You Tube: Carlos Barba

Cosmorama es un rara avis dentro de la cinematografía cubana, pequeña pieza fílmica que estuvo archivada durante años hasta ser recuperada por el Museo Reina Sofía de Madrid. Es el segundo ‘revival’ de una obra en la que participaba Enrique Pineda Barnet, su director. Antes había sido el turno de Soy Cuba, de Mijaíl Kalatasov, película que igualmente estuvo “guardada” hasta ser redescubierta por Coppola y Scorsese a mediados de los noventa. Pineda Barnet escribió junto al poeta ruso Evgueni Evtushenko el guión de ese mítico filme de propaganda cubano-soviético de los tiempos de la guerra fría.

En una entrevista que me concedió hace ya una década, Pineda Barnet decía:

"La experimentación, el riesgo, – yo diría mejor, la búsqueda -, están dados, no por un voluntarismo, sino como resultado de una necesidad, y son una constante en mi trabajo, que a veces he podido realizar libremente y otras no. El grado de esa libertad ha determinado las características formales y de contenido de la obra. Obsérvese que mis documentales más interesantes son los que están archivados y no se permitían exhibir (Juventud, rebeldía, revolución, Ñame, M-S, etc.). El resto de mis trabajos más estimados han sido independientes (First, Ecuación, La Brega, Upstairs, Breakfast, Cristóbal Colón, La Virgen de la Caridad, El Huracán) o de la primera etapa (Aire Frío, Fuenteovejuna, Cosmorama), o cuando trabajaba con Teodoro Christensen, un asesor que abría caminos… (Manuel Zayas: “La pasión según Enrique”, en Cine Cubano, no. 153, julio-septiembre de 2001)".

En un correo reciente, Pineda Barnet me relató la experiencia de trabajar con Sandú Darié (1908-1991), pintor cubano-rumano exponente del arte concreto en la isla:

"Cosmorama la filmamos con Jorge Haydú en la casa de Sandú Darié, sobre partes y piezas de sus cosmoramas -no son pinturas, son formas en movimiento, movidas mediante ventiladores, rotores de discos, etc., con las luces domésticas que había a mano. Estaba probando un rollo de película vírgen en 35 mm, color, de mil pies de una marca de filmes que habían enviado al ICAIC como prueba o demostración comercial. Me la regalaron para que hiciera lo que me viniera en ganas. Filmamos libremente, todo cuanto veía y me interesaba por sus formas y color. Para editarlo, hice un poema que me permitiera una coherencia. Edité con Roberto Bravo, seleccioné sonoridades múltiples: ciudades como Roma, París, Madrid, ríos, puertos de mar, fuentes, saltos de agua…

Con el sonidista Germinal Hernández, obtuvimos unas 24 pistas sonoras que, él y el editor, me decían que no podrían escucharse. Solicité la música a Carlos Fariñas y lo mezcle con la de Bartok, Henry y Schaeffer en sus experimentos de música concreta.

Mi amistad con Sandú venía de proyectos comunes que teníamos desde antes: un carnaval acuático en el malecón, con helicópteros que bombardearan formas y colores, yates de velas donde proyectaríamos imágenes, etc.
El documental se estrenó en su momento en la Cinemateca y en La Rampa, a instancias de Sandú. Luego “lo guardaron” en el archivo. Yo le envía una copia a [Norman] McLaren, que nos felicitó. Y ya.

Hace dos o tres años, la curadora de arte Luisa Marisy lo consideró precursor del vídeo-arte contemporáneo. Y el especialista del Museo Reina Sofía de Madrid, Osbel Suárez, lo incorporó a la exposición Los cinéticos, que ha viajado por el mundo.
Para buscarlo en el archivo del ICAIC, tuvimos que apelar a un viejo archivero, Pedro Beltrán, que lo encontró intacto en una lata de películas con la etiqueta oxidada, y dentro, estaba protegido envuelto en un sobre de nylon de espaguetis.
Sobre este tema, un estudiante de vanguardia camagüeyano, Eliezer Jiménez Almeida, ha realizado todo un largo documental de tesis".

El cortometraje de Pineda Barnet fue exhibido en 2007 como parte de una exposición que cartografió un siglo de arte cinético, corriente artística que fijó en el movimiento (o en sus efectos) su principal elemento plástico. Junto a esculturas, pinturas, allí estaban también las piezas fímicas de Duchamp (Cine anémico) y de de Moholy-Nagy (Juego de luces negro blanco gris).

Anémic Cinéma, 1926 (Cine anémico)
Dir. Marcel Duchamp
35 mm. B/N. Muda, 6´
Centre Georges Pompidou, Paris
Museo national d´Art moderne/ Centre de création industrielle

Tomado del canal de You Tube: Lottedyskolia

Ein Lichtspiel schwarz-weiss-grau, 1930 (Juego de luces negro blanco gris)
Dir. Lázslo Moholy-Nagy
35 mm. B/N. Muda, 6´30´´
Centro Georges Pompidou, Paris
Museo National d´Art moderne/ Centre de création industrielle

Tomado del canal de You Tube: camaradeniebla

Entregará la AHS premio Maestros de Juventudes

2011-10-05T09:14:00.000-07:00

Los jóvenes creadores estimularán a Marta Valdés, Ramona de Saá, Sara González, Nersys Felipe, Alfredo Sosabravo, Enrique Pineda Barnet y Fernando Martínez Heredia

Por José Luis Estrada Betancourt
estrada@juventudrebelde.cu

3 de Octubre del 2011 23:51:41 CDT

A propuesta de su Consejo Nacional, la dirección de la Asociación Hermanos Saíz (AHS) acordó otorgar, el próximo 18 de octubre, su máxima distinción: el premio Maestros de Juventudes.
La compositora Marta Valdés, la maestra del Ballet Nacional de Cuba Ramona de Saá, la trovadora Sara González, la escritora Nersys Felipe, el artista de la plástica Alfredo Sosabravo, el cineasta Enrique Pineda Barnet y el ensayista Fernando Martínez Heredia, han sido los elegidos por el aporte e influencia de sus obras en las nuevas generaciones.
El premio Maestros de Juventudes, que será entregado a las tres de la tarde el día del aniversario 25 de la organización de la joven vanguardia artística, en su sede nacional del Pabellón Cuba, constituye un importante reconocimiento a la labor cultural y pedagógica que han realizado prominentes personalidades de la cultura y el arte, a lo largo de su vida.
En esta ocasión, los miembros de la Asociación Hermanos Saíz han querido homenajear a Marta Valdés, por haber compuesto una obra musical que tanto ha influido en la cancionística nacional; a Ramona de Saá, por su labor en la formación de generaciones de bailarines que han dignificado la Escuela Cubana de Ballet en el mundo; a Sara González, por la fuerza de su poesía y su comprometido apego a la justicia social que ha defendido nuestra Revolución.
La cubanísima y creativa narrativa que durante décadas ha enriquecido la espiritualidad de niños y jóvenes, y el original universo plástico surgido de una fértil imaginación, determinaron la selección de Nersys Felipe y Alfredo Sosabravo, respectivamente. Mientras que a Enrique Pineda Barnet se le honra por el hecho de haber plasmado con autenticidad la idiosincrasia nacional y por el modo en que ha acogido a los noveles cineastas de esta Isla. Similar relación con los jóvenes ha cultivado Fernando Martínez Heredia, quien desde un pensamiento agudo y militante ha desarrollado una obra ensayística de hondura indiscutible.
La Asociación otorga cada año el premio Maestros de Juventudes, como parte de la Jornada de la Cultura Cubana, y durante más de una década han sido merecedoras de tan alto reconocimiento figuras como Cintio Vitier, Alicia Alonso, Roberto Fernández Retamar, Alfredo Guevara, Graziella Pogolotti, Silvio Rodríguez, Eusebio Leal y Juan Formell, entre otros.

Tomado del diario Juventud Rebelde

Enrique Pineda Barnet, sobre FIRST

2011-09-28T14:15:00.000-07:00

Por Maria Laura

En el prólogo de su primer libro "7 cuentos para antes de un suicidio", escribe al final: "No quiero hacer filosofía. No la hago: no puedo. Solamente desfloro a los hombres y los desnudo de sus impurezas, intento hacer brotar sus pensamientos innobles".

1) A pesar de los años de diferencia que separan este libro y "First" y, precisamente por esos "años de diferencia" -uno escrito en la adolescencia y otro en plena madurez-, ¿reconoce en estas palabras adolescentes, la semilla de "First"?

R:LA SEMILLA DE FIRST ESTÁ EN TODO EL LIBRO, Y EN TODO EL PRÓLOGO.

2) ¿Considera que, con su obra, sigue procurando " desnudar" a los hombres de sus impurezas?

R: SIGO PROCURANDO "DESNUDAR" AL SER HUMANO EN TODA SU PUREZA E IMPUREZA, DESNUDARLOS NO OBLIGA A LIMPIARLO NI PURIFICARLO, SINO MOSTRARLO PARA ENTENDERLO.

3) Como creador, la imagen del desnudo, ese "desnudar" -casi como arrancar-, ¿posee el mismo significado en el libro de cuentos que en "First"?

R: DESNUDAR NO ES ARRANCAR, ES DEVELAR, EXPONER, QUEDARSE EN PURA PIEL. Y SIEMPRE ES EL MISMO SIGNIFICAO SÓLO QUE EN CIRCUNSTANCIAS DIFERENTES.

4) ¿Cuánto de "First" cree que existe en "La Anunciación"?

R: "LA ANUNCIACIÓN" ES UNA DE LAS MUESTRAS DESARROLLADAS DE "FIRST", PERO HAY MUCHAS MÁS. PERO SÍ, "FIRST" ES LA SEMILLA DE "LA ANUNCIACIÓN" , COMO TAMBIÉN ES LA SEMILLA DE "VERDE VERDE", OTRA MUESTRA DESARROLLADA DE "FIRST".

Beatriz Valdés, 40 años de vida artística

2011-09-12T14:13:00.000-07:00

Las ciudades que soy se estrena en el Celarg

Gráfica - Imagen Referencial
Primicias24.com ( Prensa Celarg) -Desde el próximo jueves 7 de julio, en la Sala de teatro 1 de la Casa de Rómulo Gallegos, Beatriz Valdés celebrará sus 40 años de vida artística con el unipersonal escrito por ella misma Las ciudades que soy, bajo la dirección actoral de Miguel Issa y dirección musical de César Orozco.
Las ciudades que soy es el título del unipersonal con el cual Beatriz Valdés celebra sus 40 años en la escena, los primeros 20 transcurridos en Cuba, su isla natal -en donde comenzó siendo una niña- y los otros 20 en Venezuela, el país del cual se siente parte y donde se ha labrado un sitial estelar a través de una trayectoria eminente en televisión, cine y teatro, lo que le ha valido no pocos reconocimientos.
En este espectáculo teatral, la veremos también en una faceta que muy pocos conocen de ella, la de cantante de temperamento y garra interpretativa, pues los textos en los cuales recrea sus vivencias de cuarenta años en La Habana y Caracas, estarán aderezados por aquellas canciones que, como ella misma lo afirma, forman parte de la banda sonora de su vida.
La pieza teatral estará a la disposición del público a partir del 7 de julio al 7 de agosto, jueves a sábados, a las 8:00 p.m. y domingos, a las 6:00 p.m. en la Sala de teatro 1 de la Fundación Celarg, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura. El costo de la entrada general es de Bs. 150, jueves popular, estudiantes y 3º edad Bs. 140. La Casa de Rómulo Gallegos cuenta con estacionamiento propio, café y vigilancia privada y está ubicada en la Av. Luis Roche a dos cuadras al norte de la estación del Metro Altamira.

Fuente: Primicias 24.com

tender un puente siempre es hermoso...

2011-09-08T12:15:00.000-07:00

(texto final de "first")
!MIRA QUE PERDEMOS TIEMPO!

(texto final de La Anunciación)
"AMENSE POR ENCIMA DE LAS DIFERENCIAS
QUE NO HAY MAYOR AMPARO QUE NOSOTROS MISMOS"

(Canción de La Anunciación)
TENDER UN PUENTE
SIEMPRE ES HERMOSO
AUNQUE NO SEPAS QUIEN VA A CRUZAR

first

la anunciación

puentear (canción de La Anunciación)

"LA BELLA DEL ALHAMBRA", DIRECCIÓN: ENRIQUE PINEDA BARNET

2011-09-06T11:19:00.000-07:00

Del canal de Youtube GIRASOLPRODUCCION

De Madrid a La Habana: el Yemayá

2011-08-30T19:16:00.001-07:00

“Todo el mundo debe hacer un documental una vez en la vida”

2011-08-20T20:31:00.000-07:00

ENTREVISTA A ENRIQUE PINEDA BARNET

Por María Laura Riba

Enrique Pineda Barnet es uno de los cineastas más representativos de la fílmica cubana. Fue merecedor del premio Goya (España) por su película ‘La bella del Alhambra’ (1990), es Premio Nacional de Cine 2006, y es considerado el precursor del Cine Arte Contemporáneo por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de España. Luego de veinte años reapareció en la pantalla grande en 2009 con ‘ La Anunciación ’.
En su apartamento habanero, lugar mítico donde Pineda Barnet hace de cualquier encuentro un puente de afecto, conversó sobre pasajes de su vida, de su obra y sobre su experiencia en el cine documental. Fiel a sus sueños -a los que tuvo y a los que aún conserva-, es sincero en sus palabras. Hace alrededor de 50 años que está ligado laboralmente al Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC). Su vida ya es parte de la historia y cultura de su país; es, por sobre todas las cosas, un hombre amado por su público que lo ovaciona en cuanta oportunidad tiene.
Pineda Barnet proviene de una familia aristocrática en cuyo seno comenzó a gestarse en él la rebeldía y el ansia de vivir en un mundo más equitativo. Enrique fue el primer maestro voluntario en Sierra Maestra al triunfo de la Revolución ; pero no fue fácil llegar hasta allí. Y él mismo lo cuenta: “En mi casa, de niño, mi padrastro era político, incluso llegó a ser senador de la República. Por donde quiera había fusiles, ametralladoras, revólveres… Yo detestaba ese mundo de violencia. Mi casa era una residencia, aquí en el reparto de El Vedado, calle 15 esquina 4; y en el garaje de la casa eran los colegios electorales para las votaciones. Ahí vi los fraudes, las trampas, los disfraces para votar. Yo detestaba la política, por tanto no leía los periódicos -costumbre que mantengo-, porque durante un tiempo me dolía tanto la violencia que decidí no leerlos más. Declaración horrible en un periodista -porque soy periodista y fundador de la UPEC (Unión de Periodistas Cubanos)-”.
Esos deseos tan fuertes de no volver a leer un periódico, cuando muy joven lo llevaron a ignorar acontecimientos históricos que estaban ocurriendo en su país: “Por supuesto que sabía lo que había sido la Revolución del 30, conocía la Historia del país; pero nunca había abierto la revista Bohemia en la página que decía “asaltó el Moncada un grupo de soldados…”, aquello estaba tan raro que un día, estando en mi lugar de trabajo, voy de repente al baño y veo unos papeles que me llaman la atención. Entonces le digo a mi novia, que tenía una cabeza muy adelante: “Qué cosa más rara”; ella me responde: “Esa es la ‘Historia me absolverá’, las palabras de Fidel Castro defendiéndose en el juicio del Moncada”. Yo pregunté: “¿Cuándo?”, y ella me dijo: “Estamos en 1957 y no sabes que Fidel Castro asaltó el cuartel Moncada en 1953” . Y realmente, hoy lo puedo decir: no lo sabía. Esta información tardía me ha tejido un sentimiento de culpa muy fuerte. Me sentí muy mal porque un tipo que está contra la discriminación racial, que está contra la diferencia de clases, que está contra la inmoralidad, politiquería, etc. y no se entera de que hay una Revolución que ha estallado por allá… me hizo sentir muy avergonzado. Eso fue mi movilidad: yo me metí en el Movimiento 26 de Julio ese mismo día, y ese mismo día mi apartamento en el malecón -que era el apartamento de un joven publicitario próspero-, se convirtió en centro de reuniones clandestinas. Vendí bonos, hacía paquetes con ropa, con comida, con todo, y los trasladaba en un carro de última moda, convertible. Era un pepillo de esos bien vestidos. Yo pasaba por donde estaba el buró de Investigaciones, que era una fortaleza muy grande de Batista, con los soldados en la puerta; yo iba con el radio a todo meter, le decía adiós a los soldados; es decir que me gustaba transgredir”.
Hijo de madre desheredada por haberse divorciado a los 18 años y quedarse sola con él -un niño de cinco años-, fueron a vivir a la casa de una tía rica. “Mi madre era una prostituta por estar divorciada en un país que hacía nada más que 15 años que había legalizado la ley de divorcio. Mi madrina, la tía de mi madre, una mujer inteligente, era la dueña de lo que hoy se llama ‘El Gato Tuerto’ (actual local nocturno donde se presentan diferentes cantantes), pero que en ese momento era su casa, y ahí vivimos hasta que mi mamá se casó de nuevo”.
Enrique pasó de aristócrata a clandestino en la época de Fulgencio Batista, de próspero joven publicitario a primer maestro voluntario en Sierra Maestra, a interventor en un Ingenio Azucarero, a secretario de la delegación que acompañó a Ernesto Che Guevara al Uruguay, hasta, por fin, después de tanto andar, volvió a crear, esta vez, como cineasta. Y para siempre creador.

- Para muchos usted es considerado un “maestro”, y de hecho lo fue y lo es. ¿Cuándo se sintió “maestro”?

- En mi caso ocurrió que yo no sabía que era maestro. Había sido profesor de redacción de textos comerciales en la Escuela Nacional de Publicidad porque yo trabajaba en publicidad, hacía cine, radio, TV, entonces me llamaron para ver si yo quería dar clases de producción de textos comerciales, generar campañas publicitarias, cosas muy creativas. Y me sentí muy bien. Me encantó, yo no sabía que me gustaba tanto enseñar.

- De ser un joven aventajado, publicista, ¿cómo cree que surgió en usted ese espíritu sensible y rebelde que todavía lo acompaña?

- Cuando joven yo había tenido una experiencia con una muchacha prostituta que quería ser cantante. Había sido un gran amor para mí, y la vida me premió porque ella llegó a ser una gran cantante conocida. Yo ya tenía amigos negros: en ese medio, en mi mundo, eso no se aceptaba. Yo ya había visitado mucho los barrios de indigentes porque trabajaba anunciando jabón de lavar, y por lo tanto, para hacer mis investigaciones de mercado, tenía que ir de saco, cuello y corbata, pero a los barrios marginales. Digo esto no para tomar galas de haber vivido como un aristócrata, sino porque en mi vida como aristócrata me vinculaba con la miseria, y esa fue mi clase del capital: la confrontación real de la vida de la aristocracia y la miseria, la discriminación y la vida de los negros, de la moralina hipócrita de una sociedad hipócrita contra las pobres prostitutas que morían de hambre con un alma de artista y no podían hacerse artistas realmente… Nada, que yo ya llevaba en el alma un espíritu de rebeldía…

- ¿Y al cine cuándo llega?

- También estaba en los grupos de los jóvenes aficionados que querían hacer cine, y estuve en las reuniones de los parques, de la Universidad , en las clases de Valdés Rodríguez (prestigioso crítico y divulgador de cine cubano). Fui fundador de la Sociedad Cultural Nuestro Tiempo, fue cuando era muy jovencito, en 1950, todavía no tenía los 17 años. Me llevó José Massip (cineasta cubano). Yo no tenía conciencia política en ese tiempo. Pero me hice allí amigo de los pintores, de los dramaturgos, de los escritores, era gente que me gustaba y pensaba un poco como yo, aunque después me daba cuenta de que no todos pensaban igual… entonces ahí me gustaba más.

- ¿Cuándo y cómo se fue como maestro voluntario a la Sierra?

- Triunfó la Revolución (1959), entonces Alfredo Guevara (fundador y primer presidente del ICAIC), Massip, Titón (Tomás Gutiérrez Alea, cineasta cubano), toda esa gente me llamó y me dijo: “Ven, vamos a fundar el ICAIC”, y yo dije: “No, no. Ese es un sueño que yo no me he ganado”. Entonces empiezo a conspirar con una amiga que tenía una relación con un artista que estaba en la Sierra para ir para allá. Y cuando tuve preparado todo para ir y le dije a mi madre, ella me dijo: “¡Loco! ¡Te vas a meter en eso!”. Después hablo donde yo trabajaba y ellos me dieron una licencia indefinida sin goce de sueldo. Yo ya tenía preparado mi expediente. Entonces un día estoy viendo en mi casa la televisión. Estaban el fotógrafo Alberto Korda (famoso por su retrato del Che, uno de los más difundidos en el mundo) y su esposa que era modelo de Vogue. Estábamos bromeando y Korda me dice: “Tú sabes que te vamos a dar una gran noticia: mi mujer está embarazada”. Era un ambiente de celebración. De repente aparece Fidel en la televisión diciendo que necesitaban maestros voluntarios para la Sierra Maestra , con cierta preparación cultural, mayores de 17, 18 años. Enseguida pensé que él estaba pidiendo lo que yo quería. Entonces dejo a Korda y a su mujer en la sala y me fui adonde estaba Fidel. Había un soldadito en la puerta y le doy mi expediente. Cuando llego a mi casa -que estaba a una cuadra-, en la televisión veo a Fidel que estaba con mi expediente en la mano diciendo: “Aquí llegó el primer maestro voluntario”.
Y después de estar en la Sierra por casi dos años, Pineda Barnet, fue seleccionado entre 82 maestros, los reunieron y les comunicaron que se habían nacionalizado las industrias. Fue así que quedó designado como administrador interventor de un Central Azucarero “que resultó ser un coloso”, señala, y agrega: “Yo estaba espantado porque nunca había administrado ni mi propio dinero. No obstante hice la primera Zafra del Pueblo y cuando terminó me mandaron a buscar de nuevo. Era para el MINREX (Ministerio de Relaciones Exteriores), y me nombran encargado de Negocios de Cuba en el Uruguay. El gobierno uruguayo quería romper relaciones con Cuba en ese momento”. Y como se esperaba, le niegan el agreement. Esa negativa llega a oídos de Che Guevara, y cuenta Pineda Barnet que el Che dijo: “¡Ah! ¿No te dieron el agreement? Entonces ahora te vamos a llevar como secretario de la delegación”. Y así Enrique fue para allá. Al volver, relata que “las obligaciones políticas eran tan fuertes que yo tuve dificultades incomodísimas, me fui al ICAIC y busqué a mis amigos de siempre”.

- ¿Cuál fue su primer trabajo en el ICAIC?

- Empecé como director de Enciclopedia Popular. Ahí yo hice documentales de figuras de la cultura cubana, temas históricos. Dentro de Enciclopedia Popular estaba haciendo el guión de ‘Crónica Cubana’ con Dragún (dramaturgo argentino) y Ulive (uruguayo). Junto a Raúl Rodríguez dijimos de hacer una colección de teatro, entonces nos fuimos adonde estaban poniendo la puesta en escena de ‘Aire Frío’ de Virgilio Piñera (escritor y dramaturgo cubano), y filmamos ahí. A la semana siguiente fuimos al teatro Mella donde estaba Vicente Revuelta poniendo ‘Fuenteovejuna’. Filmamos muchas cosas, algunas me las dejaron terminar y otras me las cortaron. Entonces, por esa misma época, Alfredo (Guevara) me llama. Tenía un rollo de mil pies de película color de una firma que se la habían dado como prueba… yo me volví loco con aquello. Ahí comienzo a filmar todo el material que podía tener Sandú Darié que era un rumano que estaba establecido en Cuba; era un artista plástico que hacía obras cinéticas, entonces lo filmamos e hice un corto que se llama ‘Cosmorama’. Han pasado los años y en 2008 me llamaron del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España) para decirme que ‘Cosmorama’ había sido el precursor del movimiento de Cine Arte Contemporáneo. Eso para mí fue una gran sorpresa. Abrieron un stand nuevo en el museo para ponerlo.

- Después de tanto filmar, ¿ya se siente director?

- Todavía no me siento director. Yo quería hacer estas cosas, por eso en una época hice ‘Giselle’, hice toda una investigación, una dramaturgia, hice un guión técnico literario de ‘Giselle’… bueno, pues salió una película de ficción con algunos elementos documentales. Fue una experiencia muy fuerte y convertimos esto en una experiencia plástica.

- ¿Cuál cree que hubiera sido su camino si no hubiera entrado al ICAIC?

- Si no hubiera estado todos estos años en el ICAIC, yo creo que me hubiera ido otra vez para la Sierra y me hubiera quedado mucho tiempo, años posiblemente, porque en la Sierra fui muy feliz. En el ingenio azucarero fue muy incómodo y en el MINREX fui muy desdichado.

- ¿Y en el ICAIC?

- Y en el ICAIC es crear. El problema mío es siempre crear.

- ¿Tuvo o tiene directores cubanos preferidos?

- Yo tenía que ver de todo un poquito, porque como empecé por arriba de las ramas -Enrique nunca fue asistente de dirección, peldaño obligado en los primeros años del ICAIC. Comenzó directamente como director-, pues ninguno se me convertía en paradigma. Tuve colegas muy jóvenes siempre, con algunos tenía más afinidad que con otros, y por temporadas. Yo tenía mucha afinidad con Manuel Octavio Gómez, después con Humberto Solás. Era muy amigo de Titón, y después ya no tuvimos demasiada relación y volvimos a tener relación después de muchos años. Después con quien más he tenido afinidad fue con Fernando Pérez: le tengo una admiración muy especial. Es un creador, realmente. Con ‘Madagascar’ (filme de Pérez) ya me quité el sombrero.

- Al haber trabajado por tantos años en el Instituto, también le tocó vivir diferentes momentos históricos, como fue el caso del denominado Quinquenio Gris. ¿Cómo cree que transcurrió el ICAIC por esos años?

- Yo creo que el ICAIC, en ese momento supo bandearse con bastante habilidad. De todos modos, hoy por hoy, calificar qué fue el Quinquenio Gris, cómo se produjo, hasta dónde me afectó, te diría, realmente, que inmensamente. Destruyó mi esperanza, mi fe. Mi sueño: no hay nada más terrible que destruir un sueño.

- ¿Y el denominado ‘Período Especial’?

- Bueno, en realidad, yo en el Período Especial me salvé a medias, ‘por una tablita’, porque yo termino ‘ La Bella del Alhambra’ en 1989. Esta película que se estrena en un aniversario de la UNEAC (Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba), en el cine Yara, se convierte, para mi sorpresa, en una eclosión. Me salvé en una tablita porque me voy a España, allí recibo el ‘Goya’ (calificado por algunos como el premio ‘Oscar’ español) que tampoco lo esperaba. Después del ‘Goya’ vino un viaje a Miami, y de Miami a New York y luego voy a Puerto Rico. Allí me enamoro de los portorriqueños; comienzo a dar clases. Y después di clases en la Universidad de New York, en el Instituto de Arte de Chicago, y empiezo a dar vueltas por el mundo con esta otra profesión. Paso muchos años yendo y viniendo, haciendo cosas. Realmente no viví la cruel experiencia del Período Especial. Claro que al ir y venir, yo veía lo que pasaba, pero no es lo mismo acabado de regresar, que viene uno con la barriga llena y el corazón contento. Durante ese tiempo estuve en muchos lugares de Europa y tuve la suerte de llevarme a mi madre a todos mis viajes. Mi madre era una señora que no fue revolucionaria nunca; pero un día le preguntaron en una rueda de prensa fuera de Cuba: “¿Usted por qué vuelve a Cuba?” Y la respuesta de mi madre me dejó perplejo. La respuesta fue: “Es que yo tengo una matica de hierbabuena en la terraza de la casa y tengo que ir a regarla”. Era la ‘no razón’. Era ‘porque sí’. Es por lo mismo que yo me quedo: porque sí.

- ¿Ve a los jóvenes realizadores insertados en la Industria Cinematográfica ?

- Yo no los veo insertados, y yo, en el lugar de ellos no me insertaría jamás porque ya es otra cosa, ya el mundo cambió, ya no tiene sentido estar manejado por una compañía, que me paguen un salario miserable para exprimirme la vida, donde un artista tiene que marcar un reloj para entrar… ¿Quién ha visto a un artista marcando un reloj para entrar en una oficina?, y firmar contratos como quieran.

- ¿Qué saldo positivo y negativo le han dejado tantos años en el ICAIC?

- Mira, yo más bien tendría que decirte qué saldo positivo y negativo me dejó la vida. Yo he entendido a mi vida. Y es curioso, yo tengo sentido de pertenencia, pero no soy una aceituna pegada al hueso. Yo me muero sin mi malecón y sin mi mar. Sin las escalinatas de la Universidad yo me pongo triste, pero no me muero. Sin el ICAIC no me muero; es verdad he trabajado en este edificio por alrededor de 50 años, pero el edificio es un casco, porque las cosas cuando se vacían pierden su esencia. Mi mami se murió ahí -y señala hacia un lado-, y yo sentí una sensación terrible: que se iba su perfume…, y ahí se quedó sólo un continente. Si eso se me fue, ¿cómo no se va a ir la vida y todo lo demás? Yo no hecho de menos ni siquiera esta casa. Amo este país de una manera extraña, amo su atmósfera, su aire, amo la gente que critica porque amo hasta a mis enemigos… el día que se mueran mis enemigos, ¿qué hago? ¿dónde los guardo? Yo soy un hombre feliz, no tengo nada y mientras menos tengo más feliz soy. Claro, no soy un asceta, para nada, no tengo vocación de Gandhi ni de faquir, me gustan las cosas buenas como a todo el mundo; pero ya dije, no soy una aceituna pegada al hueso.

EL MUNDO DEL DOCUMENTAL

- ¿Cuántos mundos tiene el cine?

- La historia del cine como la historia de la humanidad, los cineastas como las personas, tienen no dos, sino muchos mundos. Hay un mundo que uno puede dividirlo artificialmente, es el mundo de la realidad y el mundo de la fantasía. Artificialmente vamos a dividir el mundo del cine en el ‘mundo de la ficción’ y el ‘mundo de la realidad’. Al ‘mundo de la realidad’ le decimos así porque tenemos que acudir al documento para poder indagar en él y lo llamamos el ‘mundo del documental’. El ‘mundo de la ficción’ ya sabemos que forma parte de nuestra invención, de nuestra imaginación, la poética subjetiva que nos hace volar, soñar, imaginar. Entre esos dos mundos, la vida también ha ido entrecruzando hilos, líneas y cada vez se hace menos separado este mundo complejo entre la realidad y la fantasía.

- Para usted, ¿la realidad supera la ficción?

- Hay una verdad de Perogrullo que es que la realidad es mucho más compleja y mucho más imaginativa y mucho más fantasiosa que la invención del hombre. Por lo tanto, cuando empezamos a hacer un documental llegamos a hacer una gran fantasía. Cuando tratamos de hacer una película de ficción, empezamos a hacerla tan real, que la vamos convirtiendo en un documental.

- ¿Cómo definiría, entonces, al cine documental?

- Si tengo que atenerme a algunas reglas, a algunas normas para definir –y eso sería artificialmente ‘separar’ el mundo de la ficción del mundo documental– tendría que guiarme estrictamente por esto que puede ser: en un juicio, frente a un conflicto legal de un crimen, frente a un robo, frente a cualquier asunto que se debate, se dilucida ante un tribunal. De repente llegan los testigos, el abogado, el fiscal y tratan de hacer una reconstrucción de los hechos. Una reconstrucción forense de los hechos… Bueno pues… lo hice en ‘David’ (1967). En un momento determinado estoy haciendo una reconstrucción porque estoy tratando de demostrar que mi personaje, que es un personaje de la realidad, que es Frank País, es un personaje real que tiene una gran contradicción, una gran paradoja: es un hombre sensible, humano, poeta, artista, es músico, es un hombre que toca el órgano de la iglesia, que se prepara para hacer pastor. En fin, ese hombre que, según los testigos, hablaba con las flores, hace poemas, hace canciones y toca el órganos de la iglesia, sin embargo, hay alguien que lo atestigua, como dirigente político, como líder, en un momento determinado tuvo que matar. Hay gente que lo niega categóricamente… “¡cómo van a matar aquellas manos suaves que pulsaban el piano!¡Cómo iban a ser capaces de matar!”. Bueno pues, de repente viene la mamá del héroe, que es una señora religiosa y etc. y ES LA MAMÁ. En un momento determinado en su testimonio me dice: “Él llegó una mañana y me dice: ‘Mamá, he matado a un hombre’”. Eso es un testimonio. Pero entonces ahora necesito corroborar esto de otra manera y voy al lugar de los hechos con un testigo de los hechos. Llegamos al lugar, la casa que era la estación de Policía donde se da el atentado, ahora es una casa de vecinos que tiene sus sillones en el portal, sus jaulitas con canarios, etc… llena de florecitas…Todo ha cambiado, pero yo voy a tratar de que el espectador vea la estación de Policía. Entonces hay un joven miliciano que está de guardia en la acera de enfrente. Lo llamamos. Y el testigo, usando al joven que está de guardia en la acera de enfrente con su arma en la cintura y demás, le dice: “Haz, por favor, como si fueras el policía muerto. Acuéstate en el piso”. Lo acuesta en el medio de la calle, le quita el revólver de la cintura y explica cómo, supuestamente, él es testigo de que Frank mató a aquel policía en la estación de Policía, y le quitó el arma. Aquí se ha hecho una actividad forense, una reconstrucción dramática del hecho con una forma de puesta en escena. En fin, aquello ¿es documental o es ficción? Definir eso es muy complicado. A partir de ese momento yo entendí que el documental y la ficción estaban demasiado entrelazados. Y mi película ‘David’ no es nada más y nada menos que un largo documental con todas las técnicas de la ficción.

- Para usted, ¿existen, entonces, diferencias entre la ficción y la realidad?

- No. Para mí no hay más diferencias. Si usas actores los puedes poner como si fueran testigos, si usas testigos los puedes poner como si fuesen actores. Si usas un escenario artificial, lo puedes convertir en un escenario documental, si usas un escenario documental, le puedes dar artificio.

- ¿Cuál considera usted que es el rol del documentalista?

- Esto del rol del documentalista yo lo llevaría a lo que, subjetivamente, podríamos decir, que es lo que tiene que hacer el documentalista, en qué dirección se encamina el documentalista, por qué lo hace, para qué lo hace, qué es lo que él necesita y cuál es el objetivo que él persigue. Es un conjunto de cosas que parecen las mismas, pero no son exactamente las mismas. El documentalista tiene que documentar, tiene que atrapar el documento, todo lo que tiene a su alcance, sea un documento escrito, sea un documento narrado, sea un documento escenificado, sea un documento personalizado en un objeto, en un recuerdo, en una reliquia, y del documento tiene que hacer un nuevo documento. Es decir, él lo tiene que transformar. De alguna manera, al hacerlo, al armarlo, quiéralo o no, está incorporando inmediatamente su manera de verlo porque la objetividad, en este caso, no existe, no es posible. Vemos un hecho, lo captamos, lo narramos, pero no lo exponemos exactamente tal como lo vimos. Lo exponemos dándole nuestra participación. Los puntos de vista son tantos que cambian completamente las historias. De un mismo hecho surgen cosas trágicas, cómicas, divertidas, muy dramáticas. De manera que el documentalista está interviniendo de todas maneras, y está convirtiendo inevitablemente en ficción, un ápice de ficción en cada documento que lleva a cabo.

- ¿Qué caracteriza al documental cubano?

- La personalidad de cada uno de nosotros es diferente. A veces, dentro de un conjunto, como puede ser Centroamérica, puede haber un grupo de países que puedan tener similitudes. En términos generales y globales todos los latinoamericanos tenemos algo en común, muchas en común; pero también tenemos muchas cosas que nos diferencian, que nos hacen a cada uno diferente, diverso, más complejo, mixto, y eso es lo que nos da el encanto de tener una personalidad tal o cual. Digamos que para distinguir a un documental como documental cubano, una de las cosas que puede tener es un cierto especial sentido del humor. El documental cubano, por muy trágico que sea, termina burlándose hasta de la tragedia. Va a tener un rasgo de cierta sensualidad que está hasta en la imagen, el color, en la luz, etc., y una cierta intencionalidad que se acerca a las dos cosas anteriores, una cierta ironía. De ahí en adelante hay otras cosas que ya, siendo más sutiles, se le pueden aplicar a la cuentística, a la novelística, a la literatura, al periodismo en general. El documental cubano durante la República es una cosa, durante el tiempo de la Revolución es otro; pero siempre, en términos generales, la fuente es la calle, es la gente, los comportamientos de la gente en la calle desde la excepcionalidad hasta lo más común y lo más global. Es la calle, está mucho en los rituales –y cuando hablo de rituales estoy hablando hasta de la más pequeña ritualidad: un juego de dominó, o un juego de bolas cristal de los niños en la calle, las fiestas religiosas, las fiestas no religiosas, el erotismo de la gente, la historia de cada cual-. Todo el mundo tiene una historia, cada persona es una letra en el alfabeto de una enciclopedia.

- Desde su punto de vista, ¿qué es lo que nunca debería hace un documentalista?

- Casi todos los seres humanos –por lo menos lo seres humanos que yo conozco- cuando nos van a poner una inyección con una jeringuilla y una aguja, intramuscular, en una nalga, lo único que usted no puede hacer es contraer el músculo de la nalga porque le va a doler más y porque puede partir la aguja. Eso es exactamente lo que no puede hacer un documentalista: vivir contraído. Si vive con la nalga apretada, el documental va a salir una porquería.

- ¿En qué coinciden y/o se diferencian el documental y el periodismo?

- Yo soy muy ecléctico. Me gustan las cosas bien abiertas, bien libres. Yo creo que ‘documental’ es todo lo que implique un documento de la vida, y por ahí puede haber una crónica, que puede ser periodística, un reportaje, una narración, una anécdota, un chiste de humor, una postal social, en fin, el periodismo se divide en muchos géneros. El periodismo puede ser documental y el documental puede ser periodístico en la medida en que uno asuma del otro o la técnica o la actitud, el objetivo, eso lo define. Siempre están muy cerca. Un buen periodismo es bastante documental. Un buen documental no tiene que ser necesariamente periodístico. Es la diferencia.

- ¿Posee algún condicionamiento a la hora de filmar?

- Me resulta un poco difícil situarme en qué condicionamiento… Quizá por las mismas razones anteriores, apenas llevo condicionamientos a una filmación, sobre todo de documental. Como no llevo condicionamiento a una entrevista como la que estamos realizando, por ejemplo. Yo me dejo flotar. Mi condicionamiento es justamente que no tengo autocensura. Tengo la autocensura que tengo en la vida, siempre hay una autocensura de alguna manera. Me voy condicionando según lo que ocurra frente a mí. Es lo que me va preparando, predisponiendo. Trato de ver un asunto, una cuestión, un tema, desde distintos ángulos, distintos puntos de vista. Trato de encontrar la contradicción; a mí me interesa mucho la paradoja, inclusive me resulta más interesante encontrar la paradoja que encontrar el conflicto. El conflicto casi siempre es evidente: está ahí; la paradoja ya es otra cosa. Me gusta saber qué hay detrás, dónde está lo que no me dicen. Siempre me resulta más rico lo que no me dicen que lo que me están diciendo. He sentido alguna vez preocupación o miedo; eso lo he sentido alguna vez y ambas cosas a la vez, pero cuando siento eso no puedo hacer nada.

- ¿Cómo se lleva con las nuevas tecnologías?

- Del punto de vista de mi esencia, yo detesto la tecnología. Desde el punto de vista de mi necesidad, adoro la tecnología. Trato de luchar contra mi incapacidad y deficiencia, tratando de saber todo lo posible de las tecnologías contemporáneas. Estoy luchando con eso todos los días. Yo adoro la cámara, adoro los micrófonos… La mini tecnología me fascina porque me encanta indagar en los pliegues ocultos de la realidad. Entonces me fascina la cámara oculta, la grabadora oculta, eso me parece maravilloso, y no siempre se puede ni es adecuado para tal o cual género, pero siempre me gusta recurrir a ella. Tengo una gran preferencia por el ‘free cinema’, y hasta donde puedo, con la cámara oculta, la mini técnica, crear situaciones que estallen con otra respuesta, buscar el elemento sorpresa, el elemento espontaneidad. A los niños les encanta mirar por las cerraduras y creo que eso me definió cineasta desde niño: me encanta fisgonear. Me gustan las hendijas, las persianas, las cerraduras de las puertas, los huecos, eso me parece fascinante porque es encontrar los secretos de la vida, los misterios de la vida. En cuanto al público, ahora, está en un momento, en un proceso del mundo digital. Ya no solamente a los efectos de ver las películas sino de hacerlas y de entrar en el mundo de Internet, tengas o no acceso a él, si no lo tienes lo buscas, si no lo buscas porque no te interesa, lo oyes, te enteras de alguna manera, y todo ese mundo nos está cambiando del mundo analógico al mundo digital. Y yo creo que para eso no estamos preparados. Es como si fuéramos, mañana, a vivir a Marte. De pronto -y pudiera ocurrir-, se abre la posibilidad de ir a pasear a Marte. Nos van a dar viajes gratuitos a toda la población del mundo para visitar el planeta Marte. Todo el mundo va a querer ir… otra gente se va a meter debajo de la cama por el pánico. Pero lo cierto es que eso va a cambiar al mundo. La tierra tiene que cambiar cuando vea a Marte. Y estamos viendo otro planeta que es el mundo digital, cibernético, el Internet, etc.

- ¿Qué documentales lo han marcado?

- Hay documentales que me han conmovido y me gustan, y otros que me enseñan y otros que me dicen que esto no se puede dejar de ver. De los documentales cubanos puedo citar ‘Historia de una batalla’, de Octavio Gómez; ‘Por primera vez’, de Octavio Cortázar; ‘Historia de un ballet’ y ‘Soy Yoruba’ de José Massip; ‘55 hermanos’, de Jesús Díaz… muy conmovedor, abrió un cambio. Mi propio ‘David’.

- ¿Cómo ve a los realizadores jóvenes?

- Los documentalistas jóvenes me están gustando mucho porque están, como se dice aquí, por la calle del medio. Es decir, están muy abiertos, muy liberados. Yo los adoro, realmente. Y todavía no están diciendo todo lo que tienen que decir.
La conversación con Enrique Pineda Barnet llega a su fin, no sin antes comentar que “como experiencia, de la misma manera en que todo el mundo debe bañarse en el mar por lo menos una vez en la vida, todo el mundo debe bailar aunque sea una vez en la vida, todo el mundo debe hacer un documental una vez en la vida”.

LA BELLA DEL ALHAMBRA (1989), de Enrique Pineda Barnet

2011-08-14T14:22:00.000-07:00

Por Juan Antonio García Borrero, crítico de cine e investigador.

Cuando el investigador Carlos Espinosa me invitó a escribir algo sobre las diez películas cubanas de todos los tiempos que más me habían gustado (no “las más importantes”, sino las que más placer me reportaron en el momento de verlas), pensé que elegir esa decena de filmes sería cosa más bien fácil. Ahora compruebo que no es tan cómodo como parece. Nombrar diez cintas en virtud de lo innovador que haya podido resultar el uso de su lenguaje, o lo memorable de su historia, o de las actuaciones de los intérpretes, siempre será menos arduo que escoger eso que nos ha gustado por que sí… Los gustos nunca podrán argumentarse de modo convincente por aquello que Pascal anotaba: “el corazón tiene razones que la razón ignora”.

Por otro lado, no puedo ocultar que a estas alturas de mi vida ya me resulta imposible pensar en una película (mucho menos si es cubana), con la misma inocencia con que en mi infancia me adentraba en el universo Disney. Ahora cada fotograma que evoco tiene una plusvalía, a veces intelectual, a veces emotiva. Y me sorprendo recordando de pronto una secuencia que me gustaría ver de nuevo (aunque en su momento la película no me resultara tan atrayente), porque el hecho de que algunos vean en lo que escribo pretensiones de “objetividad” no me salva de lo humano, de lo que adjudica a aquello que observa un significado social acorde a los imperativos del sistema cultural en que me he formado.

De allí que aún no tenga claro cuáles serán las diez películas que escogeré (¿o las películas me escogerán a mí?); diría que esa selección se irá configurando en la misma medida en que piense ya no solo en mi contexto de recepción particular, sino en las circunstancias que dieron lugar a la producción de los filmes en cuestión. Porque siempre que hubo un filme, una secuencia, un plano que ahora persiste en el recuerdo, hubo una trama mayor que como espectadores todavía no veíamos.

Puedo recordar, por ejemplo, cómo a mediados de 1988 el cine cubano volvió a ser objeto de debate público. Esa vez no fueron los partidarios del cine pedagógico o de lo peor del “realismo socialista” (dígase Blas Roca en 1963, o los participantes en el Primer Congreso de Educación y Cultura de 1971), los que cuestionaron el estado de salud de la cinematografía nacional, sino críticos y espectadores que sentían que la producción del ICAIC precisamente había renunciado a su antiguo rol cuestionador.

En el país se respiraba un fuerte aire de irreverencia, pues mientras que en la URSS alcanzaba cada vez más intensidad la perestroika impulsada por Mijaíl Gorbachov, en la isla se estimulaba el llamado “proceso de rectificación de errores y tendencias negativas”. Sobre todo la creación de artes plásticas se benefició de esa relativa apertura en la libertad de expresión, de allí que muchos no entendieran que una institución como la del ICAIC, que contaba con una tradición más bien crítica, no estuviese a la altura de la época, y se conformase con apoyar cintas cuyo interés básico descansaba en la comunicación inmediata con el público.

Los debates organizados en la UNEAC fueron bastante intensos, y a ratos, descarnados. Ambrosio Fornet, entonces asesor de guiones de la institución, defendió la tesis de que en realidad el cine del ICAIC (debido al debut de nuevos realizadores) estaba “en una crisis de crecimiento, síntoma de su vitalidad”, y aprovechaba para arremeter contra los detractores de esa producción del siguiente modo: “La crítica dominante no parece estar ni profesionalmente ni éticamente, a la altura de su función, porque no ha tenido la aptitud ni la profundidad necesaria para convertirse en interlocutora legítima y activa de nuestros cineastas a lo largo de todo el proceso de existencia del cine cubano. Éticamente esta crítica presenta rasgos francamente oportunistas”.[1]

Además, como explicaba el propio Fornet, ninguna cinematografía existe sólo con obras maestras, y era lógico que en sus primeras películas los nuevos realizadores se mostrasen cautelosos. Pero el desfasaje entre lo que se mostraba en el discurso audiovisual y lo que estaba aconteciendo en la realidad, era irrefutable, de allí que las preguntas que en aquella misma reunión enunciara Eduardo Quiñones todavía esperan por una respuesta decorosa: “¿Cuándo empezó la autocensura entre nosotros?, ¿Qué pasó?, ¿Qué mecanismos la motivaron?, ¿Cuál de esos mecanismos sobreviven aún entre nosotros? ¿Qué pasó con Techo de vidrio?”.[2]

En verdad, el ICAIC ya había tomado conciencia de muchas de esas limitaciones, a juzgar por la autocrítica que en ese mismo encuentro hiciera su presidente García-Espinosa, y el anuncio de la puesta en práctica de una serie de estrategias, como fue la de organizar los Grupos de Creación y el Consejo Artístico. Ello permitiría reforzar la autonomía en el orden institucional (de hecho, desde el año anterior el ICAIC había recobrado su independencia económica, la cual perdió con la creación del Ministerio de Cultura en 1976), y contribuir al incremento de la producción, con una mayor participación de los cineastas en ese proceso productivo.

Los cambios comenzaron a notarse casi de inmediato. Cada uno de los realizadores que se mostraron conservadores en sus primeros largometrajes, en esta nueva oportunidad se plantearon metas más complejas, lo mismo en el plano conceptual que en el formal. Juan Carlos Tabío, por ejemplo, nos entregó Plaff o demasiado miedo a la vida (1988), Rolando Díaz La vida en rosa (1989), y Orlando Rojas Papeles secundarios (1989). Pero esta tendencia experimental pudo convivir con otra que intentaba aprovechar el modelo de representación más convencional, sin que ello significase una renuncia al rigor: fueron los casos de Clandestinos (1987), de Fernando Pérez, Cartas del parque (1988), de Tomás Gutiérrez Alea, y sobre todo La bella del Alhambra (1989), de Enrique Pineda Barnet.

A propósito de ésta última, y aprovechando el festejo que organizaban en Cuba por sus veinte años de estrenada, escribí en el blog “Cine cubano, la pupila insomne” que hay películas que, como los buenos perfumes, disimulan sus historias secretas. Son abismos emotivos donde uno se sumerge a gusto y protege de la cotidiana devastación del tiempo. Esas películas se recuerdan no solo por lo que cuentan, sino por lo que inspira en nosotros su sola evocación. El placer de evocarlas se convierte en un raro estremecimiento al que nos gusta recurrir con demasiada frecuencia. La Bella del Alhambra tiene para mí esa impronta.

Pero, ¿podría explicarse de un modo racional la persistencia de ese hechizo? Creo que no. Si fuera posible explicar nuestras adhesiones y fobias de un modo transparente, la vida perdería esa dosis de encanto que uno intuye aún en medio de las peores pesadillas, y todo sería frío razonamiento de academia siempre trasnochada e inútil. Fue ese racionalismo mesiánico y voluntarista que a partir de 1959 comenzó a imponerse en la mentalidad del cubano de a pie, según lo que dictaban las élites revolucionarias, el que fomentó el equívoco de que la llegada de un supuesto Hombre Nuevo implicaba dejar atrás todo lo que oliese al viejo régimen, incluyendo esa tendencia de los isleños a representarse la realidad en términos melodramáticos y hasta tragicómicos.

El cine producido por el ICAIC no podía quedarse atrás en la pretensión colectiva de tábula rasa. Y proclamó en breve un hipotético kilómetro cero de esa manifestación artística en la isla. No solo se expulsó a la región de las sombras fílmicas aquello que ya había sido realizado antes de la Revolución, sino que se decretó de modo tácito el carácter decadente de los viejos géneros. Aún así, cineastas como Humberto Solás se resistieron a renunciar al legado de grandes artistas como Visconti o Sirk, y cultivaron un melodrama que, aunque introducía sus cuotas de experimentación, en el fondo permanecía fiel a la tradición del cine como espectáculo y emoción, y desde allí planteaba la renovación.

Creo que con La bella del Alhambra se alcanza en el cine cubano, por fin, conciencia de que no era con la descalificación gratuita del pasado que se podía conseguir exactamente “modernidad fílmica”. Y que Pineda Barnet defienda esa tesis en un año en que se le exigía al cine del ICAIC militancia crítica desde el presente que se vivía, era toda una audacia. Pues, ¿qué podían esperar de una cinta que se remite al defenestrado pasado republicano los que clamaban por la representación incómoda de lo que estaba aconteciendo entonces?

La bella del Alhambra se inspira en la conocida novela “Canción de Rachel”, de Miguel Barnet (la cual también ha conocido una versión italiana que lleva por título La rumbera), pero su puesta en escena es rotundamente cinematográfica, no obstante el apabullante referente teatral que sustenta todo su drama. La entrañable recepción que encontró entre gente joven y adulta, entre personas que sólo alcanzaron a escuchar de la República instaurada en 1902 en términos peyorativos todo el tiempo, con la consecuente satanización de ese período histórico, lo que nos alerta es de su militante humanidad.

La película de Pineda Barnet fue el puente que mejor logró franquear aquel descomunal Muro invisible que se había edificado subrepticiamente entre el presente revolucionario y el pasado republicano. No es que con anterioridad no se hubiera aludido al espacio donde acontecen las peripecias de los protagonistas, pues allí están los testimonios registrados por Manuel Octavio Gómez en sus cálidos Cuentos del Alhambra (1963), o incluso puede recordarse a Isabel Moreno anticipando algo de su futuro personaje de La Mexicana en El extraño caso de Rachel K (1973), de Oscar Valdés, pero era la primera vez en que ese viaje al pasado prescindía del paternalismo que mira por encima del hombro esa etapa superada, y se mostraba a los personajes con sus alegrías y angustias, sus éxitos y sus fracasos, sus virtudes y sus miserias.

La historia de Rachel, corista que en La Habana de la década de los años veinte del siglo pasado pretende triunfar como vedette en el teatro Alhambra, podría recordar también a la de Fe (Rita Montaner), la ingenua campesina que en El romance del palmar (1938), de Ramón Peón, emprendiera el viaje a la capital dispuesta a imponerse. Se entiende entonces la distancia tomada en su momento por los promotores del llamado Nuevo Cine Latinoamericano, quienes (sobre todo a través de los Festivales de La Habana) intentaban legitimar un audiovisual enemigo del lenguaje convencional (asociado al discurso del colonizador cultural), y mucho más de las propuestas temáticas vinculadas al pasado. Incluso puede explicar un poco el desconcierto del propio Miguel Barnet, quien según sus palabras, tenía en la cabeza “otro guion”, si bien el que al final fue rodado, “menos intelectual, menos contrapuntístico” propició “una obra reconocida con la que yo me siento identificado”.[3]

Pineda Barnet no se arredró ante el qué dirán los que aún viven del afán vanguardista, y en los mismos minutos introductorios del filme puso en labios de la protagonista un bocadillo que, a modo de cartas sobre la mesa, establecería de modo explícito las reglas del juego melodramático en que se iba a participar. “Yo no soy dramática”, escuchamos que dice en off la protagonista en esos minutos en que se inicia todo, y añade, “esas palabras no me las aplico nunca. Yo soy una melancólica triste. Cuando vine a ver estaba inoculada por el virus fatal del artista”.

Pero La bella del Alhambra es mucho más que una película sobre el artista, mirado como un ente que dentro de la sociedad goza de un relativo prestigio, o padece de una reputación romántica y/o fatal. Como personaje, Rachel desborda ese estereotipo que hasta ese momento se había mostrado en las pantallas cubanas. La verdad es que Beatriz Valdés le inyecta un humanismo inusual, y seguimos con interés su historia porque su periplo existencial en el fondo nos está revelando esas constantes que acosan al individuo en todas las épocas, en todas las latitudes. La historia de Rachel es demasiado familiar: es la historia de todos, luchando agónicamente en ese Teatro incesante, saturado de luces, sombras, laureles, fracasos, música y silencios recurrentes, que es el mundo.

[1] Temperatura del cine cubano. Revista Bohemia Nro. 29, 15 de julio de 1988, p 10.

[2] Temperatura del cine cubano. Revista Bohemia Nro. 29, 15 de julio de 1988, p 10. Techo de vidrio fue un filme realizado por Sergio Giral en 1982, pero que no sería estrenado hasta 1988. En el mismo encuentro de la UNEAC, Julio García-Espinosa, presidente del ICAIC afirma: “Desde luego, se han dado casos coyunturales, como fue Techo de vidrio, película que desde el punto de vista artístico no alcanzó un resultado feliz. Esta película se consideró no conveniente sacarla a la luz pública en el momento en que se hizo. Su director Sergio Giral estuvo de acuerdo porque entendía que el país estaba viviendo momentos nada favorables para sacar la película. Puede ser discutible, pero fue de esa manera”.

[3] Miguel Barnet. El cine cubano y yo. Revista Cine Cubano Nro. 162, p 22.

Farah María y Verde verde

2011-08-12T14:38:00.001-07:00

Tomado del Canal de You Tube Manohand68

invitación a ver DAVID, de 1967, un filme de Enrique Pineda Barnet

2011-07-27T14:50:00.000-07:00

INVITACIÓN del Centro Provincial de Cine de La Habana
A la PROYECCIÓN DEL DOCUMENTAL DE LARGOMETRAJE

DAVID

REALIZADO EN 1967 POR ENRIQUE PINEDA BARNET

DAVID se exhibirá el último viernes de este mes (29 de julio, A las 6.00 PM, en el Salón Alhambra del Centro Cultural Payret), en Encuentros Cercanos, espacio interactivo que auspicia el Centro Provincial de Cine de la capital, con guión y conducción del crítico cinematográfico JORGE CALDERÓN GONZALEZ, quien fuera asistente de dirección durante la filmación original (1965 al 67).

DAVID fue el pseudónimo de guerra de Frank País García, activo militante revolucionario, héroe del llano y La Sierra, quien, en plena juventud, fue asesinado por la dictadura de Fulgencio Batista, en las calles de Santiago de Cuba.
Tras previo y arduo proceso de investigación, que luego supo conjugar, ya en el guión y las filmaciones, con el cine-encuesta, la reconstrucción de hechos (como las acciones del 30 de noviembre de 1956), auténticas imágenes de la época para dar el contexto, más la excelente música del Maestro Harold Gramatges, In memoriam, (Homenaje del compositor a Frank País), en 1967, Enrique Pineda Barnet estrenó su documental de largometraje DAVID (ICAIC, 1967)

Con indiscutibles valores de contenido, históricos y estéticos, las imágenes de DAVID fueron obra de los camarógrafos Rodolfo López, Pablo Martínez, Livio Delgado y Julio Simoneau. El sonido de Germinal Hernández, la edición de Caíta Villalón, y la producción a cargo de Raúl Canosa.

En su momento, cuando se estrenó, José Massip escribió en Cine Cubano: DAVID es el primero de un cine nuevo y es una obra que debe ser vista por las nuevas generaciones. Los colegas Roberto Branly y Teresa González Abreu escribieron: ”DAVID…cristaliza y deviene una exploración en torno al carácter y la lucha revolucionaria de una generación, encarnada en la figura de Frank País”.

VEAN: este viernes 29 de julio, A las 6.00 PM, en el Salón Alhambra del Centro Cultural Payret

DAVID

de Enrique Pineda Barnet, en cuya filmografía, además, sobresalen títulos como Giselle, Mella y La Bella del Alhambra, LA ANUNCIACIÓN y otros más, es el Invitado de Encuentros Cercanos en esta ocasión, donde tendremos un espacio para dialogar.

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Homenaje a Frank País García
en Encuentros Cercanos

Conducción: Jorge Calderón González

De cómo saborear las mieles del cine digital

2011-07-23T20:53:00.000-07:00

Abril de 2011.-Panel teórico Miel… de la Mitchell al digital, 10 años después

Por Rafael Grillo /crítico de cine

Habrán pasado veinte años desde que filmara La bella del Alhambra, pero Enrique Pineda Barnet sigue hablando como un vanguardista eterno. Reverdeciendo laureles, luego que en muy poco tiempo ha podido estrenar La anunciación y está dando los toques finales a Verde verde, describe la tecnología digital como “una ganancia para la humanidad”, que “permite a cada ser humano poder vivir la experiencia de la creación cinematográfica”.

Su intervención al cierre del panel teórico Miel… de la Mitchell al digital, 10 años después, dejó la ventana abierta hacia el camino del optimismo, después de que se sopesaran pros y contras de este momento-bisagra entre dos épocas en el que hoy vivimos, cuando las nuevas tecnologías ofrecen grandes oportunidades pero también nuevos retos.
El realizador Kike Álvarez apuntó certeramente que “la tecnología avanza más rápido que nuestras propias cabezas, las posibilidades son más amplias de lo que muchos de nosotros somos capaces de aprovechar. Todavía hay quien piensa a la vieja manera, la de las grandes producciones y el gasto excesivo de recursos y personal. También nos faltan productores creativos y gente que sepa sacarle beneficio comercial al cine cubano”.

Todavía marcado por la experiencia negativa de haber presentado Marina, su última película, en una sala sin las condiciones técnicas adecuadas, alertó sobre la necesidad de garantizar que las exhibiciones se produzcan en circunstancias de adecuado confort y calidad si se quiere que el público siga asistiendo a los cines.

En este sentido, el director del madrileño Festival de Cortometrajes La Boca del Lobo, Javier Muñiz, señaló: “Los directores de festivales tenemos una gran responsabilidad, porque no solo es importante garantizar la presencia de actores y realizadores, o la cantidad de películas que exhibimos, sino también la calidad de las proyecciones”. Aunque, por otra parte, expuso su experiencia en lugares intrincados, como “un pueblito perdido de Honduras”, a donde llegó con un disco duro y un datashow, y bastó una pared blanca para revelar a los habitantes del lugar ese arte maravilloso que es el cine.

“Es una cuestión estratégica”, explicó Sergio Benvenuto, director del Festival del Cine Pobre, amparado en su vivencias de Gibara. “Siempre intentamos hacer llegar lo mejor, pero no deja de ser válido que a veces se ponga por delante el interés de que al menos las películas puedan llegar a las comunidades”.

Una explicación significativa brindó Luis A. González Nieto, vicepresidente del ICAIC, cuando comentó que la institución tiene conciencia de la dificultad existente con las salas de cine del país y expuso la intención de extender la experiencia del Proyecto 23 y dotar de óptimas condiciones a alrededor de 50 salas de todo el país.
La jornada del miércoles en la mañana, desarrollada en la terraza del edificio que alberga el Museo de Historia Natural, tuvo su instante especial con la entrega —¡al fin!— del premio obtenido al Mejor Largometraje durante la primera edición del Cine Pobre a Peter Gallagher, llegado desde Estados Unidos.

Gallagher, quien presentará en el marco del 9no. Festival su más reciente película, titulada Contra la corriente, ofreció también sus opiniones sobre el tema del panel: “Las nuevas tecnologías no solo facilitan más producción, también amplían las vías para que el cine independiente y de pocos recursos consiga tener espectadores, gracias a soportes como Internet, los celulares, las computadoras… Pero la existencia de festivales como este es muy importante, porque garantiza que las películas independientes se exhiban en grandes teatros y ante mayores concurrencias de público”.

“La tecnología ya está ahí… nada podemos contra ella. Incluso, está haciendo revoluciones, y no se puede cerrar los ojos ante esta historia”, expresó Javier Muñiz, en un llamado a enfocarse sobre el lado positivo y propiciar que de estas nuevas tecnologías se haga el mejor uso. El mensaje de Barnet volvió a sonar como la postura más lúcida: “La felicidad compartida de ver la película en la sala de cine no debe desaparecer. Pero tampoco podemos estigmatizar las nuevas posibilidades de disfrutar el arte cinematográfico que ofrecen las tecnologías actuales”.

Tomado de Cubacine

Tiempo de amar

2011-07-16T10:18:00.000-07:00

Hoy sábado por el canal Mega TV (Miami, Estados Unidos), a las 8:00 pm, la proyección del filme cubano "Tiempo de Amar", de Enrique Pineda Barnet.

Ficha técnica:

Titulo Original: Tiempo de amar
Dirección: Enrique Pineda Barnet
País: Cuba
Idioma Original: Español
Formato: 35 mm
Categoría: Ficción
Tipo: Color
Duración: 85 min.
Año de producción: 1983

Productora: ICAIC
Guión: Miguel Cossío Woodward, Enrique Pineda Barnet
Producción: Ricardo Ávila
Fotografía: Raúl Rodríguez
Edición: Justo Vega
Música: Leo Brouwer
Sonido: José Borrás, Ricardo Istueta

Intérpretes:

Roberto Bertrand, Lili Rentería, Sergio González, Orlando Casín, Javier González, Carlos Cruz, Héctor Noas, Alberto Pedro, Sirio Soto, Mauricio Rentería, Larisa Vega, Roberto Blanco, Pedro Rentería, Raúl Pomares, Pedro Álvarez.

Sinopsis:

Se narra la historia de amor entre dos jóvenes que se ven obligados a separarse durante la crisis de Octubre de 1962. Inspirado en la novela Brumario, del escritor cubano Miguel Cossío Woodward.

12 de julio

2011-07-11T21:00:00.001-07:00

Dije que fue a pasear, para buscarle una salida amable.
Dije que el perfume se fugó del estuche
y lo dije porque así lo veía.
No dije que tenía siempre la esperanza de un regreso, no me atreví a decirlo.
He repetido muchas veces el deber de aceptarlo, de asumir que todos alguna vez saldremos por el mismo camino.¿Quién me garantiza que sea el mismo?
Que podamos encontrarnos en el camino.
He mentido, como tantas veces: no está nada, no está en ninguna parte.He mentido y me engaño por egoismo y cobardía.
Y confieso que todavía no puedo soportarlo.
Con un beso que no llena el vacío
enrique

ERNESTO CASAS

2011-06-19T20:09:00.000-07:00

RICARDO ERNESTO CASAS RODRIGUEZ (CASITAS) Nació en La Habana, el 17 de Octubre de 1914. Hijo del prestigioso músico cubano Luis Casas Romero (creador del género musical La Criolla, autor de El Mambí, Si llego a besarte, Carmela, Ave María a la Caridad del Cobre, y muchas otras), y de Rosalina Rodríguez Rivera. Siguió con dedicación y veló celosamente la obra de su padre.

Realizó sus estudios de primera enseñanza en la Escuela Pública y en las Escuelas Pías de San Rafael y Manrique. Hizo su Bachillerato en el Instituto de Segunda Enseñanza de La Habana.

Desde muy joven ingresó en la familia radial cubana, de la que se cuenta entre sus pioneros, y en la que alcanzó gran popularidad. Comenzó como locutor y animador en la COCO, fundada por su padre, donde fue después Director Artístico y Administrador desde 1937 a 1945. En esta misma época se da a conocer como compositor, siendo sus composiciones , en conciertos y programas radiales estelares, interpretadas por las más prestigiosas figuras del canto de esa época: Rita Montaner, Tomasita Núñez, Zoraida Marrero, Hortensia Coalla, Oswaldo Escobar, Alberto Santamaría, Oscar Lombardo, Nenita Viera, Georgina Doubuchet, María Ciérvide, Estrellita Díaz (cantante conocida en su tiempo como la Diana Durbin cubana, que alcanzara alto prestigio y llegó a dirigir los estudios de doblajes al español de Walt Disney en Hollywood, poniendo la voz latina a las imágenes de Blanca Nieves, Cenicienta, La Bella Durmiente) con la contrajo matrimonio, en una boda radial que hizo época en su tiempo.

Entre sus composiciones de esta etapa se destacan: “Por tus ojos verdes” (1937) (Canta Tomasita Núñez y Oswaldo Escobar), “Beso azul” (1938) (Letra de Félix B Caignet), “Mi reflejo en tus pupilas” (1938) (Canta Hortensia Coalla), “Has llegado a mí” (1938) (Canta Zoraida Marrero), “Sirena” (1937), “Te robé un beso” (1937), “Por fin” (1937), “Qué tienen tus ojos” (1937), “Danza Salvaje” (1938), “Chiquitica” (1938), “Quiero morir” (1938) (Cantan Estrellita Diaz y Hortensia Coalla),”Volverás” (1938) (Canta María Ciérvide), “Quiero que sepas” (1938) (Canta Oscar Lombardo), la revista musical “Onda Corta” (1939), “Marcha de la Victoria” (Letra de Raul Dubreuil) (1941).

En 1945 trabajó en la NBC y la CBS de New York, como narrador y actor, realizando al mismo tiempo estudios de Dirección Dramática. Regresa a Cuba. Es designado Director del Departamento de Radio de Publicidad Guastella de México. En México (de 1947 a 1951) realiza programas musicales y dramáticos en la XEW y XEQ, y es nombrado Director General de la Agencia de Publicidad Guastella de México, realizando además la Dirección de Producción Artística de impresos, dibujos, vallas, folletos, etc.
En enero de 1951 hace lo que él mismo llamaba su “regreso definitivo a Cuba”, trabajando como Director General de Radio, Televisión y Cine, de Publicidad Guastella en Cuba y en su Comité de Planeamiento y Creación y Vice-Presidente de la agencia.

Como fundador, ya no solo de la radiodifusión sino también de la Televisión cubana, en 1951 se destaca en la Creación, Producción y Dirección de programas estelares de la Televisión como “El Gran Teatro ESSO” , considerado históricamente como el mejor espectáculo de la Televisión, donde presentó, en vivo, las obras líricas más representativas de ese género, con figuras estelares del teatro lírico nacional e internacional (Rosita Fornés, Iris Burguet, Esther Borja, Maruja González, Alba Marina, Marta Perez, Panchito Naya, Luis Sagivela, Isidro Cámara, Miguel de Grandy, Armando Bianchi, Ana Margarita Martínez Casado, Lalita Salazar, Conchita Brando...) con las escenografías más sensacionales del gran escenógrafo Luis Marquez. Presentó también el “Video Revista La Corona”, los semanales Sábanas Palacio y los sensacionales programas dramático-musicales “Hallicrafter Frigidaire”, siendo elegido el Mejor Director y Productor de la Televisión desde la primera selección de la UCTRD. Realiza también innumerables cortos cinematográficos comerciales, y campañas publicitarias sensacionales como la de La Meneito, de la Cerveza Cristal. Fue el descubridor, entrenador y lanzador de Marta Veliz, La Meneito, sex simbol de la Cuba de los 50.
Enseñó, orientó y apoyo el surgimiento de múltiples productores y directores y guionistas jóvenes, camarógrafos y artistas (Enrique Pineda Barnet, Rogelio París, Alfonso Beltrán, Julio Simoneau, Ernesto, Chavelo Neyra, Jesús Cabrera y muchos más).
Y, con gran dedicación, ayudó al desarrollo de nuestras más destacadas intérpretes musicales.

Estudió artes, música, fotografía, cine. Fue radiotelegrafista aficionado y como Profesor de la Escuela de Producción y Dirección de TV en 1968, elaboró muy claros y precisos conceptos acerca de lo que debía ser un Productor, un Director, un Camarógrafo, etc. de la Televisión, así como los lineamientos y objetivos de los más diversos programas de nuestra TV.

Fue el creador y fundador del programa “Album de Cuba”, espacio que dirigió personalmente durante muchos años, y sobre el cual escribió extensas consideraciones acerca de la música tradicional cubana, dejando muy claros sus conceptos y distinciones sobre las tradiciones anquilosadas y nuestras tradiciones vivas que era deber rescatar. Legado conceptual vigente para cualquier concepción acerca de nuestras tradiciones artísticas.

Entre los innumerables programas de TV que produjo en los últimos años antes de su muerte, se destacaron: “Album de Cuba”, “Viernes a viernes”, “Sábanas Palacio” “Viernes de gala”, “Recital”, “Coros y Danzas”, “La mesa está servida”, así como los Programas Especiales para la Orquesta Sinfónica Nacional y los concertistas extranjeros invitados a Cuba –programas que dirigía con las partituras musicales de las orquestas, UNICO CASO EN CUBA-, los Programas Especiales del Ballet Nacional de Cuba, los Programas Especiales del Teatro Lírico (todos los cuales Ernesto Casas producía y dirigía, partituras musicales en la mano), y un interminable número de programas de Televisión que durante los casi 20 años que estuvo dirigiendo y produciendo se haría imposible contar.

Pocos días antes de morir había obtenido el premio de selección de su composición “De amar así” para el 1er Festival del Creador Musical (1971) interpretado por Esther Borja y por Alina Sánchez.
Falleció el 9 de abril de 1971.

Otras composiciones musicales, posteriores a 1962:
“Volver a ser”(1969, letra de Enrique Pineda Barnet, grabada por Esther Borja)
“Sentir el tibio sol de enero” (1970) (Grabada por Miriam Ramos)
“Cuando el viento llegue a su fin” (1970)(Letra de Alfredo Vigo)
“Si no te quisiera” (1970) (Grabada por Clara y Mario)
“Eres lo único que tengo” (1970)
“Tengo, tengo, tengo...” (1970)
“Si tuviera fuerzas” (1970) (Letra de Alfredo Vigo)
“Me queda solamente una esperanza” (1970)
“Flores de papel” (1970)
“De amar así”(1970) (Letra de Enrique Pineda Barnet. Grabada por Alina Sánchez)
“Como antes...”(1971)

EL QUITASOL EN LA BARANDA

2011-06-13T16:36:00.000-07:00

(A ESLINDA)

Ella desembarca
con la punta del pie delicado apenas perceptible
desembarca todos los días
desembarca, constantemente desembarca,
el tabloncillo no cruje a su pisada
y en cambio, las gaviotas
levantan el vuelo
y regresan a juguetear con ella.
Llevasu parasol de encaje acrisolado
que vuela sus orlas al vientecillo de la tarde
-siempre es la tarde-
siempre es el vientecillo
cuando ella desembarca.
Entonces, ella sonríe
y ocurre el milagro
y ella se desmaya
-porque el muelle se tambalea
porque el bote la dejó anonadada
porque el viento en las velas la estremece
porque se emociona con el regreso
porque ama intensamente y eso es demasiado-
y desembarca una y otra vez
y siempre es la sonrisa
y el desmayo
y la música crece
porque yo me emociono
de verla
de saber que puede refinarlo todo
que puede convertir en gentileza
hasta mi grosería.
Y la música crece
y crece
y ella desembarca
con su pie delicado
y....-!no, no se desmaya!
porque Ella,
simplemente,
es la gaviota.

Enrique Pineda Barnet
Diciembre, 27 de 1997

Poema dedicado a Eslinda Núñez, Premio Nacional de Cine 2011

es un sábado nostálgico

2011-05-14T16:28:00.000-07:00

como todos mis sábados, como casi toda mi vida. Pero no me pesa ni me aplasta, es la nostalgia bella de la vida vivida, de las personas que amo, de los lugares que he disfrutado, de los goces y dolores. Es el precio de todo ¿por qué no? Sin resentimiento, sin rencores, sin frustraciones. Aun con ganas, aun con sonrisas, aun con la esperanza de nuevas poibilidades hermosas, o si no... con la satisfacción de haber amado, de haber sido amado, de amar todavía

Programa de TV "Con 2 que se quieran", invitado Enrique Pineda Barnet

2011-05-11T00:23:00.000-07:00

Transmisión febrero de 2011, Televisión Cubana.

A MI MAMÁ

2011-05-07T20:05:00.000-07:00

HOPE

Yo te voy a dar
una hermosa e inmensa casa
construída
con las maderas quemadas
de los pueblos arrasados
una casa
con los pisos
del barro fundido
y el hierro
de todas las demoliciones
de cuando los mil soles quemaron la tierra

Yo te voy a dar
una casa que mira hacia todos los paisajes
para que no quepa la nostalgia
una casa en el cielo
en la tierra.

Lo que no puedo es
devolverte
ese sencillo tiesto
la simple planta
tu matica imaginaria
y recordada
de hierbabuena.

ENRIQUE PINEDA BARNET

Puerto Rico, Octubre15 de 1994

Foto de Maricarmen Figueroa Perea: Esperanza Barnet y Enrique Pineda Barnet, en Xochimilco, DF, México.

Amigos queridos:

2011-05-06T10:40:00.000-07:00

En dias como estos de terremotos, sunamis, erupciones, sequías, las inundaciones, amenazas atómicas, guerras, invasiones, crímenes, violencia incontenible, pienso en las magnitudes y las diferencias.
Me enfermo de dolor y vergüenza, una vez más, pero esta vez con miedo.
me enfermo de nosotros mismos: la arrogancia, las vanidades, la intolerancia, la terquedad, las ambiciones, el rencor, el oportunismo, la envidia, la prepotencia, los sagrados ombligos del mundo...me hacen temer la aproximación del diluvio.Nuestro propio DILUVIO, el que nos inventamos cuando se nos agota la poesía.

Lo único que me viene a la mente y al corazón, es convocar, reiterando el exergo de LA ANUNCIACION:

"Ámense por encima de las diferencias
que no hay mayor amparo que nosotros mismos"

¿A quién se lo puedo decir?

enrique pineda barnet
Mayo 2011, vísperas del día de las madres

(Foto: Rodaje del filme "Angelito mío", de Enrique Pineda Barnet, en Puerto Rico)